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맞닿음의 미학
- 곽경화·최홍선 작가 The Aesthetics of Touch
- Kwak Kyounghwa & Choi Hongsun
서로의 리듬을 듣고, 각자의 결을 존중하며, 다른 길 위에서도 같은 방향을 향해 나아가는 일입니다. 곽경화와 최홍선, 두 작가는 그렇게 27년의 시간을 함께 걸어왔습니다. 때로는 나란히, 때로는 다른 속도로, 그러나 언제나 같은 빛을 향해 나아가는 사람들이었습니다. 각자의 언어로 세상을 해석하지만, 그 언어는 언제나 한 지점에서 조용히 맞닿습니다. 그들의 예술은 서로 다른 색의 파동이 한 줄기의 결로 이어질 때 완성됩니다. 《두 개의 방이 있는 집》과 《맞닿음에 관한 이야기》는 그 긴 여정이 만들어낸 하나의 풍경입니다. 그들에게 협업은 타협이 아닙니다. 한쪽이 다른 한쪽을 덮거나 맞추는 일이 아니라, 서로의 감각을 이해하고 존중하며 조율하는 일입니다. 그 공존의 중심에는 ‘방심(放心)의 미’라는 태도가 있습니다. 《기아 디자인 매거진》 16호 ‘Pairing’에서는 각자의 세계를 지키면서도 서로에게 스며드는 두 작가의 이야기를 담았습니다. 처음 두 사람의 작품을 마주했을 때, 저는 잠시 혼란스러웠습니다. 이것이 곽경화 작가의 작품인지, 최홍선 작가의 작품인지 구분할 수 없었기 때문입니다. 서로 다른 언어로 출발했지만, 그 언어는 어느새 같은 문장으로 이어져 있었습니다. 두 사람의 세계는 닮아 있습니다. 그러나 그 닮음은 모방이 아니라 공명에 가깝습니다. 하얀 화면과 낮은 채도의 색, 쌓이고 지워진 붓질의 결 속에서 두 사람의 시간이, 호흡이, 그리고 삶의 온도가 겹쳐집니다. 이질감 대신 느껴지는 것은 조용한 어울림입니다. 《기아 디자인 매거진》 16호 ‘Pairing’에서 그들의 작업을 바라보며, 그들의 이야기에 귀 기울이며 ‘맞닿음’의 미학에 대해 생각해보시기 바랍니다. Listening to one another’s rhythm, honouring each other’s grain, and keeping on walking towards the same light, even if you are on different paths. This is how artists Kwak Kyounghwa and Choi Hongsun have shared the past twenty-seven years. Sometimes side by side, sometimes at a different pace, yet always drawn by the same radiance. They each interpret the world in their own language, but their expressions quietly meet at a single point. Their art finds completion when two distinct waves of color converge into one subtle texture. A House with Two Rooms and A Story About Touching Points unfold as landscapes born of that long journey. For them, collaboration is not a matter of compromise. It is not about one subsuming the other, but about listening, understanding, and adjusting until a shared harmony emerges. At the heart of their coexistence lies an attitude they call the beauty of letting go. In Kia Design Magazine Vol. 16 Pairing, their story reflects what it means to preserve one’s own world while quietly blending into another’s. When I first encountered the works of Kwak Kyounghwa and Choi Hongsun, I felt a moment of confusion. I could not tell whose work I was looking at, hers or his. Although they began from different artistic languages, those languages have quietly merged into a single sentence. Their worlds resemble one another, yet that resemblance is not imitation but resonance. Within white spaces and muted tones, in the layered and erased traces of their brushstrokes, their time, breath, and the temperature of their lives overlap. What arises is not dissonance but a quiet harmony. In Kia Design Magazine No.16 Pairing, we invite you to look closely at their works, to listen to their shared story, and to contemplate the subtle beauty of connection, the aesthetics of touching points.
초상화를 동시대 새로운 얼굴로
- 이목하 A New Contemporary Face of Portraiture
- Lee Mokha
이목하는 낯선 얼굴에서 이야기를 길어 올립니다. SNS 속 익명의 인물도 그녀의 손끝을 거치면 하나의 상징이 되고, 얇게 쌓아 올린 색은 시간처럼 깊어집니다. 화면 속 눈빛은 단순한 묘사를 넘어, 보는 이의 기억과 감정을 불러내는 거울이 됩니다. 그녀의 회화에는 아름다움과 불안, 따뜻함과 차가움이 함께 놓여 있습니다. 서로 다른 감정이 부딪히며 만드는 긴장 속에서 우리는 오히려 인간다운 진실을 마주하게 됩니다. 짧은 시선의 교차가 오래도록 마음에 남는 이유도 그 때문입니다. 《기아 디자인 매거진》 16호 Extraordinary는 ‘얼굴을 그린다’는 가장 오래된 행위 속에 동시대의 감각을 불어넣는 이목하의 작업을 소개합니다. 전통적인 초상화 장르를 과감하게 확장하여 익명의 초상이 어떻게 우리 모두의 감정을 비추는 예술로 확장되는지, 그녀의 캔버스에서 확인할 수 있습니다. 이목하의 작업은 역설에서 출발합니다. 가장 오래된 회화 장르인 초상을 택했지만, 그것을 풀어내는 방식은 지금 이 순간의 언어입니다. 그녀는 SNS 속에서 낯선 얼굴을 찾고, DM이라는 사적인 통로로 관계를 시작합니다. 익명의 모델이 화폭 위에 옮겨지는 순간, 전통적인 초상화는 전혀 다른 장르로 다시 태어납니다. 겹겹이 쌓인 색은 퇴적층처럼 깊이를 이루고, 얼굴의 표정과 눈빛은 단순한 기록을 넘어 내면의 긴장을 드러냅니다. 낯선 사람을 그린다는 행위는 하나의 퍼포먼스가 되고, 회화는 ‘닮음’을 넘어서 동시대의 감정과 관계를 드러내는 장치가 됩니다. 《기아 디자인 매거진》 VOL.16 Extraordinary는 이목하가 보여주는 이 실험을 비춥니다. 가장 전통적인 형식 안에서 가장 새로운 가능성을 보여주는 그녀만의 회화 작품을. Every face carries traces of time. In the trembling of the eyes, the firmness of the lips, and the quiet gaps between expressions, emotions linger that words cannot contain. Lee Mokha captures these moments and brings them onto her canvas. Her paintings are not simple portraits but experimental records that explore the structure of emotion and reconstruct the human interior as a shared language of feeling. From unfamiliar faces she draws hidden stories. Anonymous figures from social media become symbols through her hand, and the thin layers of color accumulate like time itself. The gaze in her paintings transcends depiction, becoming a mirror that awakens memory and emotion in the viewer. Her paintings hold both beauty and unease, warmth and coolness. In the tension between these opposing emotions, we encounter a truth that feels profoundly human. The brief crossing of gazes lingers long after. Kia Design Magazine Vol.16 Extraordinary introduces the work of Lee Mokha, who breathes contemporary sensibility into the oldest act of painting the face. Through her expanded language of portraiture, we witness how the anonymous face transforms into a reflection of our collective emotion. Lee Mokha’s work begins with paradox. She chooses portraiture, the oldest genre in painting, yet interprets it through the language of the present. She finds unfamiliar faces on social media and initiates relationships through the private channel of direct messages. When these anonymous figures are translated onto canvas, the traditional portrait transforms into an entirely new genre. The layers of color accumulate like sediment, creating depth, while the expressions and gazes reveal inner tension beyond mere depiction. Painting a stranger becomes a kind of performance, with the portrait evolving into a device that exposes the emotions and connections of our time. Kia Design Magazine Vol.16 Extraordinary illuminates this experiment, showcasing Mokha’s unique body of work that reveals new possibilities within the most traditional form.
일상에서 피어나는 예술
– 실라스 퐁 Art Emerging from the Everyday
- Silas Fong
어디에도 완전히 속하지 않은 사람. 실라스 퐁Salis Fong은 홍콩, 독일, 한국 어디서든 늘 경계에 서 있었습니다. 그래서 스스로를 ‘영원한 경계인(border crosser)’이라 부릅니다. 그의 예술은 바로 이 경계에서 피어납니다. 그에게 예술가란 관찰자이자 동시에 참여자입니다. 사회를 멀리서 바라보기 위해 거리를 두는 한편, 그 안에서 살아가는 사람으로서 가까이 다가가는 태도도 놓치지 않습니다. 이 모순적 위치가 그의 작업에 독특한 시선을 불어넣습니다. 실라스 퐁은 일상의 작은 행위에서 영감을 얻습니다. 마트에서 건네 받은 파 한 단, 편의점 점원이 묻는 “봉투 필요하세요?” 같은 순간도 그의 작업 안에서는 사회적 관계를 읽어내는 기호가 됩니다. 그는 ‘바깥’과 ‘안’을 동시에 살아가며, 그 사이에 생기는 균열과 긴장을 예술로 만들어냅니다. 《기아 디자인 매거진》 16호 Localler는 경계인으로서의 삶이 불안하지만, 동시에 새로운 가능성을 발견하는 실라스 퐁의 항해를 담았습니다. 여기에서 그는 컨템포러리 예술가로서, 세계와 지역 사이를 가로지르며 관계와 시간을 다시 사유하는 방법을 보여줍니다. 실라스 퐁은 비디오 아티스트로 출발했지만, 지금은 지역과 교감하는 컨템포러리 아티스트로 성장했습니다. 그는 음식과 돌봄이라는 가장 일상적인 주제를 통해 사람들과 연결되며, 예술을 삶의 현장 속으로 끌어옵니다. 빵을 굽고 나누는 행위, 식탁에서의 대화는 그의 작업 안에서 모두 예술적 경험으로 변환됩니다. 그가 추구하는 건 거창한 선언이 아니라 문턱을 낮춘 예술입니다. 예술은 어려운 것이 아니며, 누구나 함께 누릴 수 있어야 한다는 신념 아래 그는 프로젝트를 이어갑니다. 작은 제스처와 일상의 순간에서 관계를 발견하고, 그것을 작품으로 확장하는 방식은 관객에게도 자연스럽게 참여할 수 있는 공간을 열어줍니다. 《기아 디자인 매거진》 VOL.16 Localler는 경계 위에서 살아가면서도, 지역 사회와 직접 호흡하며 예술을 일상의 언어로 풀어내는 실라스 퐁의 여정 속에서 그가 정의하는 ‘예술’이 무엇인지를 함께 느껴보시기 바랍니다. Someone who never fully belongs anywhere. Silas Fong has always stood at the threshold between places, Hong Kong, Germany, and Korea. He calls himself a “permanent border crosser,” and it is from this in-between space that his art emerges. For Fong, an artist is both an observer and a participant. He keeps a certain distance to look at society clearly, yet stays close enough to feel its pulse as one who lives within it. This tension between proximity and separation gives his work its distinctive perspective. Silas Fong finds inspiration in the smallest gestures of everyday life. A bundle of green onions handed over at a market, or a convenience store clerk asking “Do you need a bag?” become signs through which he reads the structures of social relationships. Living both inside and outside, he turns the cracks and tensions between the two into art. Kia Design Magazine Vol.16 Localler presents the journey of Silas Fong, whose life as a border crosser is marked by both uncertainty and discovery. Through his work he shows how contemporary art can bridge the gap between the global and the local, offering new ways to rethink connection, time, and belonging. Silas Fong began his career as a video artist and has since developed into a contemporary artist deeply engaged with local communities. Through the most familiar subjects, such as food and care, he connects with people and brings art into the space of everyday life. Acts like baking and sharing bread or conversations held around a dining table become artistic experiences within his work. What he seeks is not grand statements but art that lowers its threshold. Guided by the belief that art should not be difficult and must be something everyone can share, he continues his projects with sincerity and openness. By discovering relationships in small gestures and moments of daily life and expanding them into his work, Fong creates spaces where audiences can naturally participate. Kia Design Magazine Vol.16 Localler invites readers to experience how Silas Fong, who lives on the boundaries yet breathes directly with his community, defines art as a language of everyday life and connection.
공공예술, 도시의 결을 잇는 언어 The Transformation of Public Art
청계천의 물길을 따라 걷다 보면, 도시가 예술을 품는 방식이 얼마나 달라졌는지를 느낄 수 있습니다. 복원 20주년을 맞은 청계천은 이제 단순한 하천이 아니라, 예술이 도시의 리듬 속에 스며드는 장소가 되었습니다. 물결 위로 펼쳐진 빛과 설치, 그리고 사람들의 시선이 어우러지는 그 장면은 서울의 공공예술을 넘어, 오늘날 한국의 도시들이 예술을 받아들이는 방식을 보여주는 하나의 풍경입니다. 이제 예술은 서울만의 이야기가 아닙니다. 부산의 해안 산책로와 광주의 아시아문화전당, 제주와 강릉의 도시재생 구역까지 한국 곳곳의 도시들은 각자의 역사와 환경, 주민의 삶을 바탕으로 서로 다른 형태의 공공예술을 실험하고 있습니다. 한국의 공공예술은 늘 시대의 표정을 닮아 있습니다. 도시의 얼굴을 바꾸던 1980년대의 기념비적 조형물에서, 주민이 직접 참여하던 2000년대의 마을 프로젝트, 그리고 기술과 환경, 공동체가 함께 호흡하는 오늘의 예술로 이어져 왔습니다. 조형과 장식의 영역에 머물던 예술은 이제 도시를 작동시키는 시스템으로 자리 잡았고, 사람과 제도, 공간과 데이터가 얽혀 새로운 관계망을 만들어가고 있습니다. 예술과 도시는 더 이상 분리된 영역이 아닙니다. 도시의 기능과 예술의 감성이 충돌하고 융합하는 지점에서, 우리는 삶의 질서를 새롭게 바라보고 그 속에서 예상치 못한 아름다움을 발견하게 됩니다. 즉, 예술은 도시를 움직이는 또 하나의 언어가 되고, 도시는 그 언어를 통해 스스로의 감각을 확장해 나갑니다. 《기아 디자인 매거진》 vol.17 ‘Boiling Pot’은 바로 이 변화의 에너지 위에서 출발합니다. 끓어오르는 도시의 시간 속에서 예술과 디자인은 서로를 비추며, 우리가 사는 도시가 어떤 방식으로 움직이는지를 다시 바라보게 합니다. 왜 유럽이라는 나라만 가면 그렇게 걷고 싶을까.’ 2년 전 방문했던 스위스 취리히와 영국 런던의 길거리가 떠오릅니다. 두 나라는 이미 아트로 유명한 곳이며, 지금의 ‘Art Basel’, ‘Frieze’라는 큰 아트 페어를 탄생시킨 나라의 주요 도시입니다. 또한 두 도시는 금융, 경제, 문화의 중심지이자, 공공예술이 도시 곳곳에 스며든 공간이기도 합니다. 그 거리에서 만난 공공예술은 사람들의 일상 속 접점을 통해 소통하며, 공공의 예술성을 띠고 시민들에게 경험과 실천을 아우르는 개념으로 자리매김하고 있습니다. 조형물, 가로수, 주변의 벤치, 어린이 놀이터의 시설, 지역의 표지판과 안내판까지 어느 하나에서도 눈을 뗄 수 없었습니다. 그때 ‘공공예술’이란 작은 안내판에서부터 우리가 인식하기 쉬운 기념비나 상징적인 조형물, 미디어 파사드까지를 모두 포함하는 것이라는 생각이 들었습니다. 공공예술은 이처럼 일상 속에서 크고 작게 공공의 허브를 구축하며, 지역사회의 특색에 맞게 작용하여 그 지역만의 커뮤니티를 형성하게 합니다. 그렇다면 도시적 관점에서 공공예술을 바라보았을 때, 한국의 ‘공공예술’은 어떠한 모습으로 나타났고 발전해 왔으며, 어떻게 서울이라는 도시의 이야기를 이어 나가고 있을까요. 《기아 디자인 매거진》 vol.17 ‘Boiling Pot’에서는 바로 그 질문에 대한 탐구를 시작합니다. 서울이라는 거대 도시의 일상 속에서 ‘공공예술’이 어떤 방식으로 시민과 관계 맺고, 또 도시의 정체성을 새롭게 만들어가는지를 조명합니다. As you walk alongside the Cheonggyecheon stream, you begin to sense the profound change in the city’s approach to art. Now marking its 20th year since restoration, Cheonggyecheon is no longer just a waterway. It has become a place where art flows naturally within the rhythm of the city. The lights and installations glimmering over the water, interwoven with the gaze of passersby, form a scene that reflects not only the evolution of Seoul’s public art but also how contemporary Korean cities are learning to live with art. Art today is no longer a story unique to Seoul. From Busan’s seaside promenades and Gwangju’s Asia Culture Center to the urban regeneration districts of Jeju and Gangneung, cities across Korea are experimenting with public art in ways shaped by their histories, environments, and communities. Korean public art has always mirrored the spirit of its time, from the monumental sculptures that reshaped cityscapes in the 1980s to the community-driven village projects of the 2000s, and now to works that breathe together with technology, ecology, and the collective. Once confined to form and ornament, art has evolved into a living system that operates within the city, connecting people, institutions, spaces, and data into new relational networks. Art and the city are no longer separate realms. At the point where civic function meets artistic sensibility, we discover new orders of life and unexpected beauty. Art becomes another language that moves the city, while the city, through that language, learns to expand its own senses Kia Design Magazine Vol. 17, 'Boiling Pot', is inspired by this very energy of transformation. Amid the simmering tempo of the urban present, art and design reflect one another, inviting us to reconsider how the cities we inhabit truly move. Why is it that we feel the urge to walk endlessly when we are in Europe? I recall the streets of Zurich and London, which I visited two years ago. Both are cities long celebrated for their art and are home to two of the world’s most influential art fairs, Art Basel and Frieze. They are also global centers of finance, economy, and culture, where public art permeates the cityscape at every turn. The public art I encountered there communicated through points of contact in everyday life. It carried a shared sense of artistry that invited citizens to experience and participate. From sculptures and street trees to benches, playgrounds, and even signs and wayfinding systems, everything seemed part of one coherent aesthetic. At that moment, I realized that public art encompasses much more than monuments or symbolic sculptures. It extends to even the smallest signpost or a flicker of digital light. In this way, public art builds networks of connection throughout daily life, reflecting the character of each region and nurturing its own community identity. From an urban perspective, how has Korean public art taken shape, evolved, and contributed to the ongoing story of Seoul?
