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두 아티스트의 물리적 화합
니콜라스 베커 X 안나 칼로사
Intersections Beyond Boundaries - Anna Galtarossa x Nicolas Becker
혼합물과 화합물은 다릅니다. 혼합물은 두 가지 이상의 물질이 섞이지만 각각의 성질은 그대로 가지고 있는 반면 화합물은 서로 단단하게 결합하여 새로운 물질이 되어 물질의 성분 자체가 다른 성질을 가지게 되지요. 이 화합물은 물질에서만 국한되는 것이 아닙니다. 서로 다른 영역에서 활약하는 아티스트들의 만남에서도 화학적 시너지는 발휘됩니다. 기아는 서로 다른 영역의 아티스트들이 ‘페어링’하여 새롭게 창조한 이야기를 지난 4월 ‘밀라노 디자인워크’에서 선보였습니다. 바로 전시 였습니다. 두 작가가 경계 너머의 창의적 작품을 선보였는데요. 이 전시에 참여한 아티스트 안나 칼타로사Anna Galtarossa와 니콜라스 베커Nicolas Becker가 협업한 ‘The Spirit of Disco’를 소개합니다. 전방위적으로 활약하는 안나 칼타로사(이하 안나)는 움직이는 키넥틱 아트를 바탕으로 작품을 구현하는 과정에서 니콜라스 베커(이하 니콜라스)와 사운드를 찾아가는 과정을 통해 ‘The Spirit of Disco’만의 예술적 가치를 보여주죠. 《기아 디자인 매거진》에서는 두 아티스트가 함께 작품을 만들어 내기까지의 과정과 그 안에 담긴 스토리, ‘페어링’의 의미를 어떻게 견지하고 있는지 이야기를 들어봅니다. 니콜라스 베커는 영화 사운드의 세계에서 다방면에 걸친 거장으로, 사운드 디자이너, 폴리 아티스트, 작곡가로 활동하고 있다. 그중 사운드 디자인에 있어 각 프로젝트에 맞는 맞춤형 마이크 만드는 방식으로 작업을 하는데, 이 방법은 그의 작업과 현대 미술의 영역을 엮어낸다. 특히 니콜라스는 2021년 4월 다리우스 마더Darius Marder 감독의 걸작인 로 아카데미 음향상을 수상했다. Mixtures and compounds are different. In a mixture, the original substances retain their individual properties, whereas a compound is a new substance that binds tightly together and becomes a new substance with a new property. Chemical synergy is not limited to substances; it also happens when artists from different fields collaborate. Kia presented a story of artists from different fields “pairing up” to create something new at the Milan design week last April. The title of the exhibition was Opposites United: Intersections Beyond Boundaries and it featured 'The Spirit of Disco', a collaboration work between two artists active in different fields, Anna Galtarossa and Nicolas Becker, to showcase their creative work across boundaries. Anna created a kinetic artwork and worked with Nicolas to find the right sound for her work, which culminated in The Spirit of Disco. Kia Design Magazine delved into the processes invovled in this collaboration, the story behind the process, and their perspectives on the meaning of 'pairing up'. My name is Nicolas Becker, I was born in France in 1970. I’m a foley artist, sound designer and composer. I have been working with sounds for 35 years. I live in Paris but work with people all over the world. I am Anna Galtarossa, I was born in Italy in 1975. I’m an artist and I’ve been working most of my life on sculptures and installations, mostly things that move. My art is generally very colorful, and my pieces prefer to be outside the protection of museums and galleries. I had my first exhibition as an artist in 2004, at the Spencer Brownstone Gallery, and they still represent me to this day.
나무는 숲의 에너지로
아뜰리에형준, 이형준
Pipe fittings grow into trees,
creating an energetic forest
익숙한 소재가 조금도 익숙하지 않은 오브제로 탄생한다. 가열이나 냉각 같은 물성 변화의 과정을 거치지 않았는데 번쩍거리던 금속은 나이테를 두른 나무가 되고 차가움은 따스함이 된다. 이 변화는 파이프 피팅이라는 산업 부품을 찾아낸 덕이다. 스테인리스를 소재로 작업을 하는 아티스트는 많지만 산업 부품 파이프 피팅을 통해 대조적인 자연을 그려내고 있다는 건, 작가의 놀라운 발상이 있었기에 가능했던 일. 작가는 인공을 자연에 한 발 더 가까이 가기 위한 지속적인 여정을 멈추지 않는다. 인공으로 자연을 만드는 아티스트의 다음 발상과 상상이 궁금하다면? 은근한 금속 냄새와 고요한 용접이 기다리는 금속조각가 이형준의 신세계로 입장할 시간이다. 2호선 문래역에서 내려 우체국이 있는 방향으로 걷다 보면 일렬로 정렬한 철공소들이 나타난다. 오래전 문래동은 끊임없이 귀가 먹먹해지는 쇳소리와 시야를 가리는 먼지바람에 정신이 아득해지는 철공 단지였다. 집이 있던 보라매공원부터 4~5킬로미터를 하릴없이 걷곤 했던 소년에게 쇳가루와 분진이 날리는 문래동 철공 단지는 반짝반짝 빛나는 신기하고도 신비로운 보물섬이었다. 예술은 가장 어두운 곳에서 탄생한다고 했던가. 유일하게 활기찬 것이라고는 기계들뿐이었을 그곳에서 소년은 이미 무한한 가능성을 목도하고 있었는지도 모른다. 어린 시절 가능성의 무한한 자유로 자라났다. 철공과 예술. 이질적으로 느껴지는 조합으로 이루어진 미로를 사뿐한 발걸음으로 작가 이형준은 부유한다. 평범한 산업용 파이프 피팅Pipe Fiffing을 구부리고 잇고 두드리고 줄을 그어 완성한 선반은 우리가 ‘선반’으로만 알고 있던 것의 범주를 과감히 초월한다. 페르낭 레제Fernand Léger의 입체주의 그림에서 본 것 같기도 하고 레오나르도 다 빈치의 설계 도안에서 본 것 같기도 한 익숙하면서도 낯선 형태가 자꾸만 시선을 붙든다. ‘파이프 피팅’은 피상적 포맷에 불과할 뿐, 어쩌면 아티스트는 아트와 퍼니처, 예술과 실용, 냉기와 온기, 인공과 자연 등 하나가 될 수 없는 둘을 ‘피팅’하려는 시도와 실험을 거듭하고 있는 게 아닐까. 