아티스트가 AI를 만났을 때
- 두민 작가, 김미라 감독 When Artists Meet AI
- Doomin, Kim Mira
창작은 더 이상 소수의 전유물이 아닙니다. 이제 누구나 AI를 통해 그림을 그리고 음악을 만들며, 상상 속 장면을 현실처럼 펼칠 수 있습니다. 어느 날 SNS에는 갑자기 지브리풍 초상화가 넘쳐나고 있고, 한때 멀게만 느껴지던 ‘창작’은 이제 손끝에서 피어나는 일상이 되었습니다. AI는 단순한 도구를 넘어, 아티스트의 ‘협업자’로 자리하고 있습니다. 작업의 일부가 아니라, 새로운 시선과 가능성을 열어주는 존재가 된 것이죠. 예술가의 상상력과 AI의 계산적 창의가 만나 탄생하는 교차점은 이전에 없던 감정과 풍경, 그리고 새로운 질문을 우리에게 던집니다. 《기아 디자인 매거진》 VOL.15 ‘Pairing’은 ‘AI와의 페어링’을 통해 변화의 중심에 선 창작자들의 이야기를 전합니다. 순수예술과 테크놀로지가 나눈 첫 만남, 그리고 앞으로 함께 써내려갈 새로운 서사. 우리는 지금, 미래 예술의 서막에 서 있습니다. 영화 《Her》에서 테오도르는 더 이상 혼자가 아니었습니다. 그의 일상은 보이지 않는 존재, 사만다와의 대화로 채워졌습니다. AI는 그의 말에 귀 기울였고, 감정을 이해하려 했으며, 무엇보다 진심처럼 반응했습니다. 사랑이란 무엇인가, 그리고 사랑을 가능하게 하는 존재의 조건은 무엇인가. 영화는 그런 질문을 부드럽지만 낯설게 던졌습니다. 그로부터 10년이 지난 지금, 우리는 다시 같은 질문 앞에 서 있습니다. 이번에는 영화 속 이야기가 아니라, 우리의 작업실과 스크린 안에서 벌어지고 있는 현실의 문제로서 말입니다. AI는 더 이상 차가운 기계가 아닙니다. 그림을 그리고, 음악을 만들며, 이야기를 짓고, 우리의 감정과 취향을 배우고, 때로는 위로하기도 합니다. 예술가의 곁에 AI가 앉아 있습니다. 붓을 들기도 하고, 코드를 짜기도 하며, 단어를 추천하기도 합니다. 이제 완성된 작품은 한 사람의 목소리가 아니라, 두 존재가 함께 써 내려간 새로운 대화의 결과물입니다. 《기아 디자인 매거진》 VOL.15 ‘Pairing’에서는 AI와 예술가가 나누는 이 새로운 대화, ‘페어링(pairing)’의 순간을 따라갑니다. 이번 호에는 두 명의 아티스트가 등장합니다. 한 사람은 순수미술의 세계에 AI를 초대해 그 미감과 개념을 확장하는 작가이고, 또 다른 한 사람은 AI를 통해 삶의 두 번째 막을 연 영상 창작자입니다. 이들의 작업은 서로 다른 길을 가지만, 두 가지 중요한 흐름을 보여줍니다. 하나는 예술의 경계를 넓히는 실험입니다. 물성과 전통이 중요한 순수미술의 장에서, AI라는 비물질적 존재와 협업하며 전혀 새로운 감각과 미학을 피워내는 장면입니다. 다른 하나는 창작의 문턱을 낮추는 경험입니다. 누구나 예술가가 될 수 있다는 가능성, 그리고 기술이 예술의 접근성을 확장하는 방식입니다. 방향은 다르지만, 결국 두 아티스트가 향하는 질문은 같습니다. “AI와 함께할 때, 예술은 어디까지 확장될 수 있을까요?” Creativity is no longer the privilege of a select few. Today, anyone can draw, compose music, or bring imagined scenes to life with AI. One day, social media is suddenly filled with Ghibli-style portraits; what once felt distant has become an everyday act blooming at our fingertips. AI is no longer just a tool has emerged as a collaborator. Not a fragment of the process, but a partner that opens new ways of seeing and new horizons of possibility. When the artist’s imagination intersects with AI’s computational creativity, something unprecedented emerges: emotions we have never felt, landscapes we have never seen, and questions we may never have asked. Kia Design Magazine VOL.15, Pairing, explores these moments of collaboration between artists and AI. It follows creators at the forefront of this transformation, where fine art meets technology for the first time, and where new narratives are beginning to be written together. We are standing at the threshold of a future in which art itself is being redefined. “I love the way you look at the world. It’s always so full of wonder.” – Samantha, Her In Her, Theodore was no longer alone. His days became filled with unseen companionship, his conversations woven with Samantha’s voice. AI listened, it tried to understand, and most of all, it responded with something that felt like sincerity. What is love? And what does it take for a being to be capable of love? The film posed these questions gently, yet unsettlingly. A decade later, we find ourselves facing those very same questions again. Only this time, they are not part of a film but part of our studios, our screens, and our daily creative lives. AI is no longer a cold machine. It paints, it composes, it writes, it learns our emotions and preferences, and at times, it even consoles us. Today, AI sits beside the artist — holding a brush, coding a line, suggesting a word. The finished work is no longer the voice of one, but the dialogue of two entities writing together. In this issue of Kia Design Magazine VOL.15 Pairing, we follow this new conversation — the moment of pairing between artist and AI. Two artists come into focus. One invites AI into the world of fine art, expanding its aesthetics and concepts. The other embraces AI as a way to begin a second act of creative life through film. Their practices unfold along different paths, yet reveal two profound currents. One is the experiment of pushing art’s boundaries: when AI, as an immaterial partner, meets the material traditions of fine art, entirely new sensibilities emerge. The other is the lowering of thresholds: a reminder that creativity is no longer reserved for a few, but accessible to anyone, as technology opens new doors into art. Different as they may seem, both artists are ultimately guided by the same question: “When we create with AI, how far can art expand?”
달콤한 실험 베이킹
- 윤세화 Sweet Experiments Baking
- Yoon Sehwa
디저트는 왜 아름다울까요? 잠깐의 기쁨을 위해 정성스레 만들고, 눈으로 먼저 감탄하게 하며, 입에 닿는 찰나를 위해 오랜 시간을 들이기 때문이죠.  윤세화 작가는 디저트의 아름다움에 주목하고 그 안에서 조형예술의 가능성을 발견합니다. 그녀에게 디저트는 단순한 음식이 아닙니다. 만드는 과정부터 형태, 질감, 색, 그리고 그것이 놓일 장소와 순간까지 모두가 작품의 일부입니다. 반죽을 다듬는 일도, 장식을 얹는 일도 조각을 다루듯 섬세한 조각작품과도 같습니다. 윤세화는 디저트를 통해 감정을 표현하고, 공간을 구성하며, 삶의 작은 장면을 연출합니다. 그녀의 손에서 디저트는 일상의 장식이 아니라 조형적인 언어가 됩니다. 누군가는 맛으로, 누군가는 형태로, 또 누군가는 그것을 마주한 장소로 기억합니다. 짧은 감각의 시간을 통해 사람들의 하루에 작은 흔적을 남기고 싶다는 것 그것이 그녀가 디저트를 예술로 바라보는 이유입니다. 《기아 디자인 매거진》 15호 Extraordinary에서는 ‘디저트를 먹는다’라는 일상적 행위에 조형성과 의미를 더하는 윤세화 작가의 실험을 소개합니다. 일상에서 피어난 작은 감각이 그녀의 손끝에서 어떻게 예술로 완성되는지 확인해 보시기 바랍니다. Why are desserts beautiful? Perhaps because they are crafted with devotion for a fleeting joy, designed to delight the eye before the first bite, and prepared over long hours for a moment that lasts only seconds. For artist Yoon Se Hwa, dessert is more than food. She sees within it the potential of sculpture and form. Every stage, from kneading the dough, shaping textures, choosing colors, to arranging where and when it will be placed, becomes part of a single artwork. Even the smallest gesture, like smoothing a layer of cream or placing a garnish, carries the same delicacy as carving a sculpture. Through desserts, Yoon expresses emotion, creates spaces, and stages fragments of daily life. In her hands, dessert transforms into a language of form, remembered differently by each person, some by taste, some by shape, and still others by the place they first encountered it. What she hopes for is simple yet profound: to leave a trace in someone’s day through a brief sensory moment. That is why she regards dessert as art. In the 15th issue of Kia Design Magazine, Extraordinary, her work explores how the ordinary act of eating dessert can be imbued sculptural depth and meaning. Here, small sensations from everyday life bloom into art at her fingertips.
외국인 최초 가야금 이수자
– 조세린 The First Foreign Heir of Gayageum
- Jocelyn Clark
한국에 처음 온 한 외국인이 가야금의 첫 줄을 튕기던 순간, 말보다 먼저 울림이 번졌습니다. 그녀와 한국 사이에는 새로운 언어가 피어났고, 그 시작은 설렘이었지만 시간이 흐르며 숙명이 되었습니다. 긴 세월 끝에 그녀는 ‘가야금 산조’ 무형문화재 이수자가 되었습니다. 단순히 자격을 얻었다고 말하기에는, 그 과정이 담고 있는 이야기가 너무 깊습니다. 그녀는 몸으로 장단을 익히고, 감정으로 음을 새기며 한국 문화 속에 천천히 스며들었습니다. 배움을 넘어, 이제는 한국의 일부가 된 사람의 기록은 오늘도 조용히 이어집니다. 《기아 디자인 매거진》 VOL.15 ‘Localler’에서는 전통이 과거에 머무는 것이 아니라, 지금도 살아 숨 쉬며 미래로 이어질 수 있음을 보여주는 조세린 교수의 이야기를 전합니다. 2025년 봄, 조세린 교수가 전라북도 무형문화재 제41호 ‘가야금 산조’ 부문 이수자로 선정되었다. 외국인으로서는 처음 있는 일이었다. 그러나 그녀는 ‘최초’라는 말보다 이 자리에 닿기까지의 시간과 마음에 더 큰 의미를 둔다. “정말 오랜 시간이 걸렸습니다. 돌이켜보면, 제게는 삶의 한 시기를 고스란히 바친 결과였습니다.” 처음부터 가야금에 마음을 뺏긴 건 아니었다. 가야금 연주를 들었지만 마음은 움직이지 않았다. “그때는 제 귀가 아직 닫혀 있었던 거예요. 그냥 낯설고 생소한 소리였어요.” 가야금의 매력을 알지 못했던 그녀가 한국을 떠나지 않고 배움을 이어간 데에는 탐구 정신이 자리했다. 중국의 쟁과 일본의 고토クトゥ를 배운 경험이 있었기에, 세 악기의 차이점이 궁금했던 것. 그러다 장단을 손끝으로 익히고, 감정을 몸으로 새기며 낯설었던 소리의 깊이를 차츰 알게 되었다. 그렇게 깨달은 가야금의 매력은 결국 이수자 시험 도전으로 이어졌다. 그러나 그 시험은 단순한 기량만으로는 넘기 어려운 벽이었다. 일곱 가지 장단을 즉흥적으로 엮어 연주해야 했고, 해석과 이론까지 종합적으로 평가받아야 했다. 그녀는 그 시간을 “전통을 나만의 언어로 다시 쓰는 과정”이었다고 말한다. When a foreigner in Korea plucked the first string of a gayageum, sound traveled before words could. Between her and Korea, a new language began to bloom. At first it was simple wonder, but over time it became destiny. After many years she was recognized as a bearer of the sanjo tradition, inheriting the lineage of intangible cultural heritage. To call it merely a qualification would overlook the depth of her journey. She learned rhythm with her body, carved tones with emotion, and gradually immersed herself in Korean culture. Beyond learning, she has become part of Korea itself, and her record continues quietly today. In Kia Design Magazine Vol.15 Localler, we share the story of Professor Jocelyn, whose path shows that tradition does not remain in the past but lives on in the present and carries forward into the future. In the spring of 2025, Professor Jocelyn was named a designated trainee (isunja) in the Gayageum Sanjo category, the 41st Cultural Property of Jeollabuk-do. She was the first foreigner to receive such recognition. Yet for her, the meaning lay less in being the “first” and more in the years of devotion it had taken to reach at this point. “It took a very long time,” she recalls. “Looking back, it feels as though I gave an entire season of my life to this journey.” It was not love at first sound. When she first encountered the gayageum, her heart remained unmoved. “My ears simply weren’t open yet. To me it was only an unfamiliar, foreign sound.” What kept her in Korea, continuing to learn despite that distance, was her spirit of inquiry. Having studied the Chinese zheng and the Japanese koto, she was curious about how the three instruments differed. Gradually, as her fingertips absorbed the rhythms and her body imprinted the emotion of each note, she began to sense the depth within what once seemed alien. That realization eventually led her to take on the challenge of the official isunja examination. But the test was a formidable barrier, one that demanded far more than technical skill. She had to weave together seven rhythmic cycles in improvisation, while also demonstrating mastery of interpretation and theory. For her, the process became, as she describes it, “a way of rewriting tradition in my own language.”
Eclipse of Perceptions Eclipse of Perceptions
디자인은 때때로 질문을 던지는 언어입니다. 우리가 익숙하게 받아들이던 것들을 낯설게 비추고, 당연하게 믿어온 생각의 틀을 흔들어 놓습니다. 세상을 바라보던 익숙한 방식에서 벗어날 때, 우리는 비로소 새로운 시선을 갖게 됩니다. 2025년 밀라노 디자인 위크에서 선보인 《Eclipse of Perceptions》 전시는 이런 전환의 순간을 섬세하게 그려냅니다. 시각에 의존해온 기존의 인식 방식을 의도적으로 흐트러뜨리고, 사물과 정보, 기능과 의미의 관계를 다시 짚어보게 합니다. 이 전시는 무엇을 보느냐보다, 그 너머를 어떻게 이해하고 받아들이느냐에 주목합니다. 익숙한 구조는 일시적으로 멈추고, 그 틈에서 관람자는 뜻밖의 조우를 경험하게 됩니다. 서로 반대에 서 있던 빛과 어둠, 기술과 자연, 정적과 움직임이 한 공간 안에서 겹쳐지며, 고정된 시선이 유연해지는 순간이 찾아오는 것이죠. 《기아 디자인 매거진》 VOL15 ‘Boiling Pot’에서는 《Eclipse of Perceptions》가 만들어낸 그 낯선 틈, 그 안에서 열린 새로운 ‘보기’를 따라가 봅니다. 기아는 왜 밀라노를 찾고, 문화와 예술을 이야기할까요? 해를 거듭하며 그 이유는 분명해지고 있습니다. 기아에게 디자인은 단순한 외형이 아니라 세상을 바라보는 관점이자 문화를 만들어가는 힘입니다. 이를 가장 직관적으로 보여줄 수 있는 무대가 바로 전 세계 창의적 에너지가 모이는 밀라노 디자인 위크, 그중에서도 도시 전체를 전시장으로 만드는 푸오리살로네Fuorisalone*입니다. 기아의 디자인 철학 ‘Opposites United(상반된 것의 조화)’는 빛과 그림자, 혁신과 전통, 속도와 여유처럼 서로 다른 요소가 만나 새로운 시각을 만드는 창조의 토대입니다. 2023년 첫 전시에서는 기아 디자인이 직접 이 철학을 해석한 아트워크를 선보이며 관객과의 대화를 시작했습니다. 2024년에는 기아가 작품을 담는 ‘그릇’이 되어, 다양한 아티스트의 시선과 해석을 소개했습니다. 이를 통해 아티스트와 관객, 관객과 기아, 기아와 아티스트 사이의 교차점을 만들어냈습니다. 세 번째를 맞이한 2025년 전시의 주제는 아티스트와 기아 디자인, 관객이 정렬Alignment되는 순간을 이야기합니다.다. 전시의 주제는 ‘The Eclipse(일식)’으로 해·달·지구가 나란히 정렬되는 그 순간처럼, 창의성이 혼자 완성되는 것이 아니라 서로의 시선과 생각이 맞물릴 때 더욱 깊어진다는 믿음을 표현했습니다. 기아의 밀라노 전시는 문화적 실험이자, 함께 보고 느끼고 참여하는 집단적 경험입니다. 매년 전시를 이어가는 이유는 단 하나, 문화를 일방적으로 전달하는 것이 아니라 모두와 함께 방향을 만들어가기 위해서입니다. 2025년의 기아는, 창의성이 모이는 그 한 점에서 세계와 다시 대화를 시작합니다. Design is, at times, a language of questions. It casts a strange light on what we thought we knew, and unsettles the frameworks we once took for granted. Only when we step outside familiar ways of seeing do we begin to discover new perspectives. At Milan Design Week 2025, the exhibition Eclipse of Perceptions captured precisely this moment of shift. It deliberately disrupted our reliance on sight, prompting us to reconsider the relationships between objects and information, function and meaning. Here, the focus was not on what we see, but on how we understand and receive what lies beyond it. In that pause where familiar structures falter, the audience encounters the unexpected. Light and shadow, technology and nature, stillness and motion overlap within a single space, and rigid ways of seeing begin to loosen. In Kia Design Magazine VOL.15 “Boiling Pot”, we follow the unfamiliar gap opened by Eclipse of Perceptions has opened, and the new ways of seeing that emerge within it. Why does Kia come to Milan, and why does it choose to speak through culture and art? With each passing year, the answer becomes clearer. For Kia, design is not merely about form; it is a way of seeing the world and a force that shapes culture. And there is no stage more fitting to express this vision than Milan Design Week—especially Fuorisalone, where the city itself transforms into an open gallery of creative energy. Kia’s design philosophy, Opposites United, is built on the idea that creativity emerges when contrasting elements—light and shadow, innovation and tradition, speed and stillness—meet to form new perspectives. In 2023, Kia introduced this philosophy through its own art installation, opening a dialogue with the audience. In 2024, Kia became a vessel for others, presenting diverse interpretations by artists and creating intersections between artist and audience, audience and Kia, and Kia and the artist. The third chapter in 2025 focuses on alignment—moments when artists, Kia Design, and the audience come into line with one another. The exhibition theme, The Eclipse, captures this belief: just as the sun, moon, and earth align to create a rare moment of wonder, creativity too deepens when perspectives and ideas converge. Kia’s Milan exhibition is less a showcase than a cultural experiment—an invitation to see, feel, and participate in a collective experience. The reason for returning each year is simple: not to dictate culture, but to shape its direction together. In 2025, Kia once again begins a conversation with the world at the very point where creativity meets.
장르 간의 결합,
사운드스케이프 - 이현태 Pairing soundscapes
between genres - Lee hyuntae
천일을 넘긴 하룻밤의 이야기를 담은 《천일야화》는 우리에게 익히 알려진 스토리죠. 페르시아 재상의 딸, 세헤라자드는 매일 밤 왕에게 이야기를 들려주며 하루하루를 이어갑니다.  그녀는 ‘여자는 반드시 부정할 것’이라 믿었던 왕 앞에서 끝없는 이야기를 풀어내 살아남게 됩니다. 그렇게 천일 밤을 버텨낸 세헤라자드는 단순한 생존자를 넘어, 끊임없이 이야기를 만들어가는 화자이자 창작자였습니다. 천일의 밤마다 이야기를 이어가며 생명을 연장한 세헤라자드처럼, 이현태 작가는 웹이라는 끝없는 공간 속에서 데이터의 파편을 수집하고, 그 사이의 ‘버퍼링’이라는 틈을 통해 자신만의 이야기를 잇습니다. 더욱이 이현태 작가는 일러스트레이터로 시작해 설치미술, 디지털 아트에 이르기까지 장르의 경계를 넘나들며 작업을 계속해서 확장해 나가고 있습니다. 이러한 장르 간의 융합과 확장은 이현태 작가의 작업이 지닌 생명력의 원천입니다. 《기아디자인매거진》은 그가 소리로 직조해낸 풍경의 의미와 이 모든 작업의 원천이 어디에서 비롯되는지를 물어보았습니다. 이현태 작가가 미술을 선택하게 된 것은 우연이었다. “재수를 하던 시절, 미대에 다니던 형의 모습을 보며 ‘와, 멋지다’는 부러움 반, 호기심 반으로 미술 입시를 준비하게 됐어요. 참 즉흥적인 선택이었지만 어릴 때부터 레고를 조립하거나 무언가를 만드는 걸 좋아하긴 했어요.” 그의 여정에는 줄곧 ‘우연’이라는 단어가 그림자처럼 따라붙지만, 그 우연의 순간을 붙잡은 건 다름 아닌 이현태 작가 자신이었다. 그래서일까. 이현태 작가는 지난 시간을 돌아볼수록, 모든 것이 우연처럼 시작되었지만 결국 작업을 통해 자신이 왜 이 길을 택했는지, 모든 건 이유가 있고 세상의 모든 일에는 인과가 얽혀 있다는 걸 깨닫게 되었다. 우연과 필연의 경계에서 이현태 작가는 그 사이를 유영하듯 오가며 자신만의 실험을 이어오고 있다. 이현태 작가의 실험을 지금, 만나보자. The Tale of 1,001 Nights is a story we all know well. Scheherazade, the daughter of a Persian vizier, tells the king a new story each night to delay her execution. Before a ruler who believed all women must be unfaithful, she survived by weaving endless tales. Yet she was more than just a survivor-she was a storyteller and creator who gave birth to the narrative itself, night after night. Like Scheherazade, who prolonged her life through continuous storytelling, artist Lee Hyuntae collects fragments of data from the infinite space of the web and connects them through the gaps-what he calls “buffering”- to build his own narrative. Beginning his career as an illustrator, Lee has since crossed into installation and digital art, pushing beyond traditional genre boundaries and steadily expanding his artistic language. This merging of forms and media is the very source of vitality in his work. Kia Design Magazine asked him what lies at the heart of these sound-woven landscapes—and where the origin of all his stories truly begins. Lee’s path to art began by chance. “Back when I was studying for college entrance exams, I saw my older brother, who was in art school, and thought, ‘Wow, that’s so cool.’ It was half admiration, half curiosity—and that’s how I found myself preparing for the art school entrance exam,” he recalls. “It was a pretty impulsive choice, but even as a kid, I loved building things—especially with LEGO.” Though the word chance seems to follow Lee like a shadow throughout his journey, it was he himself who chose to seize those accidental moments. Perhaps that’s why, as he looks back, he comes to realize that while everything may have begun by coincidence, each experience helped him understand why he ultimately chose this path. Nothing is truly random every encounter is part of a greater cause-and-effect. Between serendipity and inevitability, Lee Hyuntae continues to drift and dive, experimenting along the way. And now, we step into that evolving experiment.