《기아 디자인 매거진》은 실험적 예술가이자 예리한 관찰자, 진지한 실험가인 이형준, 그에게 묻기 시작했다. Familiar materials are transformed into unfamiliar objects. Shiny metal pieces become wood complete with tree rings, without undergoing any heating or cooling processes, creating cold objects that radiate with warmth. Such transformation is made possible thanks to pipe fittings also known as pipe connectors. There are many artists who work with stainless steel, but an artist using pipe fittings to depict objects from nature is unprecedented. Hyungjun is on a continuous journey to bring artificial objects a step closer to the nature. We invite you to the world of metal sculptor Hyungjun Lee and explore the artist's next ideas. In Seoul, there is a street full of ironworks located near Mullae subway station. Decades ago, Mullae-dong was an ironworks complex full of sound and dust. During his childhood, Hyungjun used to walk several kilometers from his home near Boramae Park to the ironwork complex and was fascinated by it. It is said that art is born in unlikely places. Indeed, Hyungjun saw infinite possibility in the noisy and dusty complex full of industrial machinery. Somehow, Hyungjoon Lee floats through a maze of seemingly disparate combinations of industrial ironworks and crafting arts effortlessly. For example, his shelves which are made by bending, connecting, hammering, and lining ordinary industrial pipe fittings, boldly transcends the traditional boundary of shelves. The familiar yet unfamiliar shapes that seem to have come from a cubist painting by Fernand Léger or a design drawing by Leonardo da Vinci, draw our attention. The artist is using 'pipe fittings' as a medium, experimenting to blend two unlikely ideas and objects, such as art and furniture, art and practicality, coldness and warmth, man-made and natural. Kia Design Magazine interviewed Hyungjun Lee, a daring artist, keen observer, and serious experimenter, on what he is trying to achieve.
이방인이 담은 한국의 집
잉고 바움가르텐
Familiarity transformed into the unfamiliar The ordinary perceived through the exotic eyes, A foreigner’s portrait of a Korean house Ingo Baumgarten
풍경이 익숙해지면 우리는 그것에 큰 감흥을 느끼지 못한 채 스쳐 지나친다. 하지만 익숙한 듯한 풍경 속에서도 섬세한 관찰을 통해 익숙한 것을 낯설게, 평범한 것을 아름답게 화폭에 풀어내는 이가 있다. 바로 독일 화가 잉고 바움가르텐(이하 잉고). 일상에서 건축의 구조, 소재 등을 탐구하며, 자신만의 상상을 스토리텔링 하여 잉고만의 시선을 만들어 낸다. 잉고의 그림을 마주하면 마치 ‘이상한 나라 앨리스’로 빨려가듯 새로운 세상이 눈앞에 펼쳐진다. 그래서 우리는 무심코 스쳐 지나갔던 풍경을 다시금 돌아보게 된다. 16년째 한국에 살면서 서울을 관찰하며, 한국의 주택과 건물을 자신만의 해석으로 그리며 한국인들과 상호작용을 하는 잉고의 이야기가 시작된다. 독일의 서부 하노버 교외 작은 마을에서 태어나 그곳에서 학창 시절을 보냈다. 그 학생은 풍부한 문화가 있는 대도시를 동경했고, 미술학도이자 젊은 예술가가 되고자 파리로 떠났다. 독일에서 학업을 마친 후 ‘파리 시각예술고등예술원 Institute of Higher Studies in Visual Arts Paris’에 합격하여 초대받은 것. 그곳에서만 머물지 않고, 대만, 일본, 한국으로 유랑해왔다. 다문화적 관점을 견지한 잉고는 2008년 홍익대학교 교수가 되어 학생들을 가르치고, 1970년에서 1990년 사이에 지어진 콘크리트 주택에 매료되어 한국의 집과 건물을 화폭에 담고 있다. 잉고 바움가르텐이 한국의 주택에 매료된 데에는 유럽에서 나고 자란 환경이 한몫했다. 대부분의 유럽은 일률적으로 집을 짓는다. 지붕의 규격, 방의 구조 등 하나하나 정해진 법규가 있고, 집을 보수하기 위해서는 20년 정도가 흘러야 한다. 반면, 한국의 주택은 전통과 현대의 대비가 뚜렷하면서도 주택의 구조나 형식이 저마다 다르다. 이 대비 속에서 한국인들의 개성이 묻어 있는 저마다의 스토리가 잉고의 시선을 끌었다. 그런 잉고는 한국인이라면 무심코 지나쳤을 지붕을 보고 영감을 얻었다. “마치 두 손을 모으고 기도하는 모습처럼 느껴졌어요.” 이방인 시선에서 한국 주택은 영감의 원천이었고, 한국 주택이나 건물의 한 단면을 극대화하여, 자신만의 상상을 더해갔다. 《기아 디자인 매거진》은 한국적이면서도 한국적이지 않은 잉고 바움가르텐만의 세계가 궁금했다. 한국에서 어떤 매력을 느끼는지, 그 매력을 어떻게 그려내는지 등 한국을 바라보는 잉고의 관점이. When we become familiar with a landscape, we often pass by it without much thought or feeling. Yet, there are those who, through careful observation, manage to transform the familiar into the unfamiliar and the ordinary into the beautiful, expressing it through drawing. One such individual is the German painter Ingo Baumgarten. He explores the structures and materials of architecture in everyday life, weaving his unique imagination into a distinct storytelling style. Encountering Ingo's artwork feels like being drawn into a new world, much like being pulled into "Alice in Wonderland." This prompts us to revisit the landscapes we once overlooked. And this is the beginning of the story of Ingo, who has been observing Seoul after living in Korea for 16 years and interpreting its houses and buildings in his own way, and engaging with the local people. Born in Hanover, West Germany, later raised up in a small town close to Düsseldorf, Ingo spent his school days there. He always longed for the rich culture of the big cities and set off for Paris to pursue his dream of becoming an art student and a young artist. After ending his studies in Germany, Ingo was accepted and invited to the Institute of Higher Studies in Visual Arts Paris to study. Not limiting himself to Paris, he also traveled to Taiwan, Japan, and Korea. Embracing a multicultural perspective, Ingo settled in Korea in 2008, becoming a professor at Hongik University to teach fine art. Captivated by the concrete houses built between the 1970s and 1990s, he brings Korean homes and architecture to life on canvas. Ingo Baumgarten’s fascination with Korean houses can be traced back to his upbringing in Europe. In most parts of Europe, houses are built uniformly, with specific regulations governing aspects like roof dimensions and room layouts. There are strict laws in place, and houses typically require about 20 years to undergo renovations. In contrast, Korea displays a stark contrast between tradition and modernity, with each home having a unique structure and design. This contrast and unique features of each house caught Ingo’s eyes. And he was inspired by the roof, something many Koreans might pass by without a second thought. “It felt like hands clasped together in prayer,” he remarked. From the foreigner’s point of view, Korean homes were a source of inspiration. By magnifying particular elements of Korean houses and buildings, and blending them with his own imagination, he portrayed the landscapes of Korea in his art. was curious about Ingo Baumgarten's unique world, one that feels both distinctly Korean and yet not, through the eyes of a foreigner. What was it about Korea that attracted him? How did he translate that allure into his work? And how does Ingo perceive the country?
자연과 사람 예술의 어울림
스페이스미조
Creating intricate synergy with nature, people, and art
Space Mijo
보통 건축 설계에 반영해야 하는 주변 상황이나 맥락을 ‘콘텍스트(Context)’라는 단어로 표현합니다. 이 때문에 건축가에게 있어 콘텍스트는 영감의 원천이 되기도 하는데요. 도시재생이라면 더욱더 이 콘텍스트는 건축가에겐 중심이 될 수밖에 없습니다. 새로운 실험과 도전으로 기존 건축물과 차별화하면서도, 기존 건축물이 가진 주변의 맥락과 어울림은 유지해야 하기 때문이지요. 그 명제를 기꺼이 받아들이며 낯설면서도 익숙한 공간이 탄생했습니다. 바로 스페이스미조입니다. 남해안의 드넓은 바다, 어선이 그득한 미조항, 그 뒤로 펼치는 산과 여러 섬이 중첩되어 만들어낸 한국화에서 볼 법한 풍경. 이 중심에 스페이스미조를 설계한 박석희, 이선희 건축가가 있습니다. 두 건축가는 미조항의 콘텍스트를 한국의 미감으로 풀어내기 위해 기존 건물의 골자는 그대로 두고, 미조항의 풍경과 어울리도록 스케일은 줄여갔습니다. 《기아 디자인 매거진》이 ‘스페이스미조’를 선택한 이유입니다. 건축가로서 도전과 시도를 통해 복합문화공간이라는 현대적 이름을 달았지만 한국적 미감으로 풀어내 미조항의 풍경에 자연스럽게 스며든 어울림. 《기아 디자인 매거진》에서 두 건축가가 써 내려간 스페이스미조의 이야기를 따라가 봅니다. 필자는 몇 해 전부터 ‘천년의 탐사대’를 꾸려, 한국 건축의 흔적을 찾아다니고 있었다. 최근에 알게 된 것은 부여에서 시작해, 고(句)려, 백제, 신라, 다시 고려, 그리고 조선. 현재에 이르기까지 아름다움에 대한 한국인의 미감이 시대에 따라 달라져 왔으며, 전 국토에 걸쳐 복합적으로 연결되어 있다는 것을 발견할 수 있었다. 이러한 발견의 한복판에 서면 필자는 한국의 건축가로서 이것을 현대 건축에 스며들도록 하고자 하는 시대정신에 마음이 조급해진다. 고유섭 선생이 우리나라의 미감을 정의한 ‘구수한 큰 맛’을 교본 삼아, 건축을 해나가면서, 필자의 설계는 도면에서 도저히 표현할 수 없는 복합적인 감각의 아름다움을 향해 나아가고 있다. 스페이스미조는 이러한 감각의 복합적인 상승 관계를 이끌어내는 작업이었다. In architecture, the word 'context' usually refers to the surroundings or factors that must be reflected in a design. For this reason, context is often a source of inspiration for architects, especially when it comes to urban regeneration. Context is even more central for architects when designing new buildings, as they need to experiment and differentiate themselves from the existing architecture, while still blending in with the surroundings and existing buildings. Space Mijo is a fine example of the successful fusion of unfamiliar and familiar elements. Mijo Port boasts a picturesque view with the vast blue ocean dotted with fishing boats, and layers of small islands and mountains. Two architects, Park Seokhee and Lee Sunhee created Space Mijo by redesigning an old warehouse to enable it to blend in at the Mijo Port whilst having a distinctive touch of Korean aesthetics and retaining its basic structure. Space Mijo is designed as a cultural complex yet has elements of traditional Korean aesthetics, thanks to the designers’ successful take on incorporating distinctive Korean aesthetics into its design. This makes Space Mijo a perfect item to be in the spotlight in the Kia Design Magazine. Read on to learn all about the story of Space Mijo written by the two architects. For many years, we have traveled around the country, exploring, and discovering different Korean architecture. Over time we learned that the Korean sense of beauty has changed over time, as different dynasties have risen and fallen, from Buyeo to Joseon. We also learned that elements of Korean aesthetics have been dispersed over time, and regions are intricately connected across the entire country. Upon discovering all this, we became eager to translate it into contemporary Korean architecture. Late art historian, Ko Yoosup, summarized traditional Korean beauty as ‘profound savory taste’. We used this as a guideline in the Space Mijo project, which led to some wonderfully complex sensory beauty that could not be expressed in a drawing. The project was all about achieving a complex synergy of sensory beauty.