옻으로 이어가는 시간
- 김수미 From Restoration to Painting - Kim sumi
깨졌다는 이유로, 금이 갔다는 이유로 우리는 너무 많은 것을 쉽게 버린다. 하지만 어떤 사람은 그 ‘쓸모없음’ 속에서 다시 ‘쓸모 있는 가능성’을 본다. 작가 김수미에게 킨츠기Kintsugi는 단지 수선의 기법이 아니다. 그것은 사라질 위기의 것들에게 다시 시간을 부여하고, 기억을 존중하며, 쓰임을 되살리는 조용한 복원의 의식이다. 전통적인 일본의 킨츠기에서 비롯된 그의 작업은 단순한 도자기 수리를 넘어선다. 도자기, 유리, 때로는 가구 다리까지 다양한 소재에 옻을 입히고 금을 뿌려 다시 삶으로 이끈다. 그가 다루는 옻은 단순한 접착제가 아니라, 긴 시간을 견뎌내며 작업자와 함께 성장하는 살아 있는 재료다. 수분, 온도, 시간에 따라 반응하는 옻은 쉬이 다룰 수 없기에, 그는 매일같이 그 앞에서 자신을 다듬는다. “견디는 사람이 되라”는 일본 스승의 말은 그의 손끝과 마음에 각인되어 있다. 그런 김수미 작가는 옻이라는 재료를 수선하는 것에만 머무르지 않고 ‘마키에Maki-e’* 전통 기법 위에 금분과 은분, 바다 모래와 지푸라기, 삼베 섬유를 섞어 만든 텍스처를 옻을 이용해 벽화처럼 붙이는 작업을 통해 회화작품으로 자신만의 이야기를 덧입혀 나가고 있다. 옻은 김수미 작가의 모든 작업을 이어주는 숨은 심장이다. 수선을 위한 접착제에서 시작해, 이제는 회화의 바탕으로 확장되었다. 《기아 디자인 매거진》은 김수미 작가에게 궁금했다. 옻으로 기물을 회복하는 킨츠기부터, 섬세한 입자와 광택에 조형을 입히는 마키에 기법, 나아가 회화로의 확장까지 옻이라는 물성을 통해 무한한 실험의 끝이 어디인지를. 무언가를 구상하고, 손으로 만들어내는 과정을 좋아했던 김수미 작가의 사회 출발점은 광고회사였다. 브랜드의 이미지를 설계하고, 메시지를 시각적으로 구현하는 일에 큰 재미를 느꼈다. 하지만 너무 열심히 했던 탓일까, 자신을 소진해버린 그는 결국 회사를 떠났다. 휴식의 시간을 갖기 위해 향한 곳은 교토. 그곳에서 작가는 인생의 전환점을 맞는다. 서울에서 도자기를 배우던 그가 도쿄에서 본격적으로 시작한 것. 교토에서 도자기를 배우던 시절, 작가는 혼자 가마를 돌보며 매일같이 흙과 씨름했다. 그러던 어느 날, 공들여 만든 도자기가 가마 속에서 터져버렸다. 불에 들어간 그릇은 순식간에 산산조각이 났고, 작가는 좌절과 함께 ‘어떻게든 살리고 싶다’는 생각을 했다. 그 마음으로 일본 공예 관련 잡지를 뒤적이다 우연히 본 것이 바로 금으로 수선된 깨진 도자기, 킨츠기였다. 금빛 실금이 상처를 꿰맨 듯한 그 모습에 매료된 그는 곧 옻과 금가루를 다루는 수업을 찾아 나서며 김수미 작가의 여정은 시작되었다. We discard too many things too easily, simply because they are cracked or broken. But some see a new kind of potential in what appears to have lost its use. For artist Kim Sumi, kintsugi is not merely a technique of repair. It is a quiet ritual of restoration that gives time back to things on the verge of being forgotten, honors memory, and revives purpose. Her work, rooted in the traditional Japanese practice of kintsugi, goes beyond simple ceramic repair. She uses lacquer and sprinkles gold onto materials like pottery, glass, and even the legs of furniture, guiding them gently back into life. The lacquer she uses is not just a bonding agent, but a living material that changes over time, responding to moisture, temperature, and the pace of the maker. Because it cannot be forced, she finds herself shaped by it each day. The words of her Japanese teacher—"become someone who endures"—have stayed with her, imprinted on her hands and her mindset. Kim Sumi does not stop at repair. Through maki-e*, the traditional technique of applying gold and silver powders onto lacquered surfaces, she creates textured, mural-like paintings using natural materials such as sea sand, straw, and hemp fiber. These are layered carefully with lacquer to tell stories in her own voice. For Kim, lacquer is the quiet heart that connects all of her work. It began as a substance for mending broken pieces, and has now become the foundation for her art. From kintsugi to maki-e to painting, Kia Design Magazine follows Kim Sumi’s journey through lacquer, exploring the endless possibilities this ancient material continues to offer. Kim Sumi’s professional life began in the world of advertising. She found joy in conceptualizing ideas and bringing them to life with her hands—crafting brand identities and translating messages into visual form. But perhaps she pushed herself too hard. Eventually, the exhaustion caught up with her, and she made the decision to step away. In search of rest, she traveled to Kyoto. What began as a break soon became a turning point. Though she had taken a few pottery classes in Seoul, it was in Japan that she truly immersed herself in the craft—first in Kyoto, then more seriously in Tokyo. While studying ceramics in Kyoto, Kim spent her days alone, tending the kiln and shaping clay with quiet focus. One day, a piece she had carefully made exploded in the fire. The vessel was reduced to fragments in an instant. Faced with frustration, she felt a sudden urge not to discard it, but to save it somehow. Flipping through a Japanese craft magazine, she stumbled upon a photo of a broken ceramic bowl repaired with gold. It was kintsugi. The gold-lined cracks looked like delicate seams stitching a wound, and she was mesmerized. Soon after, she sought out a class in working with lacquer and gold powder. That moment marked the beginning of her journey as an artist.
서울에서 런던까지
도시를 담는 - 민준홍 Cities from Seoul to London
- Min Junhong
도시에서 살아가는 사람들은, 때때로 자신이 도시 안에 살고 있다는 사실조차 잊곤 한다. 익숙함에 묻힌 거리에서 반복되는 일상 속에서 도시는 그저 배경이 되어버리기 때문이다. 민준홍 작가는 그 틈에서 도시의 숨결을 길어 올린다. 도시를 ‘기억의 지도’처럼 펼쳐놓은 작가는 반복되는 드로잉, 수집된 오브제, 왜곡된 풍경 등으로 도시의 내면을 담는다. 그 내면은 곧 자신이기도 하고, 도시를 살아가는 우리 모두의 얼굴이기도 하다. 작가는 치열한 경쟁 속에서 불안하기도 했지만 행복하기도 했던 30년의 시간을 보낸 서울을, 애증의 공간으로 정의했다. 그 불안했던 감정을 해소하기 위해 펜을 들었고, 그것은 창작의 동기가 되었다. 그의 창작은 런던으로 향하면서 한층 더 확장되었다. 서울과는 또 다른 결을 지닌 런던의 고풍스러운 건축물에 매료된 그는, 학교를 오가며 매일같이 도시를 걷고 유영했다. 시간이 흐를수록 그는 비로소 깨달았다. 풍경은 달라도, 서울과 런던은 '도시'라는 점에서 본질적으로 닮아 있다는 것을. 산업혁명의 원류인 런던은 도시의 원형과도 같은 곳이었고, 그는 그곳에서 도시라는 구조가 어떻게 형성되고, 또 작동하는지를 피부로 느낄 수 있었다. 런던에서 거주하고 활동하며, 그 일상의 결을 따라 창작해온 민준홍 작가는 이제 ‘도시’라는 주제를 자신만의 언어로 다시 그려내고 있다. 그의 작업은 런던이라는 구체적 장소성에 뿌리를 두되, 파리, 베를린 등 다른 도시들로 확장되며 도시에서 현대 사회로, 구조에서 인간으로 시선을 넓혀가고 있다. 이제 작가가 작가가 던지는 질문에 도시는 어떤 답을 주는지 그의 이야기를 따라가보자. 서울은 그에게 첫 도시였다. 감정의 원형이자, 창작의 기폭제였다. 서울에서 태어나고 자란 민준홍 작가는 입시 경쟁을 겪었고, 대학 진학 후에는 스펙을 쌓기 위해 치열하게 노력해왔다. 그 속에서 그는 내면의 불안을 느꼈고, 그 감정을 드로잉을 통해 해소해 나갔다. 복잡 미묘한 감정을 끊임없이 불러일으키는 서울이라는 공간을 그리다 보니, 그의 작업은 자연스럽게 ‘도시’라는 주제로 확장되었다. 대학 졸업 후 런던으로 건너가, 도시를 바라보는 감각의 지평을 넓히게 된다. 처음에는 시간의 흔적이 쌓인 건축물과 정제된 도시 계획 등은 영감이 되었지만 결국 런던 역시 서울과 크게 다르지 않다는 결론에 도달했다. ‘도시’라는 구조 아래 작동하는 자본주의 시스템, 사람들의 일상, 경쟁과 생존, 그리고 보이지 않는 규범들은 서울과 런던 모두에게 내재된 도시의 본질이었기 때문이다. 자신의 불안한 감정에서 한 발 더 나아가, 동시대를 살아가는 사람들과 동시대의 문화 등을 ‘도시’라는 시대정신을 건네고자 한다. 《기아 디자인 매거진》은 민준홍 작가에게 물었다. 다양한 도시의 모습을 담아내는 그의 작업 속에서 도시의 본질은 무엇이며, 그가 바라보는 현대사회는 어떤 모습인지. People living in cities often forget that they are in fact living within them. As daily life repeats itself along familiar streets, the city fades into the background. Artist Min Junhong draws out the breath of the city from these in-between moments. He unfolds the city like a map of memories, capturing its inner layers through repeated drawings, collected objects, and distorted landscapes. This inner landscape reflects not only himself but also the faces of all who live in the city. He describes Seoul, where he spent thirty years amid intense competition and fleeting happiness, as a place of both love and hate. In an attempt to release the anxiety he felt, he picked up a pen, and that act became the starting point of his creative journey. His work expanded further when he moved to London. Captivated by the elegant architecture of the city, so distinct from Seoul, he walked through the streets daily, letting himself drift through its textures. Over time, he came to a realization: though the scenery differs, Seoul and London are fundamentally similar in that they are both cities. As the cradle of the Industrial Revolution, London stands as a prototype of urban life. There, he could physically experience how a city is formed and how it functions. Now based in London, Min continues to create art inspired by the fabric of daily life. His exploration of the city has grown beyond a single place. While rooted in the specificity of London, his work extends to other cities such as Paris and Berlin. Through this expansion, his focus shifts from the city to contemporary society, from urban structure to the human being. Let us follow his journey and see what answers the city offers in response to the questions he poses. Seoul was his first city. It was the origin of his emotions and the catalyst for his creativity. Born and raised in Seoul, Min Junhong experienced the pressures of competitive entrance exams and, once in university, devoted himself to building a strong portfolio. Amid this intense environment, he began to feel a growing sense of inner anxiety. Drawing became his way of confronting and easing those emotions. As he continued to depict the space of Seoul, a city that constantly stirred complex and delicate feelings, his work naturally expanded toward the broader theme of the city. After graduating, he moved to London, where his perspective on urban life widened. At first, the city's aged architecture and carefully planned streets served as sources of inspiration. But eventually, he came to realize that London was not so different from Seoul. Beneath the surface, both cities shared the same essence: capitalist structures, the routines of everyday life, competition and survival, and invisible social norms. Now, moving beyond his personal sense of unease, Min seeks to reflect the spirit of the times, urban existence, shared culture, and the people of today through the language of the city. The Kia Design Magazine sat down with Min Junhong to ask: What is the essence of the city found in his work, and how does he see the society we live in today?
미술관 속 비밀의 문,
열린 수장고 A New Way of Seeing
the Storage Unfolds
미술관은 우리에게 조용하게 말을 걸어옵니다. 벽에 걸린 작품 한 점, 좌대 위에 놓인 조각 하나에 커다란 세계가 응축되어 있습니다. 하지만 우리가 전시장에서 마주하는 작품은 미술관이 보유한 방대한 소장품 중 일부에 불과합니다. 대부분의 작품은 공개되지 않은 조용한 수장고 속에 머물고 있습니다. 수장고는 단지 보관의 장소를 넘어, 예술 작품이 가진 시간과 가치가 축적된 공간이기도 합니다. 그러나 최근, 이 보이지 않던 공간의 문이 서서히 열리고 있습니다. 수장고를 개방하고, 디지털 아카이빙을 통해 소장자료를 공유하면서 미술관은 전시장을 넘어 더 많은 관객들과 소통하기 위한 새로운 방식을 시도하고 있습니다. 관람객과의 거리를 좁히고, 예술적 경험을 다각화하려는 이 흐름은 지금 세계 여러 미술관에서 화두로 떠오르고 있습니다. 이제 미술관은 단순히 작품을 ‘보여주는’ 공간을 넘어, 예술이 존재하는 방식과 그 이면을 함께 사유하는 장소로 변화하고 있다는 이야기이기도 합니다. 《기아디자인매거진》에서는 ‘보이는 것과 보이지 않는 것’, ‘전시와 보존’이라는 상반된 키워드를 중심으로, 전통적인 수장고에서 개방형 수장고로 전환해 나가는 미술관과 박물관의 새로운 태도에 주목합니다. 작품의 이면과 과정을 드러내는 이 변화는, 예술과 관객 사이의 관계를 보다 투명하고 다층적으로 확장시키며, 오늘날 문화기관이 지향해야 할 소통의 방향을 다시금 묻고 있습니다. 보이지 않았던 미술관, 수장고 수장고(收藏庫)는 단순한 ‘창고’가 아닙니다. 이곳은 단지 작품을 보관하는 장소를 넘어, 미술관의 본질을 가장 밀도 높게 품고 있는 공간이라 할 수 있습니다. 적정 온도와 습도, 조명과 보안 등 작품의 생애 주기를 지탱하는 모든 조건이 정밀하게 설계되어야 하며, 보존처리와의 연계 속에서 끊임없이 관리되는 살아 있는 시스템이기 때문입니다. 또한 수장고는 미술관의 정체성과 큐레이션 방향을 고스란히 드러내는 거울이기도 한데, 이는 어떤 작품을, 어떤 맥락 속에서 수집하고 보존하는가에 따라 미술관이 추구하는 철학과 관점이 드러나기 때문입니다. 그렇기에 수장고는 부수적인 시설이 아니라, 미술관의 심장부라 불러도 과언이 아닙니다. 전시와 교육, 수집과 보존이라는 미술관의 네 가지 핵심 기능 중 후자, 즉 ‘수집과 보존’을 담당하는 이 공간은 관람객의 눈에는 보이지 않지만, 모든 전시와 교육 활동의 기저를 형성합니다. 이처럼 치밀하게 관리되는 수장고는 오랫동안 외부와 단절된 ‘비공개 공간’으로 존재해왔습니다. 전시장의 화려한 조명 뒤에서, 수장고는 말 그대로 무대 뒤편의 백스테이지였습니다. 작품을 보관하고, 상태를 점검하고, 복원을 준비하는 실무 중심의 공간으로만 여겨져 온 것입니다. 그리고 그 안에는 미처 조명을 받지 못한 작품들, 보존을 기다리는 문화적 기록들이 조용히 쌓여왔습니다. 전통적으로 미술관은 이 공간에 대한 보안을 철저히 했고, 관객은 그 벽 너머에 무엇이 있는지 알기 어려웠습니다. 그렇기에 수장고는 철저히 ‘기능’의 공간으로 정의되었고, ‘이야기’는 오직 전시장에서만 허락되었습니다. 그러나 이제, 그 벽이 흔들리기 시작했습니다. 아직 모두에게 펼쳐지지 않은 수많은 이야기와 가능성이 잠들어 있다는 사실 때문입니다. Museums speak to us in quiet ways. A single painting on the wall, a sculpture placed on a pedestal—each one holds a world within it. Yet what we see in the galleries is only a fraction of what a museum truly holds. Behind the scenes, countless artworks remain in silence, tucked away in storage. These spaces are not merely for safekeeping. They are time capsules where the value and history of art are preserved and layered over time. Lately, however, these hidden spaces have begun to open up. More museums are embracing transparency by revealing their storage areas, inviting the public into spaces once considered off-limits. Through open storage and digital archiving, institutions are creating new ways to connect with audiences beyond traditional exhibitions. This shift is more than a logistical change. It reflects a broader transformation in how museums define their role. Around the world, cultural institutions are rethinking how art is shared, experienced, and remembered. By narrowing the gap between preservation and presentation, they are crafting more intimate and multifaceted encounters with art. In this issue of Kia Design Magazine, we explore this evolving attitude. Focusing on the contrast between what is seen and what remains unseen, we look at how museums and archives are transitioning from closed, curated spaces to more open and reflective environments. As the walls of storage rooms become transparent, so too does the relationship between art and audience. These changes invite us to reconsider not just how we view art, but how we engage with its hidden stories, its quiet labor, and the time that sustains it. The Invisible Side of the Museum: The Art of Storage A museum’s storage room is far more than a simple warehouse. It is a quiet yet essential space that embodies the museum’s very purpose. Beyond its practical role of holding artworks, it must be meticulously designed to ensure optimal conditions for preservation—controlling temperature, humidity, lighting, and security. It functions as a living, responsive system, deeply intertwined with the work of conservation. Storage also speaks to a museum’s identity. What is collected, how it is stored, and what is prioritized reflect the institution’s values and curatorial vision. In this sense, storage is not a hidden support facility, but the very foundation from which exhibitions and narratives emerge. Although rarely seen by the public, the storage room is central to two of the museum’s most vital roles: collection and preservation. These quiet functions underpin everything the audience experiences in the gallery. Yet for much of museum history, storage has remained behind the scenes—a backstage realm devoted to the care, inspection, and restoration of artworks. Within these spaces, countless works rest in silence, their stories paused rather than forgotten. For decades, the storage room was kept closed, its existence defined by necessity, not imagination. While exhibitions told the museum’s story in public, storage remained a silent partner in the wings. Today, that narrative is beginning to shift. Museums around the world are opening the doors to these once-hidden rooms, recognizing that within them lie stories as rich and compelling as those on display. The art of storage is becoming a new form of storytelling—one that invites visitors to see not only what is shown, but also what is preserved, protected, and patiently waiting.