새로움을
향한 무한한 자유
Unlimited Freedom Toward Newness
자개, 레진, 나무 등을 재료로 활용해 독특한 스타일링을 선보이는 헤어 아티스트 가베와 식물에 인공적 재료를 더해 외계 식물이라는 이색적인 작품을 선보이는 플랜트 아티스트 하이이화. 익숙한 소재로 새로운 시각적 경험을 제공하는 두 아티스트의 작업은 ‘상반된 개념의 창의적 융합(Opposites United)’에 대한 신선한 영감을 불러일으킵니다. 더 이상 새로운 게 있을까 싶은 영역에서 예상을 뛰어넘는 신선한 작품을 맞닥뜨리며 경이로운 감정이 고양될 때가 있습니다. 헤어 아티스트 가베와 플랜트 아티스트 하이이화는 이런 놀라움을 선사하는 작가입니다. 자개, 레진, 나무 등을 소재로 헤어 스타일링의 신세계를 보여주는 가베는 영감의 원천이 어린 시절의 기억에 있다고 고백합니다. 동양미술과 불교에서 영향을 받은 하이이화는 식물과 전자부품으로 낯선 외계 식물을 만듭니다. 두 아티스트는 익숙함에서 출발해 작품세계를 자유롭게 확장하며 새로운 창의성(New Creativity)을 선보입니다. 안녕하세요. 헤어 아티스트 가베입니다. 안녕하세요. 저는 인공적인 요소와 식물을 결합해 현실에서 경험할 수 없는 미지 세계의 외계 식물을 만드는 플랜트 아티스트 하이이화입니다. Gabe, a hair artist, creates unique hairstyles using mother-of-pearl, resin, and wood, while HA I I HWA, a plant artist, creates alien plants by adding artificial materials. The work of these two artists, who create new visual experiences with familiar materials, provides fresh inspiration for “Opposites United.” Sometimes, in an area where you think there cannot be anything new anymore, you come across something fresh that exceeds your wildest expectations and inspires a sense of wonder. Hair artist Gabe and plant artist HA I I HWA are two such surprising artists. Gabe, who uses mother-of-pearl, resin, wood, and other out-of-the-ordinary materials to showcase a new world of hairstyling, confesses that his inspiration comes from childhood memories. HA I I HWA, on the other hand, is influenced by Eastern art and Buddhism. She creates strange alien plants using plants and electronic parts. These two artists offer viewers a new sense of creativity by starting from the familiar and pushing the boundaries of their respective art worlds. Hello. I’m hair artist Gabe. Hello. I’m HA I I HWA, a plant artist who combines man-made elements with plants to create alien plants from uncharted worlds that we can’t experience here in the real world.
Let’s
Enjoy Your Discovery!
Let’s Enjoy Your Discovery!
지난 6월 기아글로벌디자인(이하 기아디자인)으로부터 조직 활성화를 위한 워크숍 설계를 제안받았다. 자동차 디자인은 많은 디자이너들이 서로 협업하며 결과물을 완성하는 과정을 거치기 때문에 디자이너 개인의 크레딧보다는 조직을 우선하는 편이다. 특히 커다란 포부와 의욕을 가지고 입사한 디자이너가 디자인 작업에 몰두한 지 3~5년 정도 되면 리셋을 위한 리프레시가 필요해진다. 이를 위해 창의적 사고를 재충전하는 맞춤형 1일 워크숍 기획이 필요하다는 게 골자였다. 워크숍을 통해 어떤 시간을 보내고 싶은 걸까, 조심스레 물어보니 몇 가지로 압축할 수 있었다. 밑줄이 필요한 단어로 빼곡한 문장들에는 구성원에게 도움을 주고 싶다는 기아디자인의 진심이 가득 담겨있었다. 특히 ‘오퍼짓 유나이티드Opposites United’라는 철학 아래 많은 이들의 영감을 총체적으로 모아 결과물을 도출하는 조직 입장에서, 그 근본을 이루는 디자이너 개인의 정체성과 브랜딩에 신경을 쓰고 계속 소통하려 노력한다는 점은 명징했다. 게임 디자인을 바탕으로 몰입형 워크숍(immersive workshop)을 진행하는 우리 ‘놀공NOLGONG’의 장기를 활용하면 조직과 개인에게 모두 도움 되는 흥미로운 장을 마련할 수 있지 않을까, 생각이 들었다. In June 2023, I was approached by the Kia Global Design Division (hereinafter Kia Design) to organize a workshop that would revitalize their organization. Automotive design is a process where many designers collaborate to complete a product, so the organization tends to take precedence over individual designer credits. That is especially true for designers who joined the company with great ambition and motivation yet could still use a boost of momentum to reset themselves after three to five years of such immersive design work. The key was to design a customized one-day workshop to recharge their creative batteries. After carefully asking them what they wanted to do during the workshop, I narrowed it down to a few things. Kia Design’s sentences, filled with words that needed to be underlined, contained the organization’s sincere desire to help its members. In particular, it was clear that as an organization that collectively harnesses the inspiration of so many people to produce results under Kia’s design philosophy, “Opposites United,” it still cares about the identity and branding of each designer—which becomes the organizational foundation—and tries to continue communicating with them on an ongoing basis. I thought we could create an exciting opportunity that would benefit both the organization and the individuals themselves by leveraging NOLGONG’s extraordinary ability to conduct immersive workshops based on game design.
디자이너 로베르트 클로스.
그의 다양한 이야기를 들어봅니다.
Designer Robert Klos. Hear his various stories.
아주 어릴 때부터 자동차, 기차, 자전거를 참 좋아했어요. 몇 살인지 기억도 안나네요. 기계적인 면모를 띤 움직이는 사물에 항상 관심을 빼앗겼죠. 아파트 창밖을 내다보며 저 멀리 지나가는 열차의 화물칸 갯수를 세곤 했다니까요. 동네에 처음 보는 차가 지나가거나, 큰 트럭을 발견할 때면 뛸 듯이 기뻐했던 경험도 기억나네요. (웃음) 또 다른 취미는 그림 그리기였어요. 건축물이나 아파트 설계도를 그렸는데, 건축사무소에서 일하시던 할머니의 영향을 받은 게 아닐까 싶어요. 물론 자동차도 자주 그렸습니다! TV에 나온 F1 자동차를 따라 그리곤 했죠. 제가 디자인에 관심을 가진 특별한 계기가 있어요. 14살 때 제 사촌이 제품 디자인을 공부하고 있었어요. 그가 만든 작업물을 본 순간 깨달았죠. ‘내가 하고 싶은 건 바로 이런 거였어!’ 저는 제품 디자인에서 한 걸음 더 나아가, 어릴 적부터 늘 제 넋을 빼놓던 자동차를 디자인하고 싶다는 꿈을 품게 되었어요. 하지만 목표를 이루기까지는 조금 시간이 걸렸어요. 당시 제가 살던 폴란드 바르샤바에는 자동차 회사가 없었고, 자동차 디자인을 전공할 길도 묘연했어요. 그래서 독일과 오스트리아에서 공부를 했답니다. 시간이 흘러 2017년부터는 기아유럽디자인에서 일할 수 있었죠. 지금 이렇게 《기아 디자인 매거진》과 인터뷰를 하는 거 보니, 결국 꿈을 이룬 게 아닌가 싶네요. 하하. Ha, that’s a very tricky yet straightforward question. The answer to it might be a bit too long, though, if I would go into every detail. Anyway… Ever since I can remember, I have been fascinated by cars, trains, and bicycles; I have no idea why. Everything that was moving and had some technicality always got my attention :). I remember looking out the window of the flat I lived in as a kid and counting wagons of trains passing by in the distance. I remember feeling super happy seeing a new car or big truck on our street. Also, for some reason, I can’t explain why I was drawing a lot: architecture and plans of the apartments (I think my grandma, who was working in the architecture office, influenced me a bit; my dad is a fantastic drawer, too, by the way!) And, of course, I was drawing cars! Especially F1 Cars when I watched it on TV (I was six years old). Things evolved quite a bit over the years, and finally, when I was 14, I got interested in art and design. My cousin was studying Product design and showed me some stuff he was working on. BUM, that was it! I decided to take it a step further and try car design, even though we didn’t have any car design school or car industry in Poland. It took some time, some moving to different countries and learning, but hey, now I am here, talking to Kia Design Magazine, so I think things worked out quite well in the end :)
선입견을 넘어 무한한 가능성의 세계로
드랙 아티스트 나나영롱킴
Beyond Prejudice: Advancing Toward a World of Infinite Possibilities — Nana Youngrong Kim, Drag Artist
나나영롱킴은 현재 한국에서 가장 인지도 높은 드랙 아티스트다. 연극영화과에 진학해 배우의 길을 모색했지만, 남녀의 고정된 성역할과 로맨스가 주를 이루는 관습적 연기에서 한계를 느끼던 그는 우연히 드랙 아티스트를 조명한 영화 〈프리실라〉와 〈헤드윅〉을 접했고, 영화에 등장하는 드랙 아티스트의 화려한 의상과 소품에 마음을 빼앗기며 드랙 문화에 빠져들었다. 그때부터 현재까지 18년이라는 시간 동안 그는 기존의 클럽 무대에 머무르지 않고 다양한 문화 예술 장르에 도전하며 ‘성소수자들만의 문화’라는 드랙의 선입견을 허무는 데 지속적인 역할을 담당했다. 브라운아이드걸스, 마마무, 박효신, 유노윤호 등 다양한 K팝 아티스트와 협업했고, 럭셔리 브랜드 베르사체, 모스키노, 로에베, 루이 비통 등의 러브콜을 받았으며, 코스메틱 브랜드 헤라HERA의 캠페인 모델로 활동하며 컬래버레이션 제품을 발매했다. 그는 드랙을 주제로 한 개인 다큐멘터리 〈NA, NA〉를 제작하고, 한국 드랙 아티스트로는 유례없이 사진전을 여는 등 드랙 문화의 확장성을 계속 증명하는 중이다. Korea’s drag culture, once considered “cross-dressing” and enjoyed by just a small group of people, is now entering a new phase. Today, different definitions and categories of drag culture are emerging, and drag artists are expanding into a variety of genres. One name on this new cultural map is Nana Youngrong Kim, one of Korea’s leading drag artists. As a drag artist, Kim embraces freedom of expression and the diversity of genres, direct proof of his belief that drag is the act of being able to be absolutely anything. Drag culture is a liberating medium in that it can help anyone in the world move forward in the direction of their choice. Kia Design Magazine met up with Kim and listened to his perspective and attitude to change many of the stereotypes surrounding drag and highlight the infinite possibilities of drag culture as a driving force to enrich our times.