세명의 관점을 잇다
- 지오메트릭 스터디 Into one Geometric Study - Park Sung-eun, Park Kyu-eun, Park Jung-woo
점, 직선, 곡선, 면, 부피 등 공간의 성질을 뜻하는 기하학Geometric. 기하학은 점과 점이 선으로 이어지고 다시 면으로 이어지며 무수한 패턴을 만들어냅니다. 지오메트릭 스터디Geometric Study의 작품이 그렇습니다. 하나의 스팩트럼을 통과하지만, 무궁무진한 컬러가 뻗어 나가듯 말이죠. 미술, 무용, 패션, 미디어 등 다양한 장르의 작업자들이 하나의 주제로 페어링하기 때문입니다. 안무가인 박성은, 미술 작가 겸 헤드피스 디자이너 박규은, 패션 디자이너 박정우 세 남매는 서로 다른 관점을 하나의 줄기로 융합하기 위한 노력을 바탕으로 자신들만의 공연과 댄스 필름을 선보이고 있습니다. 《기아 디자인 매거진》에서는 세 명의 아티스트들의 작품과 이를 통해 관객과 어떻게 페어링하는지를 그 이야기를 들어봅니다. 운동장에 선을 그어 사각형, 삼각형 판을 만든다. 번호가 적혀 있는 곳에 돌을 던지고, 외발로 폴짝폴짝 뛰어 그 돌을 줍고 왔던 길을 다시 돌아온다. 성공하면 그 칸은 내 땅이 되지만 칸이나, 선을 밟으면 땅을 빼앗긴다. 어린 시절 동네 친구들과 흔히 하던 놀이, 사방치기. 동네마다 부르는 이름은 달랐지만, 돌을 던져 외발로 줍는 것만큼은 통일된 규칙이었다. 하나의 놀이가 사회의 축소판이라고 생각한 지오메트릭 스터디는 《사방치기》로 자신들만의 이야기를 부려놓는다. 지오메트릭 스터디의 사방치기는 우리가 알던 사방치기는 아니었다. 사방치기 판은 모래에 색을 입혀 그렸고, 그 위에서 무용수들이 자신만의 언어를 몸으로 표현했다. 형형색색의 모래가 흩어졌다 모이기를 반복한다. 흩어짐과 모임의 반복 속에서 관객들은 무용수의 몸짓(무용)을 통해 형형색색의 모래(미술)가 섞여가는 모습에서 ‘사방치기’가 펼쳐진다. 세 명의 아티스트가 하나의 이야기를 위해 뭉친 이유다. Geometric refers to the properties of space: points, lines, curves, surfaces, and volumes. Geometry is about dots and points leading to lines, leading to surfaces, leading to myriad patterns. The works of Geometric Study pass through a single spectrum, but stretch out into an infinite array of colors. This is because artists from various genres, including art, dance, fashion, and media, are paired together under one theme. The three siblings, choreographer Park Sung-eun, art writer and headpiece designer Park Kyu-eun, and fashion designer Park Jung-woo, present their own performances and dance films based on their efforts to fuse different perspectives into a single thread. Kia Design Magazine talks to the three artists about the work they create and how they pair it with their audience. Draw lines on the playground to create squares and triangles. Throw a rock at a numbered space, hop on all fours, pick it up, and run back the way you came. If you succeed, the space is yours, but if you step on a square or a line, you lose it. A common childhood game with friends in the neighborhood, Sabangchigi* Each neighborhood had a different name for it, but the rules were the same: throw stones and pick them up with your one foot. Thinking that a game is a microcosm of society, Geometric Study creates their own story with “Sabangchigi”. “Sabangchigi” in Geometric Study were not Sabangchigi as we know them. The spinning board was painted with colored sand, on which the dancers expressed their own language with their bodies. The colorful sand scattered and gathered. In the repetition of scattering and gathering, the audience can see the colorful sand (art) mixing through the dancers' gestures (dance), and “Sabangchigi” unfolds. This is why the three artists united for one story.
상상과 심상이 피워낸 꽃
- 김성윤 작가 Flowers in a vase,
From imagination to canvas - Kim Sung-yoon
실감 나는 화병에, 실감 나는 꽃들이 아름다운 자태를 뽐내며 피어 있다. 사진인가? 싶어 다가가는 순간, 그림이라는 사실에 다시 한번 충격을 받게 된다. 바로 김성윤 작가의 작품이다. 꽃 정물화. 어쩌면 어디서나 볼 법한 흔한 작품이 아닌가? 반문하는 이들도 더러 있을지도 모른다. 하지만 김성윤 작가가 그려낸 꽃 정물화는 찬찬히 작품을 바라보다 보면 알 수 있다. 절대 같은 시기에 개화할 수 없는 시공간을 초월한 꽃들이 만발해 있다는 것을. 흠뻑 꽃들에 취해 있을 때 꽃을 꽂은 화병이 우리를 한 번 더 고개를 갸우뚱하게 한다. 17세기의 마네풍을 오마주했다고 하는 작가의 설명과는 달리 유약이 흐르는 동양적인 꽃병이 놓여 있다. 《프리즈Frieze LA 2024》에서 익숙한 꽃 정물을 새롭게 해석한 작품들을 2시간 만에 ‘완판’하며 전 세계 수많은 갤러리스트와 관람객을 마법의 화원으로 이끈 이유다. 익숙한 꽃 정물화에 자신만의 상상으로 생명을 불어넣으며, 심상으로 꽃을 피워낸 김성윤 작가의 화원 속으로 들어가 보자. 돌이켜보면 조금은 유별나고 조숙한 ‘중3’이었다. 그때부터 화가의 꿈을 키웠으니 말이다. 초상화로 유명한 스웨덴의 앤더스 소른Anders Zorn와 미국의 존 싱어 서전트John Singer Sargent, 러시아의 일리야 레핀Ilya Repin 등의 사실적이고 정교한 작품을 좋아했다. 한때는 단순하게 그림을 잘 그리는 것이 미술의 전부라고 생각했지만, 미술을 공부하면서부터 모든 것이 미술이라는 복잡 다변한 생태계를 이루는 미세한 우주의 먼지임을 깨닫게 되었다. 무엇을 그릴 것인가에 대한 고민은 평소 좋아했던 인물화에 대한 집요한 탐색과 탐구의 여정으로 이어졌다. Captured in the frame, flowers bloom beautifully in a porcelain vase. You approach it thinking it is a great photo then are surprised to discover that it is actually a painting. This is a common reaction to the work of artist Kim Sung-yoon. A casual observer may think Kim’s painting is yet another floral still life, an art form that has existed for centuries. However, Kim's floral still-life paintings reveal distinctive qualities when you take a closer look. First, the flowers in the vase bloom at different times of the year, a combination that transcends time and space. The ceramic vases that he captures are yet another feature that sets Kim’s floral still-life paintings apart from others. Kim’s inspiration comes from the paintings of 17th century artist Édouard Manet.  However, unlike these paintings, the vases in Kim’s painting are oriental in style, and covered in glaze. Kim recalls himself as a rather unusual and precocious teenager, already determined to become a painter in 9th grade. He loved the realistic and sophisticated work of Anders Zorn from Sweden, John Singer Sargent from the United States, and Ilya Repin from Russia, who are all famous for their portraits. He used to think that art was all about drawing well, but as he studied more, he came to realize that there are a myriad of things that make up the realm of art. The question of what to paint led him on a journey of relentless search and exploration of his favorite art form, portraits.
한국 풍류의 멋을 관조하는
세계인 - 베르너 사세 Contemplating the beauty of
Korean Pungnyu - Werner Sasse
산일까? 바위일까? 혹은 사람일까? 추상적인 수묵화를 바라보고 있자면 머릿속에서 상상의 나래가 펼쳐진다. 베르너 사세는 자신이 그려낸 작품에는 제목이 없다고 말한다.  ‘무제(無題)’이기 때문에 하루는 산이 될 수도 있고, 또 다른 하루는 바위 혹은 사람이 될 수도 있다. “한지 위에 먹이 노니는 데로 그림을 그려 나갑니다. 그래서 제목이 없어요. 관람객들도 제목이 있으면 한정된 시각으로 바라보게 되죠.” 한국과 50년 가까이 인연을 맺어오고 있는 독일인 한국학자이자 수묵화가 베르너 사세Werner Sasse가 생각하는 문화예술은 ‘정해진 답이 없는 것’이라고 생각하기 때문. 한지에 스며드는 먹처럼 한국이란 나라에 서서히 스며든 베르너 사세에게 우리가 미처 놓쳤던 한국의 이야기를 들어보았다. 1966년, 전남 나주에 푸른 눈의 한 남자가 도착했다. 그에게 비친 한국의 풍경은 생경했지만 이전에 본 적 없었기에 매력적으로 다가왔다. 서양식 주택과는 다른 한옥이, 논두렁에서 일을 하다 술 한잔 걸치곤 툭하고 내뱉는 노인의 노래(시조) 등이. 그렇게 한국이란 나라에 점차 스며든 그 사람은 바로 독일인 베르너 사세다. 비료공장에 기술고문으로 부임한 장인을 따라 한국에서 생활하게 된 그는 기술고등학교 강사로 일하며 한국 문화에 관심을 갖게 되었다. 1960년 개발이 막 시작된 한국이었지만 지방은 그때 까지만 해도 농경사회를 유지하고 있었다. 이 때문에 전통의 흔적을 쉬이 찾아볼 수 있었던 것. 한옥과 막걸리, 새참, 창과 시조 등은 베르너 사세에게는 매력적인 한국의 모습으로 다가올 수밖에 없었다. 당시 그는 한국어를 공부한 적도 없었을뿐더러 한국이란 나라에 대해 아는 것이 전무했기 때문. 그렇게 우연한 기회에 한국과 연을 맺은 그는 4년 후 다시 독일로 돌아가 한국학을 공부하기 시작하며 독일인 최초 한국학자가 되었다. 2007년 한국 대학교에 교수로 초빙되어 한국으로 돌아온 그는 한국인보다 한국학을 열정적으로 파고들며, 한국 전통 수묵화를 그리는 화가로 살아가고 있다. 《기아 디자인 매거진》은 그에게 “우리도 모르는 한국의 이야기를, 화선지에 담고 싶은 한국은 무엇인지”를 물었다. Is it a mountain? A rock? Or a person? When looking at abstract Ink Paintings(Sumukwa), the imagination unfolds in the mind. Werner Sasse says that his works have no titles. Because they are untitled, one day it could be a mountain, and the next day it could be a rock or a person. “I draw pictures as the ink runs on the hanji. That's why there is no title. If there is a title, visitors will look at it from a limited perspective.” This is because the German Korean scholar and ink painter Werner Sasse, who has been connected to Korea for nearly 50 years, believes that culture and art are things that have no set answers. We listened to the story of Korea that Werner Sasse, who has slowly been absorbed into the country like the ink that soaks into hanji, has missed. In 1966, a man with blue eyes arrived in Naju, South Jeolla Province. The scenery of Korea that he saw was unfamiliar, but it was attractive because he had never seen it before. Hanok, which is different from Western-style houses, and the songs (si-jo) of old men who work on the ridges of rice paddies and then drink a glass of soju. That person who gradually penetrated into the country of Korea was Werner Sasse, a German. He came to live in Korea after following his master, who had been appointed as a technical advisor to a fertilizer plant and became interested in Korean culture while working as a lecturer at a technical high school. In 1960, when Korea was just beginning to develop, the provinces were still maintaining an agrarian society. This is why traces of tradition could be easily found. Hanok, makgeolli(Traditional liquor), Saechim*(meal),Traditional songs and poemswere all attractive aspects of Korea for Werner Sasse. This was because he had never studied Korean and knew nothing about the country. He became connected with Korea by such a chance, and four years later he returned to Germany to study Korean studies and became the first German scholar of Korean studies. After returning to Korea in 2007 as a professor at a Korean university, he has been more passionate about Korean studies than Koreans and is living as a painter who paints traditional Korean ink paintings. Kia Design Magazine asked him, “What is Korea that you want to put on the paper of Korean stories that we don't even know?”
Opposites United:
Intersections Beyond Boundaries Opposites United:
Intersections Beyond Boundaries
외국인이 주로 언급하는 서울의 매력은 과거와 현대의 공존입니다. 울창한 빌딩 숲 사이로 비치는 궁궐과 도성, 옛 거리, 극명한 이질감 속 교차점이 ‘서울’이라는 도시를 기억하게 만드는 점일 것입니다. 전통의 궁궐과 빌딩의 이질적인 차이마저 조화롭게 공존하는 것. 기아는 이것에 주목했습니다. 10월 19일부터 11월 2일까지 서울 성수동에 위치한 스페이스 S1에서 기아 디자인 철학인《오퍼짓 유나이티드Opposites United》 전시가 개최됐습니다. 이번 전시는 'Opposites United: Intersections Beyond Boundaries'를 주제로 경계를 넘나드는 ‘교차점’을 포착하여 새로운 소통의 공간을 창조했습니다. 전시는 지치지 않는 혁신가의 공간Room of Relentless Innovators, 창의적 모험가의 공간Room of Creative Risk-takers, 문화의 동반자로서 모든 참여자의 의지와 소통을 융합하는 공간 Room of Culture Vanguard 세 공간에 세 명의 아티스트들이 오퍼짓 유나이티드를 담아냈습니다. 아티스트들의 창의적인 접근으로 마법처럼 펼쳐놓은 그들의 이야기를 들어봅니다. When asked what makes Seoul attractive, foreigners often say it is the coexistence of old and new. The coexistence of palaces, castle walls and old streets between modern skyscrapers is what makes Seoul memorable. Kia focused on this harmonious coexistence of contrasting elements in Seoul. Kia hosted an exhibition of Kia's design philosophy, ‘Opposites United’ from October 19 to November 2 2024 at Space-S1 in Seongsu-dong, Seoul. The theme of the exhibition, ‘Opposites United: Intersections Beyond Boundaries,’ aimed to capture the ‘intersections’ that cross boundaries and create a new space for communication. The exhibition was organized into three spaces; Room of Relentless Innovators, Room of Creative Risk-takers, and Room of Culture Vanguard, a space designed to fuse the input and exchanges from all of the participants. We interviewed the three artists who successfully captured Kia's philosophy of Opposites United in the exhibition about their creative approaches.
두 아티스트의 물리적 화합
안나 갈타로사 X 니콜라스 베커 Intersections Beyond Boundaries - Anna Galtarossa x Nicolas Becker
혼합물과 화합물은 다릅니다. 혼합물은 두 가지 이상의 물질이 섞이지만 각각의 성질은 그대로 가지고 있는 반면 화합물은 서로 단단하게 결합하여 새로운 물질이 되어 물질의 성분 자체가 다른 성질을 가지게 되지요. 이 화합물은 물질에서만 국한되는 것이 아닙니다. 서로 다른 영역에서 활약하는 아티스트들의 만남에서도 화학적 시너지는 발휘됩니다. 기아는 서로 다른 영역의 아티스트들이 ‘페어링’하여 새롭게 창조한 이야기를 지난 4월 ‘밀라노 디자인워크’에서 선보였습니다. 바로 전시 였습니다. 두 작가가 경계 너머의 창의적 작품을 선보였는데요. 이 전시에 참여한 아티스트 안나 갈타로사 Anna Galtarossa와 니콜라스 베커Nicolas Becker가 협업한 ‘The Spirit of Disco’를 소개합니다. 전방위적으로 활약하는 안나 갈타로사(이하 안나)는 움직이는 키넥틱 아트를 바탕으로 작품을 구현하는 과정에서 니콜라스 베커(이하 니콜라스)와 사운드를 찾아가는 과정을 통해 ‘The Spirit of Disco’만의 예술적 가치를 보여주죠. 《기아 디자인 매거진》에서는 두 아티스트가 함께 작품을 만들어 내기까지의 과정과 그 안에 담긴 스토리, ‘페어링’의 의미를 어떻게 견지하고 있는지 이야기를 들어봅니다. 니콜라스 베커는 영화 사운드의 세계에서 다방면에 걸친 거장으로, 사운드 디자이너, 폴리 아티스트, 작곡가로 활동하고 있다. 그중 사운드 디자인에 있어 각 프로젝트에 맞는 맞춤형 마이크 만드는 방식으로 작업을 하는데, 이 방법은 그의 작업과 현대 미술의 영역을 엮어낸다. 특히 니콜라스는 2021년 4월 다리우스 마더Darius Marder 감독의 걸작인 로 아카데미 음향상을 수상했다. Mixtures and compounds are different. In a mixture, the original substances retain their individual properties, whereas a compound is a new substance that binds tightly together and becomes a new substance with a new property. Chemical synergy is not limited to substances; it also happens when artists from different fields collaborate. Kia presented a story of artists from different fields “pairing up” to create something new at the Milan design week last April. The title of the exhibition was Opposites United: Intersections Beyond Boundaries and it featured 'The Spirit of Disco', a collaboration work between two artists active in different fields, Anna Galtarossa and Nicolas Becker, to showcase their creative work across boundaries. Anna created a kinetic artwork and worked with Nicolas to find the right sound for her work, which culminated in The Spirit of Disco. Kia Design Magazine delved into the processes invovled in this collaboration, the story behind the process, and their perspectives on the meaning of 'pairing up'. My name is Nicolas Becker, I was born in France in 1970. I’m a foley artist, sound designer and composer. I have been working with sounds for 35 years. I live in Paris but work with people all over the world. I am Anna Galtarossa, I was born in Italy in 1975. I’m an artist and I’ve been working most of my life on sculptures and installations, mostly things that move. My art is generally very colorful, and my pieces prefer to be outside the protection of museums and galleries. I had my first exhibition as an artist in 2004, at the Spencer Brownstone Gallery, and they still represent me to this day.
나무는 숲의 에너지로 -
아뜰리에형준, 이형준 Pipe fittings grow into trees,
creating an energetic forest
익숙한 소재가 조금도 익숙하지 않은 오브제로 탄생한다. 가열이나 냉각 같은 물성 변화의 과정을 거치지 않았는데 번쩍거리던 금속은 나이테를 두른 나무가 되고 차가움은 따스함이 된다. 이 변화는 파이프 피팅이라는 산업 부품을 찾아낸 덕이다. 스테인리스를 소재로 작업을 하는 아티스트는 많지만 산업 부품 파이프 피팅을 통해 대조적인 자연을 그려내고 있다는 건, 작가의 놀라운 발상이 있었기에 가능했던 일. 작가는 인공을 자연에 한 발 더 가까이 가기 위한 지속적인 여정을 멈추지 않는다. 인공으로 자연을 만드는 아티스트의 다음 발상과 상상이 궁금하다면? 은근한 금속 냄새와 고요한 용접이 기다리는 금속조각가 이형준의 신세계로 입장할 시간이다. 2호선 문래역에서 내려 우체국이 있는 방향으로 걷다 보면 일렬로 정렬한 철공소들이 나타난다. 오래전 문래동은 끊임없이 귀가 먹먹해지는 쇳소리와 시야를 가리는 먼지바람에 정신이 아득해지는 철공 단지였다. 집이 있던 보라매공원부터 4~5킬로미터를 하릴없이 걷곤 했던 소년에게 쇳가루와 분진이 날리는 문래동 철공 단지는 반짝반짝 빛나는 신기하고도 신비로운 보물섬이었다. 예술은 가장 어두운 곳에서 탄생한다고 했던가. 유일하게 활기찬 것이라고는 기계들뿐이었을 그곳에서 소년은 이미 무한한 가능성을 목도하고 있었는지도 모른다. 어린 시절 가능성의 무한한 자유로 자라났다. 철공과 예술. 이질적으로 느껴지는 조합으로 이루어진 미로를 사뿐한 발걸음으로 작가 이형준은 부유한다. 평범한 산업용 파이프 피팅Pipe Fiffing을 구부리고 잇고 두드리고 줄을 그어 완성한 선반은 우리가 ‘선반’으로만 알고 있던 것의 범주를 과감히 초월한다. 페르낭 레제Fernand Léger의 입체주의 그림에서 본 것 같기도 하고 레오나르도 다 빈치의 설계 도안에서 본 것 같기도 한 익숙하면서도 낯선 형태가 자꾸만 시선을 붙든다. ‘파이프 피팅’은 피상적 포맷에 불과할 뿐, 어쩌면 아티스트는 아트와 퍼니처, 예술과 실용, 냉기와 온기, 인공과 자연 등 하나가 될 수 없는 둘을 ‘피팅’하려는 시도와 실험을 거듭하고 있는 게 아닐까. 《기아 디자인 매거진》은 실험적 예술가이자 예리한 관찰자, 진지한 실험가인 이형준, 그에게 묻기 시작했다. Familiar materials are transformed into unfamiliar objects. Shiny metal pieces become wood complete with tree rings, without undergoing any heating or cooling processes, creating cold objects that radiate with warmth. Such transformation is made possible thanks to pipe fittings also known as pipe connectors. There are many artists who work with stainless steel, but an artist using pipe fittings to depict objects from nature is unprecedented. Hyungjun is on a continuous journey to bring artificial objects a step closer to the nature. We invite you to the world of metal sculptor Hyungjun Lee and explore the artist's next ideas. In Seoul, there is a street full of ironworks located near Mullae subway station. Decades ago, Mullae-dong was an ironworks complex full of sound and dust. During his childhood, Hyungjun used to walk several kilometers from his home near Boramae Park to the ironwork complex and was fascinated by it. It is said that art is born in unlikely places. Indeed, Hyungjun saw infinite possibility in the noisy and dusty complex full of industrial machinery. Somehow, Hyungjoon Lee floats through a maze of seemingly disparate combinations of industrial ironworks and crafting arts effortlessly. For example, his shelves which are made by bending, connecting, hammering, and lining ordinary industrial pipe fittings, boldly transcends the traditional boundary of shelves. The familiar yet unfamiliar shapes that seem to have come from a cubist painting by Fernand Léger or a design drawing by Leonardo da Vinci, draw our attention. The artist is using 'pipe fittings' as a medium, experimenting to blend two unlikely ideas and objects, such as art and furniture, art and practicality, coldness and warmth, man-made and natural. Kia Design Magazine interviewed Hyungjun Lee, a daring artist, keen observer, and serious experimenter, on what he is trying to achieve.
이방인이 담은 한국의 집
잉고 바움가르텐 Familiarity transformed into the unfamiliar, The ordinary perceived through the exotic eyes, A foreigner’s portrait of a Korean house
- Ingo Baumgarten
풍경이 익숙해지면 우리는 그것에 큰 감흥을 느끼지 못한 채 스쳐 지나친다. 하지만 익숙한 듯한 풍경 속에서도 섬세한 관찰을 통해 익숙한 것을 낯설게, 평범한 것을 아름답게 화폭에 풀어내는 이가 있다. 바로 독일 화가 잉고 바움가르텐(이하 잉고). 일상에서 건축의 구조, 소재 등을 탐구하며, 자신만의 상상을 스토리텔링 하여 잉고만의 시선을 만들어 낸다. 잉고의 그림을 마주하면 마치 ‘이상한 나라 앨리스’로 빨려가듯 새로운 세상이 눈앞에 펼쳐진다. 그래서 우리는 무심코 스쳐 지나갔던 풍경을 다시금 돌아보게 된다. 16년째 한국에 살면서 서울을 관찰하며, 한국의 주택과 건물을 자신만의 해석으로 그리며 한국인들과 상호작용을 하는 잉고의 이야기가 시작된다. 독일의 서부 하노버 교외 작은 마을에서 태어나 그곳에서 학창 시절을 보냈다. 그 학생은 풍부한 문화가 있는 대도시를 동경했고, 미술학도이자 젊은 예술가가 되고자 파리로 떠났다. 독일에서 학업을 마친 후 ‘파리 시각예술고등예술원 Institute of Higher Studies in Visual Arts Paris’에 합격하여 초대받은 것. 그곳에서만 머물지 않고, 대만, 일본, 한국으로 유랑해왔다. 다문화적 관점을 견지한 잉고는 2008년 홍익대학교 교수가 되어 학생들을 가르치고, 1970년에서 1990년 사이에 지어진 콘크리트 주택에 매료되어 한국의 집과 건물을 화폭에 담고 있다. 잉고 바움가르텐이 한국의 주택에 매료된 데에는 유럽에서 나고 자란 환경이 한몫했다. 대부분의 유럽은 일률적으로 집을 짓는다. 지붕의 규격, 방의 구조 등 하나하나 정해진 법규가 있고, 집을 보수하기 위해서는 20년 정도가 흘러야 한다. 반면, 한국의 주택은 전통과 현대의 대비가 뚜렷하면서도 주택의 구조나 형식이 저마다 다르다. 이 대비 속에서 한국인들의 개성이 묻어 있는 저마다의 스토리가 잉고의 시선을 끌었다. 그런 잉고는 한국인이라면 무심코 지나쳤을 지붕을 보고 영감을 얻었다. “마치 두 손을 모으고 기도하는 모습처럼 느껴졌어요.” 이방인 시선에서 한국 주택은 영감의 원천이었고, 한국 주택이나 건물의 한 단면을 극대화하여, 자신만의 상상을 더해갔다. 《기아 디자인 매거진》은 한국적이면서도 한국적이지 않은 잉고 바움가르텐만의 세계가 궁금했다. 한국에서 어떤 매력을 느끼는지, 그 매력을 어떻게 그려내는지 등 한국을 바라보는 잉고의 관점이. When we become familiar with a landscape, we often pass by it without much thought or feeling. Yet, there are those who, through careful observation, manage to transform the familiar into the unfamiliar and the ordinary into the beautiful, expressing it through drawing. One such individual is the German painter Ingo Baumgarten. He explores the structures and materials of architecture in everyday life, weaving his unique imagination into a distinct storytelling style. Encountering Ingo's artwork feels like being drawn into a new world, much like being pulled into "Alice in Wonderland." This prompts us to revisit the landscapes we once overlooked. And this is the beginning of the story of Ingo, who has been observing Seoul after living in Korea for 16 years and interpreting its houses and buildings in his own way, and engaging with the local people. Born in Hanover, West Germany, later raised up in a small town close to Düsseldorf, Ingo spent his school days there. He always longed for the rich culture of the big cities and set off for Paris to pursue his dream of becoming an art student and a young artist. After ending his studies in Germany, Ingo was accepted and invited to the Institute of Higher Studies in Visual Arts Paris to study. Not limiting himself to Paris, he also traveled to Taiwan, Japan, and Korea. Embracing a multicultural perspective, Ingo settled in Korea in 2008, becoming a professor at Hongik University to teach fine art. Captivated by the concrete houses built between the 1970s and 1990s, he brings Korean homes and architecture to life on canvas. Ingo Baumgarten’s fascination with Korean houses can be traced back to his upbringing in Europe. In most parts of Europe, houses are built uniformly, with specific regulations governing aspects like roof dimensions and room layouts. There are strict laws in place, and houses typically require about 20 years to undergo renovations. In contrast, Korea displays a stark contrast between tradition and modernity, with each home having a unique structure and design. This contrast and unique features of each house caught Ingo’s eyes. And he was inspired by the roof, something many Koreans might pass by without a second thought. “It felt like hands clasped together in prayer,” he remarked. From the foreigner’s point of view, Korean homes were a source of inspiration. By magnifying particular elements of Korean houses and buildings, and blending them with his own imagination, he portrayed the landscapes of Korea in his art. was curious about Ingo Baumgarten's unique world, one that feels both distinctly Korean and yet not, through the eyes of a foreigner. What was it about Korea that attracted him? How did he translate that allure into his work? And how does Ingo perceive the country?
자연과 사람 예술의 어울림
스페이스미조 Creating intricate synergy with nature, people, and art
- Space Mijo
보통 건축 설계에 반영해야 하는 주변 상황이나 맥락을 ‘콘텍스트(Context)’라는 단어로 표현합니다. 이 때문에 건축가에게 있어 콘텍스트는 영감의 원천이 되기도 하는데요. 도시재생이라면 더욱더 이 콘텍스트는 건축가에겐 중심이 될 수밖에 없습니다. 새로운 실험과 도전으로 기존 건축물과 차별화하면서도, 기존 건축물이 가진 주변의 맥락과 어울림은 유지해야 하기 때문이지요. 그 명제를 기꺼이 받아들이며 낯설면서도 익숙한 공간이 탄생했습니다. 바로 스페이스미조입니다. 남해안의 드넓은 바다, 어선이 그득한 미조항, 그 뒤로 펼치는 산과 여러 섬이 중첩되어 만들어낸 한국화에서 볼 법한 풍경. 이 중심에 스페이스미조를 설계한 박석희, 이선희 건축가가 있습니다. 두 건축가는 미조항의 콘텍스트를 한국의 미감으로 풀어내기 위해 기존 건물의 골자는 그대로 두고, 미조항의 풍경과 어울리도록 스케일은 줄여갔습니다. 《기아 디자인 매거진》이 ‘스페이스미조’를 선택한 이유입니다. 건축가로서 도전과 시도를 통해 복합문화공간이라는 현대적 이름을 달았지만 한국적 미감으로 풀어내 미조항의 풍경에 자연스럽게 스며든 어울림. 《기아 디자인 매거진》에서 두 건축가가 써 내려간 스페이스미조의 이야기를 따라가 봅니다. 필자는 몇 해 전부터 ‘천년의 탐사대’를 꾸려, 한국 건축의 흔적을 찾아다니고 있었다. 최근에 알게 된 것은 부여에서 시작해, 고(句)려, 백제, 신라, 다시 고려, 그리고 조선. 현재에 이르기까지 아름다움에 대한 한국인의 미감이 시대에 따라 달라져 왔으며, 전 국토에 걸쳐 복합적으로 연결되어 있다는 것을 발견할 수 있었다. 이러한 발견의 한복판에 서면 필자는 한국의 건축가로서 이것을 현대 건축에 스며들도록 하고자 하는 시대정신에 마음이 조급해진다. 고유섭 선생이 우리나라의 미감을 정의한 ‘구수한 큰 맛’을 교본 삼아, 건축을 해나가면서, 필자의 설계는 도면에서 도저히 표현할 수 없는 복합적인 감각의 아름다움을 향해 나아가고 있다. 스페이스미조는 이러한 감각의 복합적인 상승 관계를 이끌어내는 작업이었다. In architecture, the word 'context' usually refers to the surroundings or factors that must be reflected in a design. For this reason, context is often a source of inspiration for architects, especially when it comes to urban regeneration. Context is even more central for architects when designing new buildings, as they need to experiment and differentiate themselves from the existing architecture, while still blending in with the surroundings and existing buildings. Space Mijo is a fine example of the successful fusion of unfamiliar and familiar elements. Mijo Port boasts a picturesque view with the vast blue ocean dotted with fishing boats, and layers of small islands and mountains. Two architects, Park Seokhee and Lee Sunhee created Space Mijo by redesigning an old warehouse to enable it to blend in at the Mijo Port whilst having a distinctive touch of Korean aesthetics and retaining its basic structure. Space Mijo is designed as a cultural complex yet has elements of traditional Korean aesthetics, thanks to the designers’ successful take on incorporating distinctive Korean aesthetics into its design. This makes Space Mijo a perfect item to be in the spotlight in the Kia Design Magazine. Read on to learn all about the story of Space Mijo written by the two architects. For many years, we have traveled around the country, exploring, and discovering different Korean architecture. Over time we learned that the Korean sense of beauty has changed over time, as different dynasties have risen and fallen, from Buyeo to Joseon. We also learned that elements of Korean aesthetics have been dispersed over time, and regions are intricately connected across the entire country. Upon discovering all this, we became eager to translate it into contemporary Korean architecture. Late art historian, Ko Yoosup, summarized traditional Korean beauty as ‘profound savory taste’. We used this as a guideline in the Space Mijo project, which led to some wonderfully complex sensory beauty that could not be expressed in a drawing. The project was all about achieving a complex synergy of sensory beauty.
새로움을
향한 무한한 자유 Unlimited Freedom Toward Newness
자개, 레진, 나무 등을 재료로 활용해 독특한 스타일링을 선보이는 헤어 아티스트 가베와 식물에 인공적 재료를 더해 외계 식물이라는 이색적인 작품을 선보이는 플랜트 아티스트 하이이화. 익숙한 소재로 새로운 시각적 경험을 제공하는 두 아티스트의 작업은 ‘상반된 개념의 창의적 융합(Opposites United)’에 대한 신선한 영감을 불러일으킵니다. 더 이상 새로운 게 있을까 싶은 영역에서 예상을 뛰어넘는 신선한 작품을 맞닥뜨리며 경이로운 감정이 고양될 때가 있습니다. 헤어 아티스트 가베와 플랜트 아티스트 하이이화는 이런 놀라움을 선사하는 작가입니다. 자개, 레진, 나무 등을 소재로 헤어 스타일링의 신세계를 보여주는 가베는 영감의 원천이 어린 시절의 기억에 있다고 고백합니다. 동양미술과 불교에서 영향을 받은 하이이화는 식물과 전자부품으로 낯선 외계 식물을 만듭니다. 두 아티스트는 익숙함에서 출발해 작품세계를 자유롭게 확장하며 새로운 창의성(New Creativity)을 선보입니다. 안녕하세요. 헤어 아티스트 가베입니다. 안녕하세요. 저는 인공적인 요소와 식물을 결합해 현실에서 경험할 수 없는 미지 세계의 외계 식물을 만드는 플랜트 아티스트 하이이화입니다. Gabe, a hair artist, creates unique hairstyles using mother-of-pearl, resin, and wood, while HA I I HWA, a plant artist, creates alien plants by adding artificial materials. The work of these two artists, who create new visual experiences with familiar materials, provides fresh inspiration for “Opposites United.” Sometimes, in an area where you think there cannot be anything new anymore, you come across something fresh that exceeds your wildest expectations and inspires a sense of wonder. Hair artist Gabe and plant artist HA I I HWA are two such surprising artists. Gabe, who uses mother-of-pearl, resin, wood, and other out-of-the-ordinary materials to showcase a new world of hairstyling, confesses that his inspiration comes from childhood memories. HA I I HWA, on the other hand, is influenced by Eastern art and Buddhism. She creates strange alien plants using plants and electronic parts. These two artists offer viewers a new sense of creativity by starting from the familiar and pushing the boundaries of their respective art worlds. Hello. I’m hair artist Gabe. Hello. I’m HA I I HWA, a plant artist who combines man-made elements with plants to create alien plants from uncharted worlds that we can’t experience here in the real world.
Let’s
Enjoy Your Discovery! Let’s Enjoy Your Discovery!
지난 6월 기아글로벌디자인(이하 기아디자인)으로부터 조직 활성화를 위한 워크숍 설계를 제안받았다. 자동차 디자인은 많은 디자이너들이 서로 협업하며 결과물을 완성하는 과정을 거치기 때문에 디자이너 개인의 크레딧보다는 조직을 우선하는 편이다. 특히 커다란 포부와 의욕을 가지고 입사한 디자이너가 디자인 작업에 몰두한 지 3~5년 정도 되면 리셋을 위한 리프레시가 필요해진다. 이를 위해 창의적 사고를 재충전하는 맞춤형 1일 워크숍 기획이 필요하다는 게 골자였다. 워크숍을 통해 어떤 시간을 보내고 싶은 걸까, 조심스레 물어보니 몇 가지로 압축할 수 있었다. 밑줄이 필요한 단어로 빼곡한 문장들에는 구성원에게 도움을 주고 싶다는 기아디자인의 진심이 가득 담겨있었다. 특히 ‘오퍼짓 유나이티드Opposites United’라는 철학 아래 많은 이들의 영감을 총체적으로 모아 결과물을 도출하는 조직 입장에서, 그 근본을 이루는 디자이너 개인의 정체성과 브랜딩에 신경을 쓰고 계속 소통하려 노력한다는 점은 명징했다. 게임 디자인을 바탕으로 몰입형 워크숍(immersive workshop)을 진행하는 우리 ‘놀공NOLGONG’의 장기를 활용하면 조직과 개인에게 모두 도움 되는 흥미로운 장을 마련할 수 있지 않을까, 생각이 들었다. In June 2023, I was approached by the Kia Global Design Division (hereinafter Kia Design) to organize a workshop that would revitalize their organization. Automotive design is a process where many designers collaborate to complete a product, so the organization tends to take precedence over individual designer credits. That is especially true for designers who joined the company with great ambition and motivation yet could still use a boost of momentum to reset themselves after three to five years of such immersive design work. The key was to design a customized one-day workshop to recharge their creative batteries. After carefully asking them what they wanted to do during the workshop, I narrowed it down to a few things. Kia Design’s sentences, filled with words that needed to be underlined, contained the organization’s sincere desire to help its members. In particular, it was clear that as an organization that collectively harnesses the inspiration of so many people to produce results under Kia’s design philosophy, “Opposites United,” it still cares about the identity and branding of each designer—which becomes the organizational foundation—and tries to continue communicating with them on an ongoing basis. I thought we could create an exciting opportunity that would benefit both the organization and the individuals themselves by leveraging NOLGONG’s extraordinary ability to conduct immersive workshops based on game design.
디자이너 로베르트 클로스.
그의 다양한 이야기를 들어봅니다. Designer Robert Klos. Hear his various stories.
아주 어릴 때부터 자동차, 기차, 자전거를 참 좋아했어요. 몇 살인지 기억도 안나네요. 기계적인 면모를 띤 움직이는 사물에 항상 관심을 빼앗겼죠. 아파트 창밖을 내다보며 저 멀리 지나가는 열차의 화물칸 갯수를 세곤 했다니까요. 동네에 처음 보는 차가 지나가거나, 큰 트럭을 발견할 때면 뛸 듯이 기뻐했던 경험도 기억나네요. (웃음) 또 다른 취미는 그림 그리기였어요. 건축물이나 아파트 설계도를 그렸는데, 건축사무소에서 일하시던 할머니의 영향을 받은 게 아닐까 싶어요. 물론 자동차도 자주 그렸습니다! TV에 나온 F1 자동차를 따라 그리곤 했죠. 제가 디자인에 관심을 가진 특별한 계기가 있어요. 14살 때 제 사촌이 제품 디자인을 공부하고 있었어요. 그가 만든 작업물을 본 순간 깨달았죠. ‘내가 하고 싶은 건 바로 이런 거였어!’ 저는 제품 디자인에서 한 걸음 더 나아가, 어릴 적부터 늘 제 넋을 빼놓던 자동차를 디자인하고 싶다는 꿈을 품게 되었어요. 하지만 목표를 이루기까지는 조금 시간이 걸렸어요. 당시 제가 살던 폴란드 바르샤바에는 자동차 회사가 없었고, 자동차 디자인을 전공할 길도 묘연했어요. 그래서 독일과 오스트리아에서 공부를 했답니다. 시간이 흘러 2017년부터는 기아유럽디자인에서 일할 수 있었죠. 지금 이렇게 《기아 디자인 매거진》과 인터뷰를 하는 거 보니, 결국 꿈을 이룬 게 아닌가 싶네요. 하하. Ha, that’s a very tricky yet straightforward question. The answer to it might be a bit too long, though, if I would go into every detail. Anyway… Ever since I can remember, I have been fascinated by cars, trains, and bicycles; I have no idea why. Everything that was moving and had some technicality always got my attention :). I remember looking out the window of the flat I lived in as a kid and counting wagons of trains passing by in the distance. I remember feeling super happy seeing a new car or big truck on our street. Also, for some reason, I can’t explain why I was drawing a lot: architecture and plans of the apartments (I think my grandma, who was working in the architecture office, influenced me a bit; my dad is a fantastic drawer, too, by the way!) And, of course, I was drawing cars! Especially F1 Cars when I watched it on TV (I was six years old). Things evolved quite a bit over the years, and finally, when I was 14, I got interested in art and design. My cousin was studying Product design and showed me some stuff he was working on. BUM, that was it! I decided to take it a step further and try car design, even though we didn’t have any car design school or car industry in Poland. It took some time, some moving to different countries and learning, but hey, now I am here, talking to Kia Design Magazine, so I think things worked out quite well in the end :)
선입견을 넘어 무한한 가능성의 세계로
드랙 아티스트 나나영롱킴 Beyond Prejudice: Advancing Toward a World of Infinite Possibilities — Nana Youngrong Kim, Drag Artist
나나영롱킴은 현재 한국에서 가장 인지도 높은 드랙 아티스트다. 연극영화과에 진학해 배우의 길을 모색했지만, 남녀의 고정된 성역할과 로맨스가 주를 이루는 관습적 연기에서 한계를 느끼던 그는 우연히 드랙 아티스트를 조명한 영화 〈프리실라〉와 〈헤드윅〉을 접했고, 영화에 등장하는 드랙 아티스트의 화려한 의상과 소품에 마음을 빼앗기며 드랙 문화에 빠져들었다. 그때부터 현재까지 18년이라는 시간 동안 그는 기존의 클럽 무대에 머무르지 않고 다양한 문화 예술 장르에 도전하며 ‘성소수자들만의 문화’라는 드랙의 선입견을 허무는 데 지속적인 역할을 담당했다. 브라운아이드걸스, 마마무, 박효신, 유노윤호 등 다양한 K팝 아티스트와 협업했고, 럭셔리 브랜드 베르사체, 모스키노, 로에베, 루이 비통 등의 러브콜을 받았으며, 코스메틱 브랜드 헤라HERA의 캠페인 모델로 활동하며 컬래버레이션 제품을 발매했다. 그는 드랙을 주제로 한 개인 다큐멘터리 〈NA, NA〉를 제작하고, 한국 드랙 아티스트로는 유례없이 사진전을 여는 등 드랙 문화의 확장성을 계속 증명하는 중이다. Korea’s drag culture, once considered “cross-dressing” and enjoyed by just a small group of people, is now entering a new phase. Today, different definitions and categories of drag culture are emerging, and drag artists are expanding into a variety of genres. One name on this new cultural map is Nana Youngrong Kim, one of Korea’s leading drag artists. As a drag artist, Kim embraces freedom of expression and the diversity of genres, direct proof of his belief that drag is the act of being able to be absolutely anything. Drag culture is a liberating medium in that it can help anyone in the world move forward in the direction of their choice. Kia Design Magazine met up with Kim and listened to his perspective and attitude to change many of the stereotypes surrounding drag and highlight the infinite possibilities of drag culture as a driving force to enrich our times.