DQM 업무를 맡는 김규환. 그의 다양한 이야기를 들어봅니다. Senior Designer Kyuhwan Kim. Hear his various stories, including DQM.

Q1.
안녕하세요. 자기소개를 간단히 부탁드립니다.

Q1.
Hello, please tell us about yourself briefly.

반갑습니다. 저는 김규환 책임연구원입니다. 2010년 입사해 기아 남양디자인센터에서 익스테리어 디자인 프로젝트에 참여해 왔고, 현재 기아넥스트디자인외장실에서 익스테리어 디자인 전반에 대한 디자인 퀄리티 업무를 담당하고 있습니다.

My name is Kyuhwan Kim, and I’m a senior designer. Since joining the company in 2010, I’ve been involved in exterior design projects at the Kia Namyang Design Center. Presently, I’m in charge of design quality for overall exterior designs at Kia Next Design Exterior Group.

Q2.
본인의 커리어를 선택한 계기가 있을까요?

Q2.
What made you choose this career path?

자동차 디자이너 중에는 어릴 때부터 진로를 결정한 분이 굉장히 많은 것 같아요. 반면 저는 상대적으로 늦은 시기에 자동차 디자이너를 꿈꿨어요. 대학교에 입학했을 당시만 해도 영상이나 광고 쪽에 관심을 두고 있었거든요. 그러다 우연히 한 선배를 만나게 되었는데요. 그때까지 대화한 디자이너 중 생각이 깊고, 본질을 꿰뚫는 통찰력이 돋보이는 사람이었어요. 그 선배가 마침 자동차 디자인을 전공하고 있어서 자연스럽게 저도 흥미를 느끼게 되었고, 그러다가 자동차 디자인에 빠지게 되었네요.

I think there are a lot of automotive designers who decided on their career paths at an early age, but I dreamed of becoming an automotive designer relatively late in life. When I started university, I was interested in film & video studies as well as advertising, but then one day I met a fellow student who was a bit older than me. He was one of the most thoughtful and insightful designers I had ever talked to. He happened to be majoring in automotive design, so naturally I was intrigued, and that’s how I fell in love with automotive design.

Q3.
10년 동안 외장 디자이너로 일하시다가 지난 2020년부터
외장실 직속 조직인 DQM(Design Quality Management) 그룹에서
디자인 퀄리티 관리 업무를 맡고 계세요.
DQM이라는 조직이 생소하게 다가오는데요.
업무에 대한 설명을 부탁드려도 될까요?

Q3.
You’ve been an exterior designer for ten years,
and since 2020, you’ve been working for
DQM, an organization directly
under the Kia Next Design Exterior Group.
As someone who is not familiar with DQM,
can you describe your work?

저희 업무는 크게 두 가지로 나눌 수 있어요. 첫 번째는 디자인 단계 후반에서 디자인 퀄리티를 높이는 일입니다. 품평회에서 결정한 디자인을 더욱 돋보이는 방법을 고민하고, 이를 토대로 개선안을 내고, 수정한 디자인을 검증하는 과정을 거치는 일을 반복해요. 수정과 검증을 계속할수록 디테일의 퀄리티가 높아지더라고요. 두 번째는 앞서 말한 과정을 거쳐 다듬은 디자인을 지켜내는 일이에요. 디자인을 결정하는 고정 단계는 전체 자동차 개발 프로세스의 중간 지점에 해당하는데요. 이후 절반 남짓한 기간에는 다양한 일이 진행되면서 불가피하게 디자인을 수정해야 할 경우가 생겨요. 예를 들어, 결정한 디자인을 구현하는 데 있어서 기술적인 어려움이 있다는 판단이 들기도 하고, 비용적인 문제, 심지어는 법규와 관련한 문제가 발생할 수 있죠. 문제가 생길 때 기존 디자인을 해치지 않고 이상적인 해결책을 찾아내는 일 또한 DQM에서 해야 할 업무입니다. 한 마디로 내·외장 디자이너가 보석의 원석을 어떻게 가공할지 결정하고 나석으로 만드는 일을 맡는다면, DQM에서 근무하는 디자이너는 가공한 나석이 최대한 돋보이도록 광을 내고, 마무리하고, 깨지지 않게 잘 지키는 역할을 한다고 볼 수 있을 것 같아요.

Our work is largely divided into two parts. The first is to improve design quality in the later stages of the design process. This involves thinking deeply about how to get the design that was decided upon in design evaluation meetings to stand out even more, making improvements based on those ideas, and verifying the revised design. We repeat this process, and the more we revise and verify, the higher the quality of the final details. The second part of our work is to protect the design that has been refined through the aforementioned process. The stage when a design is decided on is the halfway point of the entire automotive development process. In the next half of the development period or so, a variety of events will inevitably cause the design to be modified. For example, it may be determined that there are technical difficulties in implementing the design, while cost issues or even legal issues might occur. When problems arise, it is also the job of DQM to find the ideal solution without compromising the existing design. In a nutshell, if exterior and interior designers are responsible for deciding how the rough gemstones in a piece of jewelry will be processed and turned into gems, a designer working in DQM is responsible for polishing, finishing, and protecting the gems so that they look their best.

Q4.
외장 디자이너로 일할 때와
DQM에서 디자이너로 일할 때의 차이점이 궁금해요.

Q4.
I’m curious about the differences
between working as an exterior designer and
working as a designer at DQM.

제가 외장 디자이너로 일할 때는 DQM이라는 조직이 없었어요. 담당 디자이너가 지금의 DQM 업무를 맡아 양산까지 진행했죠. 저 역시 외장 디자이너로서 디자인 결정 이후의 과정을 겪어 본지라, 업무적으로 그때와 엄청난 차이가 있진 않아요. 그래도 영역이 세분화되면서 따라오는 전문성이 달라진 것 같네요. 외장 디자이너는 새로운 아이디어를 내는 데 집중하고, 저희는 그 아이디어를 구현하고 다듬는 일에 집중할 수 있거든요. 양측 모두 자신의 영역에서 발전하는 데 도움 되는 환경이 조성됐다고 생각해요.

When I was working as an exterior designer, there was no DQM. The designer in charge was also responsible for DQM, and thus worked on the development process until mass production. As an exterior designer, I’ve been through the process after the design decision, so I don’t see a huge difference in work. As someone who’s worked in both places, I think the difference is the specialization that comes with segmenting areas. I believe the work environment at Kia is now more conducive than ever before to allow all the designers to grow in their respective regions.

Q5.
DQM 관련 업무를 보실 때
제일 중시하는 부분은 무엇인가요?

Q5.
What do you value most
about your work at DQM?

스케줄 관리가 정말 중요합니다. 저희 업무는 디자인 프로세스 중 실질적으로 가장 마지막 단계나 마찬가지예요. 아무리 좋은 아이디어가 있어도 제때 적용하지 못하면 추가 비용이 들거나, 아예 구현이 불가능한 상황이 발생합니다. 부문별로 협의하거나 의사결정을 할 때 예기치 못한 일이 발생하며 일정에 차질이 생길 때가 종종 있어요. 그래서 되도록 초기에 중요한 이슈를 파악하고, 개선 방향을 제안할 수 있도록 노력해요. 실무적인 측면에서는 대비되는 요소가 만나며 생기는 현상에 집중합니다. 밝은 면에서 어두운 면으로 넘어가는 흐름이 자연스러운지, 부드러운 면 중간에서부터 뻗어나가는 샤프한 엣지가 어색하지는 않은지, 직선 구간에서 곡선 구간으로 이어지는 캐릭터 라인이 어느 각도에서 봐도 늘 아름다운지 등 서로 대비되는 요소 간의 균형에 집중해 디자인을 다듬어 나가요.