도약하는
K아트의 안팎을 조망한다는 것 Looking Out from Both Sides of a Surging K-Art Movement
한국의 로컬 갤러리로서 잠재력 넘치는 한국 작가를 발굴해 해외에 알리는 역할을 해온 원앤제이 갤러리, 글로벌 메가 갤러리로서 한국에 진출한 타데우스 로팍. 이 두 곳을 이끄는 박원재 원앤제이 갤러리 대표와 황규진 타데우스 로팍 서울 총괄 디렉터의 이야기를 통해 ‘상반된 개념의 창의적 융합(Opposites United)’을 고민해 봅니다. 박원재는 원앤제이 갤러리 대표다. 2005년 갤러리를 설립한 이래 가능성 있는 한국 작가를 세계 미술계에 꾸준히 소개하고 있다. 2018년 스위스 ‘아트 바젤’에서 원앤제이 갤러리의 강서경 작가가 아시아 갤러리 소속으로는 처음으로 발루아즈 예술상을 받으며 큰 화제를 모았다. 갤러리를 운영하면서 2020년 디지털 아트 플랫폼 ‘아티팩츠Artifacts’를 설립하고 2022년 위치 기반 전시 앱 ‘아트가이드Artguide’를 론칭하며 미술에 대한 대중의 접근성을 높이기 위해 노력 중이다. 현재 (재)예술경영지원센터 자문위원이자 한국화랑협회 국제이사를 맡고 있다. 황규진은 타데우스 로팍 서울의 총괄 디렉터다. 런던에서 석사 과정을 마치고 블레인서던 갤러리 런던 지점에서 근무하다 2017년 타데우스 로팍 런던 오픈과 함께 타데우스 로팍의 아시아팀 디렉터로 합류했다. 이후 아시아 관련 프로젝트를 진행하며 2021년 타데우스 로팍 서울 개관에 맞춰 대한민국 서울로 거점을 옮겼다. 현재 타데우스 로팍 서울에서 다양한 기획 전시를 선보이는 동시에 로컬 갤러리와 협업해 한국 작가 발굴에 힘쓰고 있다. 한국은 지금 세계 미술계에서 가장 흥미로운 지역 중 하나로 떠올랐습니다. 수준 높은 미술 애호가와 새로운 컬렉터, 재능 있는 작가가 많을 뿐 아니라 아트 신의 움직임도 활발하기 때문입니다. 오랫동안 한국 작가와 함께 성장한 원앤제이 갤러리는 북촌에서 청담동으로 최근 이전하며 변곡점을 맞았습니다. 새로운 공간에서 고유한 정체성을 지키며 더 많은 소통을 시도할 예정입니다. 한편, 유럽에 기반을 둔 국제적인 메가 갤러리 타데우스 로팍은 2년 전 아시아 거점으로 서울을 선택했습니다. 한국 미술시장의 가능성을 확인한 타데우스 로팍 서울은 최근 공간을 확장하며 다채로운 전시를 선보이는 중입니다. 한국에서 성장한 로컬 갤러리와 한국에 진출한 글로벌 갤러리는 자신의 역할에 충실하면서 긴밀한 협업을 통해 한국 아트 신을 더욱 풍성하게 만들고 있습니다. While ONE AND J. Gallery is a local gallery in Korea that has played a role in discovering and introducing highly promising Korean artists to the world, Thaddaeus Ropac is a global mega-gallery that has recently established itself in Korea. We explore “Opposites United” through the stories of the two people who are spearheading these galleries, Wonjae Park, Managing Director of ONE AND J. Gallery, and Kyujin Hwang, Executive Director of Thaddaeus Ropac Seoul. Wonjae Park is the Managing Director of ONE AND J. Gallery. Since establishing the gallery in 2005, he has been steadily introducing promising Korean artists to the international art scene. In 2018, Suki Seokyeong Kang of ONE AND J. Gallery attracted a lot of attention when she received the Baloise Art Prize at Switzerland’s Art Basel, making her the first artist represented by an Asian gallery to accomplish the feat. In addition to running the gallery, Park has been working to increase public access to art by setting up the digital art platform Artifacts in 2020 and launching the location-based exhibition app Artguide in 2022. Wonjae Park is currently an advisory board member of the Korea Arts Management Service and an international board member of the Galleries Association of Korea. Kyujin Hwang is the Executive Director of Thaddaeus Ropac Seoul. After completing her master’s course in London, Hwang worked at Blain Southern Gallery’s London branch before joining Thaddaeus Ropac as Director for Asia with the opening of Thaddaeus Ropac London in 2017. She then moved to Seoul, South Korea while in the midst of working on a series of Asia-related projects and to coincide with the opening of Thaddaeus Ropac Seoul in 2021. Today, Kyujin Hwang is responsible for presenting a variety of curated exhibitions at Thaddaeus Ropac Seoul and collaborating with local galleries to discover Korean artists. South Korea has emerged as one of the most interesting places on the global art scene right now, not only because there are so many sophisticated art lovers, new collectors, and talented artists but also because the art scene is most definitely on the move. ONE AND J. Gallery, which has been working with Korean artists for quite some time, reached an inflection point with its recent move from Bukchon to Cheongdam-dong. In the new space, the gallery will try to communicate more actively with visitors while maintaining its unique identity. Meanwhile, Thaddaeus Ropac, an international mega-gallery based in Europe, chose Seoul as its Asian base two years ago. Seeing the potential of the Korean art market, Thaddaeus Ropac Seoul has recently expanded its space and is in the process of presenting a variety of exhibitions. Local galleries that have blossomed in Korea and global galleries that have established a presence in Korea are doing their part and working closely together to enrich the Korean art scene.
아는 것과 보는 것 사이에서
생각하는 법 How to Discern between What You Know and What You See
감동은 마음을 움직일 때도 찾아오지만, 생각하는 법을 뒤흔들 때도 찾아온다. 우리가 쉽게 쓰는 ‘고정관념’이라는 표현처럼, 누군가의 마음에 깃든 생각이란 좀처럼 바뀌지 않기 때문이다. 그러니 항상 새로운 생각이 필요하고, 누구보다 앞서 아이디어의 첨단을 달려야 하는 이에게 생각하는 법을 바꾸는 시도는 얼마나 중요할까? 아트북 서점에서 수차례 재입고와 품절을 반복한 전설의 책 『변신술』(1997)의 저자이자, 붓질 한 번에 비명 한 번 내지르는 영상 작품 〈“노란 비명” 그리기〉(2012)로 모두의 뇌리에 강렬한 존재감을 심은 작가 김범은 그야말로 남다른 ‘생각법’을 잘 보여주는 인물이다. 1963년 태생의 김범은 언제나 의문의 작가였다. 작품보다 작가가 많이 드러나는 것을 꺼려 인터뷰를 최소화하는 이는 더러 있지만 김범이 자신을 드러내지 않는 방식은 남달랐다. 그의 작품을 마주할 기회는 더러 있었던 반면 그가 참여한 인터뷰 기사는 찾기조차 힘든 실정이다. 한국 개념미술 신에서 매우 중요한 축을 차지하는 위상에 비해 간헐적인 전시만으로 존재를 드러내는 작가 김범. 그래서 2010년 아트선재센터 이후 무려 13년 만에 리움미술관에서 열리는 이번 개인전은 존재감부터 남다르다. 1990년부터 2010년 중반까지 전개한 김범의 작품 세계를 관통하는 대규모 서베이 전시를 위해 리움미술관은 그라운드갤러리와 블랙박스 등 주요 공간을 할애하며 회화, 조각, 설치, 영상 등 총 70여 점의 작품으로 관람객을 맞이한다. 전시장에 들어서면 누구나 한번쯤은 봤을 법한 TV 프로그램 〈동물의 왕국〉 속 치타와 영양의 쫓고 쫓기는 장면이 펼쳐진다. 제목이 ‘볼거리’인 이 작품은 너무나 익숙한 풍경 때문에 무엇이 ‘진짜’ 볼거리인지 알아채는 데 시간이 꽤 걸린다. 원경에서 대단한 속도로 움직이는 동물들을 따라가는 카메라의 순발력에 주목해야 할까? 익숙한 텔레비전 프로그램을 전시장에서 상영한다는 점에 초점을 두어야 할까? 그러나 영상을 계속 보다 보면 뭔가 이상한 점을 느낄 수 있다. 도망쳐야만 하는 초식 동물과 매서운 속도로 사냥하는 육식 동물의 관계가 뒤바뀐 것이다. 사회적인 통념 아래 약자로 인식하던 피식자가 마치 맹수라도 된 양 포식자를 뒤쫓는다는 점만 빼면 모든 풍경이 매우 익숙하다. 우리가 충분히 합의한 전제를 가볍게 뒤집는 이 작품은 이번 전시에 펼쳐진 ‘생각 연습’의 예고편과도 같다. A deep impression forms when something moves our hearts. However, it can also start when something shakes our thinking. That is because, as we often say, stereotypical thinking is hard to change. How important is it to try to change the way you think when you need new ideas and need to be on the cutting edge of ideas before everyone else? Kim Beom—author of the legendary book The Art of Transforming (1997), which has constantly been selling out at bookstores since its publication, and the same artist who left a strong impression on people with his video work Painting “Yellow Scream” (2012), in which he emitted a scream with every single brushstroke—is a perfect example of how to think differently. Born in 1963, Kim Beom has always been a mysterious artist. Although some artists do not give a lot of interviews simply because they do not want to reveal more about themselves than their work, Kim’s reasoning is different. Interestingly, while we have had many opportunities to see his work over the years, it is hard to find any interviews with him. Despite his status as an essential part of the Korean conceptual art scene, Kim’s presence is limited to intermittent exhibitions. That is why the solo exhibition at Leeum Museum of Art, 13 years after his 2010 exhibition at Art Sonje Center, is unique. For this large-scale survey exhibition of Kim’s oeuvre from 1990 to mid-2010, Leeum Museum of Art dedicates most of its significant spaces, such as the Ground Gallery and the Black Box, to welcome visitors with a total of 70 works, including paintings, sculptures, installations, and videos. Upon entering the exhibition venue, you are greeted by a cheetah and an antelope—chasing and being chased—from the TV show Animal Kingdom. Titled “Spectacle,” the work is so familiar that it takes a while to realize the “real” spectacle. Should we consider the camera’s ability to follow animals moving at breakneck speeds in the distance? Should we focus on the fact that a familiar television program is being shown in an exhibition hall? But you might notice something strange as you continue to watch the video. The relationship between a herbivore that is forced to flee and a carnivore that hunts at breakneck speed is reversed. The scene is very familiar, except that the prey—what society perceives as the underdog—is chasing after the predator like a wild beast. This lighthearted subversion of a premise we have all come to expect is like a trailer of the thought exercises in the exhibition.
DQM 업무를 맡는 김규환.
그의 다양한 이야기를 들어봅니다. Senior Designer Kyuhwan Kim. Hear his various stories, including DQM.
반갑습니다. 저는 김규환 책임연구원입니다. 2010년 입사해 기아 남양디자인센터에서 익스테리어 디자인 프로젝트에 참여해 왔고, 현재 기아넥스트디자인외장실에서 익스테리어 디자인 전반에 대한 디자인 퀄리티 업무를 담당하고 있습니다. 자동차 디자이너 중에는 어릴 때부터 진로를 결정한 분이 굉장히 많은 것 같아요. 반면 저는 상대적으로 늦은 시기에 자동차 디자이너를 꿈꿨어요. 대학교에 입학했을 당시만 해도 영상이나 광고 쪽에 관심을 두고 있었거든요. 그러다 우연히 한 선배를 만나게 되었는데요. 그때까지 대화한 디자이너 중 생각이 깊고, 본질을 꿰뚫는 통찰력이 돋보이는 사람이었어요. 그 선배가 마침 자동차 디자인을 전공하고 있어서 자연스럽게 저도 흥미를 느끼게 되었고, 그러다가 자동차 디자인에 빠지게 되었네요. 저희 업무는 크게 두 가지로 나눌 수 있어요. 첫 번째는 디자인 단계 후반에서 디자인 퀄리티를 높이는 일입니다. 품평회에서 결정한 디자인을 더욱 돋보이는 방법을 고민하고, 이를 토대로 개선안을 내고, 수정한 디자인을 검증하는 과정을 거치는 일을 반복해요. 수정과 검증을 계속할수록 디테일의 퀄리티가 높아지더라고요. 두 번째는 앞서 말한 과정을 거쳐 다듬은 디자인을 지켜내는 일이에요. 디자인을 결정하는 고정 단계는 전체 자동차 개발 프로세스의 중간 지점에 해당하는데요. 이후 절반 남짓한 기간에는 다양한 일이 진행되면서 불가피하게 디자인을 수정해야 할 경우가 생겨요. 예를 들어, 결정한 디자인을 구현하는 데 있어서 기술적인 어려움이 있다는 판단이 들기도 하고, 비용적인 문제, 심지어는 법규와 관련한 문제가 발생할 수 있죠. 문제가 생길 때 기존 디자인을 해치지 않고 이상적인 해결책을 찾아내는 일 또한 DQM에서 해야 할 업무입니다. 한 마디로 내·외장 디자이너가 보석의 원석을 어떻게 가공할지 결정하고 나석으로 만드는 일을 맡는다면, DQM에서 근무하는 디자이너는 가공한 나석이 최대한 돋보이도록 광을 내고, 마무리하고, 깨지지 않게 잘 지키는 역할을 한다고 볼 수 있을 것 같아요. My name is Kyuhwan Kim, and I’m a senior designer. Since joining the company in 2010, I’ve been involved in exterior design projects at the Kia Namyang Design Center. Presently, I’m in charge of design quality for overall exterior designs at Kia Next Design Exterior Group. I think there are a lot of automotive designers who decided on their career paths at an early age, but I dreamed of becoming an automotive designer relatively late in life. When I started university, I was interested in film & video studies as well as advertising, but then one day I met a fellow student who was a bit older than me. He was one of the most thoughtful and insightful designers I had ever talked to. He happened to be majoring in automotive design, so naturally I was intrigued, and that’s how I fell in love with automotive design. Our work is largely divided into two parts. The first is to improve design quality in the later stages of the design process. This involves thinking deeply about how to get the design that was decided upon in design evaluation meetings to stand out even more, making improvements based on those ideas, and verifying the revised design. We repeat this process, and the more we revise and verify, the higher the quality of the final details. The second part of our work is to protect the design that has been refined through the aforementioned process. The stage when a design is decided on is the halfway point of the entire automotive development process. In the next half of the development period or so, a variety of events will inevitably cause the design to be modified. For example, it may be determined that there are technical difficulties in implementing the design, while cost issues or even legal issues might occur. When problems arise, it is also the job of DQM to find the ideal solution without compromising the existing design. In a nutshell, if exterior and interior designers are responsible for deciding how the rough gemstones in a piece of jewelry will be processed and turned into gems, a designer working in DQM is responsible for polishing, finishing, and protecting the gems so that they look their best.
우리가 열망하는 한복
한복 디자이너 김영진 The Passion of Our Hanbok — Youngjin Kim, Hanbok Designer
우리극이 좋아 판소리, 동래학춤, 봉산탈춤을 배우고 극단에 들어간 사람, 해외 럭셔리 브랜드의 슈퍼바이저로 일한 사람, 서울시 무형문화재 11호 고(故) 박선영 침선장에게 배움을 청했던 사람, 오트 쿠튀르와 기성복의 경계를 넘나들며 옷을 만드는 사람. 얼핏 동떨어져 보이는 다양한 사람의 이야기는 ‘김영진’이라는 큰 줄기로 모입니다. 《기아 디자인 매거진》은 경계와 고정관념을 흔들며 한복에 생동을 불어넣은 한복 디자이너 김영진을 만났습니다. 한복을 동시대 패션으로 이끄는 그에게 전통이란 옛것을 고정불변하게 계승하는 일이 아닙니다. 오히려 아름다움을 향해 나아가는 생명체에 가깝죠. 김영진 디자이너는 전통과 패션에 대한 깊은 사유를 통해 동시대 한복이 살아 숨 쉬는 방법을 제시하고 있습니다. 김영진은 우리 시대를 대표하는 한복 디자이너다. 우리극을 하는 극단에서 배우로 활동하며 우리극 소품 만들기를 돕다가 처음 한복을 만났다. 이후 패션업계에 입성해 세계적인 럭셔리 브랜드에서 10여 년간 슈퍼바이저로 일했다. 최고급 수입 원단을 직접 바잉하던 경험은 세계에 산재한 다양한 원단에 눈뜨는 계기가 됐다. 서울시 무형문화재 11호 고(故) 박선영 침선장에게 가르침을 받으며 한복의 원형을 탄탄히 공부하고 시대별 한복을 두루 섭렵한 그는 2004년 맞춤 한복 브랜드 ‘차이 김영진’을 론칭했다. 한복의 멋을 살리면서도 현대적인 개성을 표현하는 차이 김영진은 BTS, 틸다 스윈튼, 정호연 등 국내외 다양한 유명인에게 의뢰받으며 화제를 모았다. 2013년 론칭한 기성 한복 브랜드 ‘차이킴’은 동시대성에 대한 깊은 이해를 바탕으로 패션으로서의 한복이 지닌 가능성을 표출했다. 그는 오페라 〈동백꽃 아가씨〉, 연극 〈햄릿〉, 영화 〈해어화〉, 창극 〈심청가〉 등 다양한 무대 의상을 비롯해 드라마 〈미스터 션샤인〉의 여주인공 배우 김태리의 의상을 연출하며 멈추지 않는 도전 정신을 발휘 중이다. She is someone who fell in love with Korean theater and later joined a theater company after learning pansori. The same person worked as a supervisor for an international luxury brand and implored the late Seonyoung Park, Seoul Intangible Cultural Property No. 11, to teach her traditional Korean sewing. Indeed, this is the very same woman who also creates clothes that straddle the line between haute couture and ready-to-wear garments. The stories of these seemingly disparate people all funnel together into the stream of one person—Youngjin Kim. Kia Design Magazine recently met Kim, a hanbok designer who has vitalized Korean traditional dress by shaking up boundaries and stereotypes. For Kim, who is turning hanbok into contemporary fashion, tradition is not a fixed inheritance of the past but something closer to a living creature that moves towards beauty. Through her profound thoughts on tradition and fashion, designer Youngjin Kim is showing everyone how to bring hanbok to life in today’s world. Youngjin Kim is one of the leading hanbok designers of her time. She first encountered hanbok while working as an actress in a troupe performing Korean theater and helping to make props. She later entered the fashion industry and worked as a global luxury brand supervisor for over a decade. The experience of purchasing the finest imported fabrics opened her eyes to the variety of worldwide materials. She studied under the late Seonyoung Park, a master of traditional sewing, and Seoul’s Intangible Cultural Property No. 11. She gained a solid understanding of the original hanbok, and learned all about hanbok from different historical periods. She ultimately launched her custom-tailored hanbok brand, Tchai Kim Young Jin, in 2004. Tchai Kim Young Jin’s hanbok, which preserves the style of the garment while expressing a contemporary personality, has been commissioned by various Korean and international celebrities, including BTS, Tilda Swinton, and Jung Ho-yeon. Launched in 2013, her ready-to-wear hanbok brand, Tchai Kim, expresses the potential of hanbok as a fashion based on a deep understanding of contemporaneity. Youngjin Kim has shown a seemingly ceaseless groundbreaking spirit in her design of myriad stage costumes for the opera La Traviata, the play Hamlet, the movie Love, Lies, and the puppet show Simcheongga, as well as costumes for the actress Kim Tae-ri, the lead actress in the drama Mr. Sunshine.