Scheduling is really important. Our work is practically the last step in the design process. No matter how good your idea is, if you don’t apply it on time, it’s going to cost you extra money or not be implemented at all. Unexpected things often happen and throw off the schedule when negotiating and making decisions with different divisions. Therefore, I try to identify critical issues as early as possible so that we can suggest ways to improve them. On the practical side, we focus on what happens when contrasting elements meet: if the flow from light to dark surfaces feels natural; if the sharp edge extending from the middle of the soft side feels awkward; if the character line from straight to curved sections always looks good and from any angle. We refine designs by focusing on the balance between such contrasting elements.

Q6.
어떤 상황에서 업무적 만족감을 얻으시나요?
가장 뿌듯한 순간을 말씀해 주세요.

Q6.
When do you feel most satisfied with your work?
Tell us about your proudest moment.

역시 동료에게 인정받는 순간 아닐까요? 사실 DQM은 메인 디자이너처럼 스포트라이트를 받는 조직은 아니에요. 무(無)에서 완전히 새로움을 창조하기보다는, 99% 만족하는 디자인을 100% 만족할 수 있도록 끝없이 고민하는 게 저희 업무거든요. 그래서 1%의 차이를 인정해 주는 동료들의 칭찬을 들었을 때 가장 뿌듯합니다.

Probably when my colleagues recognize me. DQM is not in the spotlight like the main designers, as our job is not about creating something completely new from scratch but working endlessly to turn a design that is 99% satisfactory into something that becomes 100% satisfactory. As a result, I feel the most pride when I hear the praise of colleagues who recognize that 1% difference.

Q7.
이제 기아의 디자인 철학
‘Opposites United’(OU)는 익숙하실 것 같아요.
처음 OU를 접했을 때 어떤 생각이 드셨어요?

Q7.
By now, you must be familiar with
Kia’s design philosophy, “Opposites United” (OU).
What did you think when you first heard about OU?

사실 제 취향에 딱 들어맞아서 굉장히 놀랐어요. (웃음) 개인적으로 대비를 잘 활용한 디자인을 좋아하거든요. 오래된 한옥의 일부분을 남긴 채 모던하게 리모델링한 건축이나, 자연스럽고 따뜻한 느낌의 목재와 차가운 느낌의 콘크리트를 조합한 테이블처럼요. 인하우스 디자이너로서 개인의 지향점과 회사가 추구하는 방향이 일치하는 상황은 쉽지 않은데, 그런 면에서 저는 꽤 행운아라고 생각해요.

I was stunned because it was right up my alley. (Laughs) I like designs that utilize contrasts effectively. For example, an old hanok (traditional Korean house) that has been remodeled into a modern structure with part of the hanok maintained, or a table that combines a natural, warm sense of wood with a cold sense of concrete. As an in-house designer, it’s not easy to find a situation where your personal and company’s direction align, so I think I’m pretty lucky in that regard.

Q8.
2021년 발표한 OU가 3년을 맞이했습니다.
내부 구성원 각자가 생각하는 OU도 다채로울 것 같아요.
개인적으로 OU를 어떻게 해석하고 계신가요?

Q8.
OU, announced in 2021, is now three years old,
and each member of the Kia Design Center
may have a different understanding of OU.
How do you personally interpret OU?

OU의 장점 중 하나가 ‘해석의 유연성’이라고 생각해요. 말씀하신 대로 각자 OU에 대한 의견이 다르고, 그 의견도 계속 바뀔 거예요. 그럼에도 기아 디자인센터의 구성원 모두가 하나의 지향점을 가질 수 있는 비결은 OU가 지닌 해석의 유연성 때문이라고 믿습니다. ‘Opposites’는 재료고, ‘United’는 결과라고 생각해서인지, 개인적으로 United에 더 무게를 두는 편인데요. ‘이 요소들이 조화를 이루려면 어떻게 균형을 맞춰야 할까?’ 스스로 거듭 생각하며 작업을 진행합니다. 제가 디자인을 최종적으로 다듬는 입장이라서 더 그렇게 느끼는지도 모르겠어요.

One of the advantages of OU is its flexibility of interpretation. As you said, everyone has a different opinion about OU, and those opinions will continue to change. However, I believe the secret to the Kia Design Center’s success in pursuing one goal is its flexibility in interpreting OU. In my case, probably because I think “Opposites” is the material and “United” is the result, I put more weight on the United aspect. I often keep asking myself how to balance these elements to create harmony as I work. Perhaps I’m more inclined to feel that way because I’m the one who refines all the designs in the final stage.

Q9.
OU와 관련 있는 물건을 스튜디오로 가져와달라고 부탁드렸어요.
해당 물건을 선택하신 이유가 궁금합니다.

Q9.
We asked you to bring an object that has something
to do with OU to the studio.
Please tell us why you chose this particular item.

제가 가져온 헬멧은 개인적으로 좋아하는 F1 드라이버 중 한 명인 랜도 노리스Lando Norris의 2020년 영국 그랑프리 스페셜 에디션이에요. 당시 노리스는 자신이 직접 착용할 헬멧 디자인을 공모했는데요. 1등으로 뽑힌 디자인은 6살 여자아이의 그림이었어요. 노리스는 이를 그대로 헬멧에 옮겨 제작했는데요. F1이라는 스포츠가 가진 특징과 대비되어 더 눈길이 갔던 것 같아요. F1은 모터스포츠의 최고봉인 만큼 모든 게 철저히 성능 위주로 돌아가잖아요. 그래픽 디자인도 성능을 암시하는 디자인을 많이 채택하는 편이고요. F1 드라이버가 쓰는 헬멧 디자인을 보면 왠지 모르게 빨라 보이고, 당장 달려 나갈 것만 같은 느낌이 드는 이유죠. 그런데 노리스의 헬멧에서 보이는 6살 어린아이의 그림은 냉정한 승부와 치열한 경쟁으로 유명한 F1 세계와는 굉장한 대비를 이뤄요. 저는 그 두 가지가 만나며 만들어 내는 의외성, 조화, 그리고 위트가 마음에 들었어요. 이런 부분이 기아 디자인 철학인 OU와 닮았다고 생각했습니다.