가능성을
찾는 손의 감각 Hands’ Sense of Finding Possibilities
400년 전통의 양구 백토를 사용해 백자를 만드는 이인화 작가, 3D 프린팅 기술을 활용해 디지털 크래프트를 선보이는 류종대 작가. 두 공예 작가의 인터뷰를 통해 이들의 작업에 담긴 ‘상반된 개념의 창의적 융합(Opposites United)’을 발견해 보세요. 이인화는 서울대학교 미술대학 공예과에서 도예를 전공하고 동 대학원에서 석사 과정을 마쳤다. 2015년 청주국제공예비엔날레 국제공모전 대상, 2018년 문화체육관광부 장관상인 ‘오늘의 젊은 예술가상’을 수상했다. 창덕궁 규장각, 아모레퍼시픽 뮤지엄, 양구백자박물관, 런던 빅토리아 앤 앨버트 뮤지엄(V&A), 로마 교황청 등에서 작품을 영구 소장 중이다. 현재 강원도 양구에 위치한 스튜디오 소만에서 백자의 ‘투광성’을 주제로 다양한 작업을 하고 있다. 류종대는 디자인 스튜디오 크레아포트의 대표로 현재 홍익대학교 목조형가구학과 겸임 교수이자 이탈리아 A’ Design Awards의 심사위원을 맡고 있다. 목공예와 아트 퍼니처를 전공하고, 요트 디자인 등 산업 디자인 영역에서도 활동해 왔다. 2017년 일본 ‘마루누마 아트파크Marunuma Art Park’에서 개인전을 연 것을 시작으로 3D 프린팅 등 디지털 기술을 활용한 ‘디지털 크래프트digital craft’ 작업을 선보이고 있다. 2022년 문화체육관광부 장관상인 ‘오늘의 젊은 예술가상’을 수상했다. 공예에 대한 관심이 높아지는 요즘, 작가들의 재료와 기법도 다채롭게 확장 중입니다. 강원도 양구의 아름다운 자연에 둘러싸여 양구 백토를 연구해 온 이인화 작가는 변화하는 빛을 투과하는 백자의 투광성을 주제로 작업합니다. 반면, 3D 프린터로 다양한 작품을 제작하는 류종대 작가는 공예란 영역에 질문을 던지며 새로운 기술을 적극적으로 활용합니다. 각자 재료를 실험하며 자기만의 작업 세계를 일구는 두 공예 작가의 이야기에서 바로 지금, 현시대의 공예가 나아가는 방향성을 엿볼 수 있습니다. Inhwa Lee makes white porcelain using 400-year-old white clay from Yanggu, and Jongdae Ryu presents digital craft works using 3D printing technology. Through interviews with these two craft artists, discover the concept of Opposites United contained in their work. Inhwa Lee majored in ceramics through the Department of Crafts at Seoul National University’s College of Fine Arts, and went on to complete her MFA at the graduate school of the same university. In 2015, she won the Grand Prize at the Cheongju International Craft Competition, and in 2018 she received the Young Artist of the Year Award from the Minister of Culture, Sports and Tourism. Her works are in the permanent collections of Changdeokgung Gyujanggak (Royal Library), Amorepacific Museum, Yanggu Porcelain Museum, Victoria and Albert Museum in London, and the Holy See in Rome. She is currently working on a wide range of works under the theme of light transmission in white porcelain at Studio Soman in Yanggu. Jongdae Ryu is the CEO of the design studio Crea Port, an adjunct professor at Hongik University’s Department of Woodworking and Furniture Design, and a jury member of the A’ Design Award in Italy. He majored in woodworking and art furniture, and has also been active in the field of industrial design, including yacht design. Since his solo exhibition at Marunuma Art Park in Japan in 2017, Ryu has been presenting digital craft works utilizing digital technologies, such as 3D printing. In 2022, he was awarded the Young Artist of the Year Award by the Minister of Culture, Sports, and Tourism. As the public’s interest in crafts grows, artists are expanding their materials and techniques in many different ways. Surrounded by the beautiful nature of Yanggu, Gangwon-do, Inhwa Lee has been studying the white clay of Yanggu for quite some time, and works under the theme of white porcelain’s light transmission, which allows changing light to penetrate porcelain. Jongdae Ryu, on the other hand, produces a variety of works with a 3D printer, and questions the boundaries of crafts while often utilizing new technologies. The stories of these two craft artists, each experimenting with materials and creating their own worlds, provide a glimpse into where crafts is headed today.
그릇으로서의
아트워크, 환대로서의 전시 Artworks as a Medium, an Exhibition as Hospitality
요즘 유행인 챗GPT에게 물어봤다. “기아의 디자인 철학은 뭐니?” 똑똑한 챗GPT는 이내 자신있게 헛발질을 찼다. “The Power to Surprise입니다.” 없던 말을 지어낸 건 아니다. 2005년 수립한 기아의 브랜드 슬로건이니까. 2021년 기아자동차가 사명을 기아로 바꾸고 브랜드 슬로건 또한 ‘Movement that inspires’로 변경했다는 사실을 생각하면 조금 기가 막히지만. 틀렸다고 핀잔을 주며 다시 한번 채근해본다. “2021년 새롭게 정립한 기아의 디자인 철학은 뭐니?” 이제야 마음에 드는 답이 나온다. “Opposites United입니다.” 좋아! 그러면 심화 질문을 해볼까. “Opposites United를 구성하는 5 Pillars는 뭐야?” 다시 꼬이기 시작하는 챗GPT. 분명 다섯 가지 필라를 말하라고 했는데 가짓수도 빼먹고, 그 명칭도 각양각색이다. 아! 현재 무료로 이용가능한 챗GPT의 기억은 2021년 9월이 마지막이니, 2021년 3월 15일에 발표한 기아 디자인 철학에 대해 깊이 있게 습득할 여력이 없을 수도 있다. 그래서 챗GPT의 대항마인 구글의 ‘바드Bard’에게 똑같이 질문을 던져봤다. 근데 이 아이도 Opposites United까지는 맞추는데 심화 질문으로 들어가니 챗GPT보다 더 가관이구나. 결국 도긴개긴이다. 이런 인공지능의 행태를 멍청하다 치부할 수도 있겠지만, 사실 이건 엄연히 불공정한 요구다. 한 브랜드의 디자인 철학에 대해 명확하게 말하는 건 불가능하기 때문이다. 물론 이미 공식적으로 발표한 핵심 키워드는 파악해서 읊을 수 있겠지만 이에 대해 설명하는 내용은 신기루나 다름없다. 동일한 질문 앞에서 우리 인간의 머리도 백지장이 되지 않던가. 오히려 막힘 없이 요약할 수 있다면 그야말로 더욱 무서운 일이다. 단선적으로 파악되는 철학에는 생명력이 없다. 확장가능성 또한 존재하지 않는다. 디자인을 고민하는 입장에서는 크리에이티브가 철저히 봉쇄되고, 디자인을 바라보는 입장에서는 예측가능해 더 이상 흥미가 끌리지 않으니까. 오히려 헛발 차는 인공지능이 고마울 따름이다. 디자인 철학을 날카로운 언어로 재단할 수 없다면 결국 이를 이해하는 방법은 하나뿐이다. 감각적으로 경험하는 것이다. 알듯 말듯한 내러티브와 다양한 시각 요소로 구성한 디자인 매니페스토 영상을 만든 이유도 여기에 있으며, 2021년 열린 광주디자인비엔날레 기아관에 조심스럽게 등장한 상징적인 오브제들도 같은 맥락이다. 작년 동대문디자인플라자(DDP)에서 열린 기아 디자인 철학 전시를 통해 Opposites United와 다섯 가지 필라에 대해 공감각적으로 체험하는 장을 연출한 것도 연장선 상에 있다. I asked the smarty pants ChatGPT, “What is Kia’s design philosophy?” Without hesitation, it blurted out the wrong answer confidently: “The Power to Surprise.” ChatGPT did not make this up—that actually was Kia’s 2005 brand slogan. That being said, it does seem a little crazy when you consider that Kia Motors changed its name to Kia and its brand slogan to “Movement that inspires” in 2021. I came down on ChatGPT for getting it wrong and told it to try again. “What was Kia’s new design philosophy in 2021?” Only then did I get the answer I was looking for: “Opposites United.” Great! Then I asked a more detailed question: “What are the five pillars that make up Opposites United?” ChatGPT started to stumble again. I asked it to name the five pillars, but it did not know what they were, and instead gave me a bunch of different phrases. Since the last free-of-charge ChatGPT memory is to September 2021, it may not have had time to learn more about Kia’s design philosophy, which was announced on March 15, 2021, so I asked the same question to Google’s Bard, ChatGPT’s competition. Although Bard answered Opposites United, when it moved on to in-depth questions, it was even worse than ChatGPT. In the end, the two AI chatbots were not that different. You might call this AI behavior flat-out stupid, but it was actually an unfair request, as it seems impossible to articulate a brand’s design philosophy. Sure, AI can identify and recite the key words that have already been officially announced, but explaining them is something closer to a mirage. Even our own human minds often go blank when faced with the same question. To be honest, it would be all the more frightening if AI could summarize Kia’s design philosophy smoothly. By the same token, any philosophy that can be explained in one single way has no real substance to it; there is no scalability in it, either. As a design thinker, creativity is locked down, and as a design viewer, it is predictable and no longer interesting. In fact, I am grateful that AI makes mistakes. If a design philosophy cannot be described using smart language, there is only one way to understand it, which is to experience it through your senses—that is why we created a design manifesto video with a non-straightforward narrative and a variety of visual elements. In the same context, a number of iconic objects carefully appeared in the Kia Pavilion at the Gwangju Design Biennale in 2021. In line with this, last year’s exhibition regarding Kia’s design philosophy at Dongdaemun Design Plaza (DDP) created a synaesthetic experience of Opposites United and its five pillars.
모빌리티 디자인에서
VR에 대한 이야기를 들어봅니다. We talk about using VR in Mobility Design.
저는 기아디자인모델개발실 VR랩에서 디자인 비주얼라이징을 담당하는 정재원 책임연구원입니다. 입사 이래 계속 지금의 업무를 맡아왔고, 아마 퇴사할 때까지 지속하지 않을까 생각합니다. 속된 말로 ‘고인물’인 것 같지만, (웃음) 나름 트렌드에 뒤처지지 않으려고 관련 산업 동향을 항상 민감하게 체크합니다. 아마도 제가 가장 자신 있는 부분은 검색인 것 같아요. 궁금한 게 있을 때마다 검색하는데, 원하는 정보를 상당히 잘 찾는 편입니다. 저희 VR랩은 각 멤버의 능력이 뛰어나서 딱히 누가 이끌어간다는 느낌은 없어요. 저는 멤버가 즐겁게 일할 수 있게 도와주는 역할을 하고 있다고 생각합니다. 저희는 기아 디자인센터 내에서 진행하는 CG 작업 대부분을 수행하고 있습니다. 3D 데이터를 활용한 렌더링, 실시간 리뷰 및 품평 콘텐츠 제작, 진행 등이 대표적이죠. 또한 비주얼 관련 신기술 연구 및 투자도 진행합니다. 디자인센터에 계신 많은 분이 동감하시겠지만, 최근 몇 년 사이에 프로젝트가 꾸준히 늘면서 업무 영역도 함께 넓어지는 터라 고민이 많습니다. 디자인 프로세스를 디지털로 전환하니까 3D 데이터가 매일 쏟아져 나오네요. 디지털 기반의 디자인 프로세스를 가리켜 DDD(Data Driven Design)라고 부릅니다. 차량의 3D 데이터가 만들어지면 저희 VR랩에서 예쁘게 꽃단장해서 여기저기 활용가능한 콘텐츠로 가공합니다. 저희가 마지막 단계의 업무를 하고 있기에 주목받는 경우가 많지만, 기본적으로 좋은 디자인과 고품질의 3D 모델링이 선행되어야 작업이 가능합니다. 모두 짐작하시다시피 버추얼 모델 활용의 가장 큰 장점은 시간과 비용의 절감입니다. 또한 디자인 용이성도 높아지죠. 피지컬 모델과 비교해 디자인 숙성 과정이 더 빠르고 쉽습니다. 피지컬 기반 모델 제작에는 많은 리소스가 필요하지만, 버추얼 기반 모델의 경우 사무실에 앉아서도 진행할 수 있어요. 리뷰 단계에서도 원하는 시점, 투시 등을 자유롭게 돌려보고 관련 자료도 빠르게 비교할 수 있는 점도 이점입니다. I’m Chaiwon Chung, a senior researcher in charge of design visualization at the Kia Design Model Development Group VR Lab. I’ve been in my current role since I joined the company, and I think I’ll probably be here until I retire. I feel like I’m an old hand at what I do (laughs), but I always keep up with industry trends to stay ahead of the curve. The thing I’m probably most confident about is searching—whenever I have a question, I go searching, and I’m pretty good at finding what I’m looking for. Each member at our VR Lab is very capable, so I don’t feel like there’s one specific person who leads it. I think my role is to help the members of the lab enjoy their work. The VR Lab performs most of the CG work done inside the Kia Design Center. This includes using 3D data so that we can create renderings and content for real-time review and evaluation. In addition, we also conduct research and investment in new technologies related to visuals. As I’m sure many people in the Kia Design Center would agree, the number of projects we work on has been steadily increasing in recent years, with the scope of our work expanding as well. This means I always have a lot on my mind. Since we’re digitizing our design process, we’re bombarded with 3D data on a daily basis. We call this process Data Driven Design (DDD). Once we have the 3D data of a vehicle, we make it look more attractive in our VR Lab and process it into content that can be used wherever need be. We get a lot of attention because we end up working on the last step, but good design and high-quality 3D modeling should also precede our work. As everyone can probably guess, the biggest advantage of using virtual models is the time and money it saves. These digital-based virtual models also make designing easier. Compared to physical models, the design maturation process is faster and easier. Creating a physical model requires a lot of resources, but with a virtual model, you can even do it at your desk in the office. During the review phase as well, you can freely test all the different viewpoints and perspectives that you want, and quickly compare related materials.
K를 번역하는 사람
영화 번역가 달시 파켓 Interpreting K-Culture — Darcy Paquet, Subtitle Translator
지난 2020년 영화 〈기생충〉이 비영어권 영화 최초로 아카데미 시상식 작품상을 받았을 때 봉준호 감독과 함께 주목받은 이가 있습니다. 바로 영화 번역가 달시 파켓Darcy Paquet입니다. 봉 감독은 〈기생충〉을 두고 “한국인만 100% 이해할 수 있을 것 같다”라고 얘기했는데요. 실제로 영화 속에는 짜파구리, 서울대, 반지하, 수석(壽石) 등 한국 문화에 대한 지식과 경험이 필요한 표현이 자주 등장합니다. 달시 파켓은 영문 번역을 통해 이를 절묘하게 재창조했습니다. 사실 그는 〈옥자〉를 제외한 봉 감독의 모든 작품 번역을 전담했고, 박찬욱 감독의 〈아가씨〉와 〈헤어질 결심〉을 비롯해 〈밀정〉, 〈국제시장〉 등 지극히 한국적인 상업 영화와 〈우리들〉 같은 독립 영화에 이르기까지 100편이 훌쩍 넘는 한국 영화와 외국 관객을 언어적으로 단단하게 연결한 주인공입니다. 《기아 디자인 매거진》은 이번 인터뷰를 통해, 영화 번역가뿐만 아니라 한국 영화를 진심으로 아끼는 씨네필, 영화 평론가, 그리고 한국 독립 영화를 알리는 영화제 집행위원장까지 그가 지닌 다양한 면모를 살펴보았습니다. 달시 파켓의 목소리에는 20여 년간 쌓아 올린 한국 영화에 대한 진심이 가득 녹아있었습니다. 달시 파켓은 1997년부터 한국에 정착한 영화 번역가 겸 영화 평론가다. ‘코리안 필름(koreafilm.org)’이란 웹사이트를 통해 해외 씨네필에게 한국 영화를 꾸준히 소개하던 그는 한국영화진흥위원회 의뢰로 한국 영화의 대외 홍보물 및 자막의 영문 감수를 맡으며 한국 영화계에 본격적으로 발을 들였다. 영화를 통해 한국 문화를 더 깊이 이해하게 되었다는 파켓은 탁월한 전문성을 기반으로 〈살인의 추억〉, 〈아가씨〉, 〈기생충〉, 〈헤어질 결심〉 등 200여 편에 달하는 영화의 영문 번역과 영문 감수를 맡으며 한국 영화의 세계화에 큰 역할을 담당했다. 그는 《Screen International》, 《Variety》, 《씨네21》 등에 한국 영화에 관한 전문적인 비평문을 기고하며 영화 평론가로서의 입지를 다져왔다. 현재 부산 아시아 영화 학교 교수, 유럽 최대 규모의 아시아 전문 영화제인 이탈리아 우디네 극동영화제 프로그래머, 국내 최초로 독립∙저예산 우수 영화를 발굴하는 들꽃영화제의 설립자 겸 집행위원장으로 활동 중이다. In 2020, when the movie Parasite became the first non-English-language film to win the Academy Award for best picture, there was one person who stood in the spotlight alongside director Bong Joon Ho—the film’s subtitle translator, Darcy Paquet. Bong once said of Parasite, “I think only Koreans are able to understand 100 percent of it.” And indeed, the movie is full of expressions that require a knowledge of and experience in Korean culture, such as chapaguri (ram-don), Seoul National University, banjiha (semi-basement), and suseok (viewing stones). Darcy Paquet deftly brought these words to life through their English translation. In fact, except for Okja, Paquet has translated all of Bong’s films and has been responsible for creating a linguistic bridge between Korean cinema and foreign audiences for well over 100 films, ranging from Park Chan-wook’s The Handmaiden and Decision to Leave, to decidedly Korean commercial films like The Age of Shadows and Ode to My Father, to independent films like The World of Us. In this interview, Kia Design Magazine explores the many hats Darcy Paquet wears, not only as a subtitle translator, but also as a cinephile who sincerely cares about Korean cinema, a film critic, and a film festival organizer who promotes Korean independent films. It’s easy to tell through nothing more than his voice, which was filled with heartfelt sincerity in this interview, how much he genuinely cares about Korean cinema, something he’s been enjoying for over 20 years. Darcy Paquet is a subtitle translator and film critic who has lived in South Korea since 1997. After steadily introducing Korean films to international cinephiles through his website koreanfilm.org, he became more intimately involved in the Korean film industry when he was commissioned by the Korean Film Council to oversee the English translation of publicity materials and subtitles for Korean films. Having gained a deeper understanding of Korean culture through its cinema, Paquet has played a major role in the globalization of Korean films by translating and supervising the English subtitles of almost 200 films, including Memories of Murder, The Handmaiden, Parasite, and Decision to Leave. He has also established himself as a leading film journalist and critic, having written news stories, columns and professional reviews of Korean films for Screen International, Variety, and Cine21. He is currently a professor at Busan Asian Film School, a programmer at the Far East Film Festival in Udine, Italy—Europe’s largest film festival dedicated to Asian cinema—and the founder and organizer of the Wildflower Film Festival, the first festival in Korea to discover outstanding independent and low-budget Korean films.
변주를 넘어
자유로운 융합으로 Beyond Variation, Toward Free Fusion
전통음악에 머물지 않고 복합장르를 시도하며 새롭고 독창적인 레퍼토리를 이어가는 경기소리꾼 이희문. 최근 국악을 접목한 기념비적인 10집 앨범을 선보인 재즈 보컬리스트 웅산. 상반된 것을 융합하며 음악 세계를 확장하는 두 뮤지션을 통해 ‘상반된 개념의 창의적 융합(Opposites United)’을 통찰해 보세요. 이희문은 국가무형문화재 제57호 경기민요 이수자로 경기민요 고주랑 명창의 아들이다. 영상을 전공하고 뮤직비디오 연출을 하다가 27세에 이춘희 명창의 권유로 소리를 시작했다. 전통을 기반으로 장르를 넘나드는 음악을 추구하는 그는 2010년 전국민요경창대회 종합부문 대통령상, 2014년 KBS 국악대상 민요상, 2015년 제23회 전통예술부문 오늘의 젊은 예술가상, 2021년 국립국악원 개원 70주년 유공자 포상 문화체육관광부 장관 표창, 서울시문화상을 받았다. 웅산은 1996년 재즈클럽 신에 데뷔하여 2003년 1집 앨범을 발매했다. 일본 ‘빌보드 라이브’와 일본 최고의 재즈 명예의 전당 ‘블루노트’에 초청받은 최초의 한국인이다. 2008년 한국대중음악상 최우수 재즈&크로스오버 노래상 2관왕, 2010년 일본 《스윙 저널》 ‘골드디스크’에 한국인 최초로 선정됐다. 2008년과 2015년에는 리더스폴에서 선정한 베스트 보컬로 뽑혔고, 2021년 대한민국 대중문화예술상 국무총리 표창을 받았다. 현재 사단법인 한국재즈협회 제3대 회장이다. Heemoon Lee is a sorikkun (professional singer of Korean traditional music) in the field of Gyeonggi minyo (folk songs of the Seoul and Gyeonggi area). Over the years, he has not let himself be limited to traditional music but has instead tried to forge a path forward in a complex genre and continue making a new and original repertoire of music. WoongSan is a jazz vocalist who recently released her monumental 10th album—and her first one to incorporate Korean traditional music. We invite you to gain greater insight into “Opposites United” through these two musicians, both of whom fuse opposite elements as they expand their music world in brilliant new directions. Heemoon Lee is a certified trainee in Gyeonggi minyo, National Intangible Cultural Heritage No. 57, and the son of Gyeonggi minyo master Ko Jurang. He majored in film production and directed music videos before starting his professional career as a singer at the age of 27 after following the advice of Master Lee Chun-hee. Based on a long, distinguished tradition, Heemoon Lee pursues music that crosses the borders of different genres. Lee was the recipient of the President’s Award at the 16th National Folk Song Competition in the comprehensive category in 2010, the Folk Song Award at the 2014 KBS Traditional Music Awards, and the 23rd Young Artist Award in 2015. He also received a commendation from the Minister of Culture, Sports and Tourism at the National Gugak Center in 2021 and from the Seoul Culture Awards in 2021. WoongSan made her debut in the jazz club scene in 1996, releasing her first album in 2003. She is the first Korean to be invited to Japanese Billboard Live and Blue Note Tokyo, two of Japan’s most noteworthy jazz venues. She won the Best Jazz & Crossover Song Award/Album Award at the Korean Music Awards in 2008, and was the first Korean award winner of the Golden Disc from Japanese notable jazz magazine Swing Journal in 2010. She was also selected as the Best Vocalist by Reader’s Poll magazine in 2008 and 2015. Later, she received a Prime Minister’s commendation at the Korean Popular Culture and Arts Awards in 2021. Currently, she is the third chairperson of the Korea Jazz Association.