I brought a special edition helmet for the 2020 British Grand Prix from one of my favorite F1 drivers, Lando Norris. At the time, Norris held a contest to develop a design for the helmet he wore when he raced, and the winning design was a drawing of a six-year-old girl, which he translated into a helmet. I think it stood out to me because of the contrast with the nature of the sport. F1 is the pinnacle of motorsports, and everything revolves around performance. Those involved in the sport tend to adopt graphic designs to imply performance. That’s why when you look at the helmet design of an F1 driver, it seems so fast, and you feel like the driver is about to go driving right away. But the drawing of a six-year-old child on Norris’s helmet starkly contrasts the world of F1, which is known for its cold, fierce competition. I liked the unexpectedness, harmony, and wit that the two created. I thought that is similar to OU, Kia’s design philosophy.

Q10.
혹시 실무에서는 OU적 사고를 어떻게 활용하고 계신가요?

Q10.
How do you utilize OU thinking in your work?

각 차량의 개성을 살리면서 동시에 기아라는 브랜드의 디자인 특성이 있도록 디자인합니다. 그래서 디자인 다듬는 작업을 하기 전에 ‘개성’과 ‘통일성’이라는 상반된 지향점 사이의 균형을 늘 고민합니다. 통일성에 치우치다 보면 새로운 차를 만드는 의미가 사라지고, 개성만 챙기다 보면 기아라는 브랜드가 추구하는 방향과 동떨어진 디자인으로 완성되니까요. 이런 균형감을 늘 고려하며 디자인을 보면 어떤 부분을 다듬어야 하는지 어렴풋이 감이 잡히더라고요.

We want each vehicle to have its sense of individuality, while at the same time, we want it to have the design characteristics of the Kia brand. Therefore, before we start refining the design, we always put a lot of thought into the balance between the opposite goals of “individuality” and “uniformity.” If we focus on uniformity, we lose the meaning of creating a new car, and if we focus on individuality, we end up with a design that isn’t in line with the direction of the Kia brand. When I look at designs with this balance in mind, I get a vague sense of what needs to be refined.

Q11.
개인적인 취미를 알려주세요.
여가 때 기운을 북돋아 주는 것은 무엇인가요?

Q11.
Tell us about your hobbies.
What keeps you energized in your free time?

저는 영화와 드라마 보는 걸 좋아해요. 이것저것 많이 접하기보단, 좋아하는 작품을 수십 번 넘게 반복해서 감상하는 편입니다. 볼 때마다 새로운 디테일과 이야기를 발견할 때 즐거움을 느껴요. 디테일에 뛰어난 봉준호 감독님 같은 분의 작품을 좋아하는 이유죠. 디자인을 포함한 모든 창작물의 본질은 이야기잖아요. 그래서 좋은 이야기에 더욱더 끌리나 봐요.

I love watching movies and TV shows. Rather than trying to get into many new and different things, I watch my favorites repeatedly, even dozens of times. I get a kick out of discovering further details and storylines with each viewing. That’s why I love the work of someone like Bong Joon-ho, who has an excellent eye for detail. I think the essence of any creative endeavor, including design, is a story, which is why I’m drawn to good stories.

Q12.
10년 넘게 디자이너로 꾸준히 일하고 계세요.
디자인에 대한 본인의 관점과 태도를 정리해 본다면요?

Q12.
You have been working as a designer
for more than ten years.
How would you summarize your perspective
and attitude toward design?

하나의 관점에 얽매이지 않으려고 노력해요. 점점 빠르게 변하는 세상에서는 고정된 관점보다 유연한 시각과 변화를 받아들이는 태도가 무척 중요하다고 믿습니다. 단, 즐거움은 언제나 인간에게 중요한 요소이니만큼, 디자인에 즐거움이 담겨야 한다고 생각해요. 아름다운 형상을 보며 경험하는 시각적인 즐거움이든, 잘 다듬은 완성도에서 전해지는 만족감이든, 혁신적인 기술에서 느끼는 경이로움이든, 경계를 막론하고 인간에게 즐거움을 주는 요소는 놓치지 말아야 한다고 봐요.

I try not to get stuck in a single point of view, and a flexible perspective and a mindset of accepting change are more important than a fixed point of view in an increasingly fast-paced world. That said, design should contain joy because joy has always been a vital emotion for humans. Whether it’s the visual pleasure of seeing beautiful shapes, the satisfaction of a high level of product completion, or the wonder of innovative technology, we shouldn’t lose sight of what brings us joy, regardless of its boundaries.

Q13.
10년 후 본인의 모습을 상상해 보신적 있으신가요?
꿈꾸는 미래가 궁금합니다.

Q13.
Have you ever tried envisioning
what you will be doing in 10 years?
I’m curious about your hopes for the future.

사람을 움직이는 가장 큰 원동력은 재미라고 생각해요. 지금까지 재미를 느낄 수 있는 분야에서 일할 수 있었던 건 정말 큰 행운이라고 생각합니다. 직장인이라면 누구나 하루의 1/3은 일터에서 보내야 하잖아요. 저는 그 시간 동안 재미가 보장된 셈이니까요. 10년 후에도 지금처럼, 일에서 재미를 느꼈으면 좋겠어요. 업무라서 하는 일이 아니라, 재미있어서 하는 일을 지속하길 바랍니다.

The biggest thing that drives people is fun. I feel fortunate to have been able to work in a field where I’ve had fun. I mean, anybody in the workforce has to spend at least a third of their day at work. I’m pretty much guaranteed to have fun during that time. I hope that in 10 years, I’ll still be having fun at work, just like I am now. I wish I’d still be doing things because I enjoy them, not simply because they work.