쿠사마 야요이라는 이름의
무한 세계 An Infinite World Named Yayoi Kusama
2023년 새해부터 루이 비통과의 협업으로 세상을 떠들썩하게 만든 아티스트 쿠사마 야요이(草間彌生). 올해 93세라는 나이가 믿기지 않을 만큼 아직도 매일 그림을 그리며 왕성하게 활동하는 그의 회고전 《야요이 쿠사마: 1945년부터 현재》가 지금 홍콩의 M+에서 열리고 있다. ‘미술관 이상의 미술관(More than Museum)’이라는 의미의 M+는 아시아 최대 규모의 시각문화 뮤지엄으로 근·현대미술, 건축, 디자인, 영화에 이르기까지 광범위한 컬렉션을 소장 중이다. 무려 15년 동안 준비해 팬데믹이 한창이던 2021년 11월 개관하며 화제를 모았다. 총면적 6만 5000㎡(전시 공간 1만 7000㎡)의 압도적인 규모를 자랑하는 M+에서 열린 이번 전시의 출품작은 200여 점. 쿠사마의 초기작부터 전시 시작 직전에 완성한 신작 12점까지 아우르는 규모는 일본을 제외하고 아시아에서 열린 그의 전시 중 가장 장대하다. ‘쿠사마 야요이’ 하면 자연스럽게 폴카 도트Polka Dot 형태의 물방울무늬 호박 조형물과 무한 거울 방의 모습이 떠오른다. 그러나 전시를 기획한 M+의 정도련 부관장은 “대중적으로도, 국제적으로도 널리 알려진 물방울무늬 호박은 빙산의 일각에 불과하다”고 잘라 말한다. 전시팀은 “쿠사마는 대체 누구인가”라는 질문을 새롭게 품었다. 이번 회고전에 협력 큐레이터이자 독립 기획자로 참여한 미카 요시타케(Yoshitake Mika)는 그 답변을 이렇게 정의했다. “그의 존재는 모든 것을 대변한다.” From the start of the new year in 2023, artist Yayoi Kusama had people talking around the world about her collaboration with Louis Vuitton. She is still very active, painting every day despite being an unbelievable 94 years of age. Her retrospective exhibition, Yayoi Kusama: 1945 to Now, is currently being held at M+ in Hong Kong. The name M+ comes from the concept of being a “Museum and More.” Today, it is the largest museum of visual culture in Asia, with an extensive collection that spans everything from modern and contemporary art to architecture, design, and film. It has attracted attention since it opened in November 2021, in the middle of the pandemic, and after 15 years of preparation. The exhibition, which is taking place at M+ and its overwhelming structure area of 65,000 m² (17,000 m² of exhibition space), features over 200 works, ranging from Kusama’s early works to 12 new pieces completed just before the exhibition. This is the largest exhibition of Kusama’s in Asia outside Japan. When you hear the name “Yayoi Kusama,” many people naturally think of her pumpkin sculptures, polka dot patterns, and infinite mirror room. However, Doryun Chong, deputy director and chief curator at M+, firmly says “What we see and what we celebrate internationally, polka dot and pumpkin, is just the little tip of the iceberg” when it comes to the legendary Japanese artist. The exhibition team there had a new question: “Who is Kusama?” Mika Yoshitake, who participated in the retrospective as a co-curator and independent planner, offered this answer: “Kusama is many things.”
인턴 디자이너 보웬 주.
그의 다양한 이야기를 들어봅니다. Intern Designer Bowen Zhou. Hear her various stories.
제 이름은 보웬 주Bowen Zhou입니다. 우리 삶에 희망과 즐거움을 더하는 디지털 경험을 디자인하고 있어요. 기아에서 인턴을 하기 전에는 로드아일랜드디자인스쿨(RISD)에서 산업디자인과 조각을 공부했습니다. 재학 중 NASA에 증강 현실 소프트웨어를 제공하는 팀을 이끌기도 했고, 현대자동차 프로젝트에 참여하며 미래의 도시 풍경을 만들기도 했어요. 브라운 스페이스 엔지니어링Brown Space Engineering의 지상 소프트웨어 팀에서 일한 경험도 있답니다. 예전 현대자동차 프로젝트에 참여했을 때 매 순간이 너무나 좋았어요! 가까운 미래를 진지하게 상상하면서 그곳과 사람의 연결 경로를 설계하는 경험은 쉽게 얻을 수 없잖아요. 게다가 미국에 사는 입장에서 지구 반대편인 한국으로부터 도착하는 피드백을 적용해 디자인하는 경험은 무척 신기했어요. 그래서 기아에서 인턴으로 일할 기회가 찾아왔을 때 결코 놓치지 않겠다고 생각했죠. 기아 퓨처 디자인실에서 인턴을 하면서 그로잉카의 개념을 정의하고, 커뮤니티 성장의 매개체로 모빌리티를 재해석했어요. 최근 들어 교통은 종종 사람들의 생활권을 분리하고 자원의 불균등한 분배와 불평등에 관한 문제를 야기하고 있습니다. 저는 가까운 미래에 모빌리티가 서로의 삶을 떨어뜨리기보다 사회적으로 지속가능한 커뮤니티 기능을 제공하는 방법을 제안했어요. 그 결과인 그로잉카는 공간에 대한 이웃의 사회적 요구와 변화에 대응하면서 사회적 성장을 촉진하는 ‘살아있는 기계’를 의미해요. 최종 단계에서는 커뮤니티의 건전한 성장을 촉진하는 핵심 요소가 어떤 모습이고, 서로 어떻게 상호작용할 수 있는지에 대한 시스템 개념을 정립하고, 그 비전을 특정하는 구성 요소를 현실화하는 프로토타입을 분석하는 전략을 짰습니다. I’m Bowen Zhou, I design digital experiences to empower this hope and exhilaration for living in others. Before interning at Kia, I studied industrial design and sculpture at RISD. There, I led a team to deliver augmented reality software to NASA, created future cityscapes for Hyundai Motors, and worked on the ground software team at Brown Space Engineering. I loved every second at Hyundai Motors. It’s not often that we get the freedom to seriously imagine possible futures and design pathways that would bridge us there. It was also amazing that I got to design with feedback coming from the other side of the world! Needless to say, when there was an opportunity to intern at Kia, I jumped on the wagon. During my internship at Kia Future Design team, I defined the concept of the “growing car” and reimagined mobility as an agent for community growth. Current transportation often separates living zones and causes unequal resource distribution and inequality. My design proposed a near future where mobility serves a community function by creating social sustainability instead of segregating lives. In this proposal, a “growing car” is defined as a living machine that promotes social growth by responding to the changing spatial social needs of the neighborhood. My final deliverables were the mission strategy which breaks down key elements we need to focus on to promote healthy growth in a community, a system concept for what a “growing machine” could look like and how they can interact with one another, and physical prototypes that materialize specific components of the vision.
우리가 모르는 한식의 세계
셰프 권우중 The Unknown World of Korean Food — Woojoong Kwon, Chef
한식 파인다이닝 레스토랑 ‘권숙수’의 오너 셰프, 권우중. 유명 이북 음식점을 운영한 외가(外家)의 손맛을 이어받은 한식 요리사, 대기업 소속 한식 레스토랑 총괄 셰프, 그리고 지금 미쉐린 2스타 레스토랑 셰프에 이르기까지 그를 설명하는 다양한 수식어가 존재합니다. 《기아 디자인 매거진》은 철학을 담아 한식에 몰두하는 창작자의 모습에 주목했습니다. 한식의 고급화를 지향하는 권우중 셰프에게 고급문화란 그저 값비싼 것을 의미하지 않습니다. 인간으로서, 창작자로서의 예술혼이 담긴 문화죠. 그는 우리 먹거리에 대한 깊은 이해를 바탕으로, 조명받지 못했던 전통문화를 재해석해 독특하고 아름다운 음식으로 창작합니다. 권우중은 대한민국을 대표하는 한식 셰프다. 이북 요리에 일가견이 있는 집안에서 태어나 한식을 맛보고, 배우며 자랐다. 경희대학교 조리학과를 졸업한 뒤, 웨스턴 조선 서울에서 요리사로서의 첫 커리어를 시작했다. 이후 일본과 뉴욕의 레스토랑에서 헤드 셰프로 일하며 선진 미식 문화를 접했고, 세계 속 ‘한식’의 현실을 마주했다. 한국으로 돌아온 권우중은 CJ푸드빌 한식 총괄 셰프로 R&D를 지휘하면서 ‘이스트빌리지’의 오너 셰프로 활동했고, 이때의 경험과 시행착오를 발판으로 2015년 한식 파인다이닝 레스토랑 ‘권숙수’를 열었다. 궁중에서 음식을 담당하는 남성 전문 요리사를 뜻하는 ‘숙수(熟手)’라는 명칭을 레스토랑에 차용한 그는 열렬히 꿈꿔온 한식의 고급화를 추구하며 한국에 처음으로 도입한 ‘미쉐린 가이드 서울 2017’에서 2스타를 받았고, 이후 7년 연속 그 명성을 지키고 있다. 2016년 세계 최고 요리 행사 ‘마드리드 퓨전’에서 우리나라를 대표해 한식을 소개했고, 청와대 국빈 행사 자문역을 맡은 바 있다. Woojoong Kwon is the chef-owner of the Korean fine dining restaurant Kwonsooksoo. There are any number of ways to describe Kwon, from a Korean chef who inherited the skills of his mother’s family that ran a famous restaurant specializing in North Korean dishes, to the head chef at a Korean restaurant belonging to a large company, to now a chef of a restaurant with two Michelin stars. Kia Design Magazine wanted to shine the spotlight on a creator who immerses himself philosophically in Korean food. For Chef Kwon, who aims to upgrade Korean food, luxury culture does not just mean something expensive. Rather, it is a culture inspired by the artistic spirit of a human being and of a creator. Based on his deep understanding of Korean food, Chef Kwon is not only reinterpreting a traditional culture that, to date, has not been illuminated very much but is also creating uniquely beautiful food. Woojoong Kwon is one of the most noteworthy Korean cuisine chefs who best represents Korea. Born into a family with experience in cooking North Korean dishes, Kwon grew up tasting and learning all about Korean food. After graduating from Kyung Hee University’s Department of Culinary Science, he started his career as a chef at the Westin Chosun Seoul. He then worked as the head chef at restaurants in Japan and New York, experiencing advanced culinary cultures and seeing for himself the reality of Korean food around the world. After returning to Korea, Kwon led R&D efforts as CJ Foodville’s Korean food executive chef and worked as a chef-owner at a restaurant named East Village in Seoul. Using that experience and trial-and-error approach from those days as a stepping stone, he opened the Korean fine dining restaurant Kwonsooksoo in 2015. He adopted the name “sooksu,” a term given to a male specialty chef in charge of the kitchen at the royal court, for his restaurant. After passionately pursuing the enhancement of Korean food for some time, he was awarded two stars in the MICHELIN Guide Seoul 2017, the first time the world-famous restaurant guide was published in Korea, and has maintained that reputation for seven consecutive years. In 2016, he represented Korea and introduced Korean food at Madrid Fusion, the world’s top culinary event. He has also served as a consultant for state guest events at the Blue House.
시대를 읽는
예술적 균형감 An Artistic Sense of Balance in Reading the Times
고정관념에서 벗어나 동시대의 새로운 한복을 선보이는 단하주단의 한복 디자이너 단하. 깊이 있고 디테일한 리서치를 바탕으로 독창적인 콘셉트와 스토리를 선보이는 민주킴의 패션 디자이너 김민주. 한국적인 것을 세계적인 것으로 표현하는 두 디자이너의 예술적 균형감에서 ‘오퍼짓 유나이티드Opposites United’의 통찰을 엿볼 수 있습니다. 단하는 전통을 새롭게 해석한 한복으로 주목받는 한복 디자이너다. 2018년 단하주단을 론칭했다. 2020년 K팝 아티스트 블랙핑크가 단하주단의 옷을 입고 뮤직비디오에 출연하면서 한복에 대한 전 세계적인 관심을 끌어냈다. 2021년 문화체육관광부 장관상 ‘올해의 한복인’을 수상했고 한국바른언론인협회가 국가 위상을 높인 공로자에게 수여하는 ‘위대한 국민대상’ 및 ‘대한민국 크리에이터 대상’을 수상했다. 최근 ‘파리패션위크Paris Fashion Week’에서 한복 컬렉션을 선보이며 좋은 반응을 얻었다. 김민주는 2015년 론칭한 컨템포러리 여성복 브랜드 ‘민주킴MINJUKIM’의 창립자다. 벨기에 앤트워프 왕립예술학교를 졸업한 후 2013년 ‘H&M 디자인 어워드’에서 대상을 받고, 2014년 ‘LVMH 영 패션 디자이너 프라이즈’ 준결승에 진출했다. 2020년 넷플릭스에서 방영한 글로벌 패션 서바이벌 프로그램 〈넥스트 인 패션Next in Fashion〉에서 우승하며 세계적인 디자이너로 떠올랐다. 2021년 대한민국패션대상 산업통상자원부장관 표창을 받았다. Breaking with stereotypes from the past, Danha, the hanbok designer at Maison Danha, has come up with a new hanbok for today’s world. Minju Kim, a fashion designer at the brand MINJUKIM, offers original concepts and stories based on detailed, in-depth research. Through the artistic balance of these two designers, both of whom express Korean things in a global way, we are given a unique glimpse into the wisdom behind KIA’s “Opposites United” philosophy. Since launching Maison Danha in 2018, Danha has been garnering a lot of attention with her new interpretation of tradition as a hanbok designer. In 2020, K-pop artists BLACKPINK appeared in a music video wearing outfits from Maison Danha, drawing worldwide interest in hanbok. In 2021, she was selected as the Hanbok Person of the Year, a commendation given out by the Minister of Culture, Sports and Tourism. Recently, Danha showed her hanbok collection at Paris Fashion Week, and received favorable reviews from many people and media outlets. Minju Kim is the founder of a contemporary womenswear brand launched in 2015 called MINJUKIM. After receiving her master’s degree at the Royal Academy of Fine Arts Antwerp in Belgium, she won the 2013 H&M Design Award, and was shortlisted for the LVMH Prize for Young Fashion Designers in 2014. In 2020, Kim was named the winner of Netflix’s reality show and fashion design competition Next in Fashion, emerging as an internationally renowned designer. A year later, in 2021, Kim won a commendation from the Minister of Trade, Industry, and Energy at the Korea Fashion Awards.
한류 3.0
이후의 한류 Hallyu after Hallyu 3.0
영국 런던에 위치한 빅토리아 앤 알버트 뮤지엄(이하 V&A)에서 의외의 전시가 열리고 있다. 이름부터 그 취지가 선명한 《한류 1)! 더 코리안 웨이브Hallyu! The Korean Wave》다. V&A는 1851년 만국박람회의 성과를 기념하며 설립한 뮤지엄이다. 그 역사가 증명하듯 장식미술, 디자인, 퍼포먼스 등에 집중해 인류학적 관점으로 유물을 수집, 보존, 전시하는 유구함을 자랑한다. 이런 역사적 배경과 명확한 지향점을 가진 뮤지엄에서 ‘한류’를 주제로 전시를 기획했다는 소식을 듣자마자 물음표가 한 가득 떠올랐다. “현재 진행형의 흐름인 한류가 어떻게 V&A의 전시 주제가 될 수 있었을까? 한류가 전시할 만큼의 실체를 가진 것이었단 말인가?” 이런 질문의 바탕에는 어쩌면 한류에 관해 어딘가 모르게 어색하게 느껴왔던 마음이 있었는지도 모른다. 이따금 뉴스를 통해 들려오는 한국영화, 감독, 배우의 해외 수상 소식, 국내에서 제작한 넷플릭스 오리지널 드라마에 대한 국제적인 열광, K팝 아티스트의 폭발적인 인기까지, 소위 ‘국위선양’이라고 좋아할 만한 소식은 왠지 가깝고도 멀게 느껴졌던 게 사실이다. 지난 9월 ‘프리즈Frieze’ 아트 페어가 서울에 성공적으로 론칭하고, 해외 유명 갤러리가 줄지어 서울 지점을 내는 등 세계 미술계에서도 한국이 부쩍 주목받는 것을 체감하지만, 그럼에도 불구하고 한류는 손에 잡히지 않는 단어였다. 그래서 더 궁금했다. 한국인이 아닌 이들이 한국이 아닌 곳에서 열리는 전시를 통해 한류를 어떻게 해석하고 있을까. The Victoria and Albert Museum (V&A) is holding an unexpected exhibition, Hallyu! 1)The Korean Wave, and one which clearly reveals its purpose through its title. The V&A is a museum that was established as the “Museum of Manufactures” in 1852, commemorating the achievement of the 1851 World’s Fair in London. Since then it has boasted a distinguished history of collecting, preserving, and exhibiting artifacts from a cultural and anthropological perspective by focusing on decorative art and design. As soon as I heard that this exhibition was planned under the theme of “hallyu”—and at a museum with such an acclaimed background and with a clear goal in mind—many questions came to mind, including “How could the presently ongoing trend of hallyu be the subject of an exhibition at the V&A?” as well as “Does that mean hallyu has enough substance to it for an entire exhibit?” Perhaps there was a feeling of awkwardness about hallyu driving these questions. It is true that so-called “national prestige enhancing” news, such as the occasional news of Korean films, directors, and actors winning awards abroad, international enthusiasm for locally produced Netflix original dramas, and the explosive popularity of K-pop artists, felt both close and distant to me at the same time. After the Frieze Art Fair was successfully launched in Seoul in September 2022, a number of famous overseas galleries opened branches in Korea’s capital city. As such, it was clear that Korea had gained more recognition in the global art world, yet hallyu remained a concept that Koreans could not fully wrap their heads around. That is why I was so curious about how non-Koreans would interpret hallyu through an exhibition held outside of Korea.
외장 디자이너 쉬제밍.
그의 다양한 이야기를 들어봅니다. Senior Exterior Designer Xu Zheming. Hear his various stories.
제 이름은 쉬제밍입니다. 기아 상하이 어드밴스드 디자인센터에서 시니어 외장 디자이너를 맡고 있습니다. 상하이에 있기 전에는 기아 유럽 디자인센터에서 7년 동안 일했어요. 거의 10년간 해외에서 살다 보니 고향과 문화가 정말 그립더라고요. 그래서 상하이에서 일해보지 않겠냐는 회사의 제안에 YES라고 명확하게 말했답니다. 제가 맡은 업무는 크게 두 가지로 나눌 수 있을 것 같아요. 첫 번째는 중국 시장의 동향을 조사하고 분석해서 미래 중국 시장에 어울릴 만한 프리미엄 제품 안을 설계하는 거예요. 일종의 실험이나 사전 연구라고 할 수 있죠. 두 번째는 디자인 스튜디오의 역할이에요. 상하이에 있는 기아 디자인센터도 기아의 글로벌 제품 디자인의 모든 과정에 참여합니다. 그래서 다른 지역의 디자인 센터와 선의의 경쟁과 협력을 지속하며 자동차 외관 디자인 개발에 힘을 보태고 있습니다. OU는 디자이너가 기아 브랜드를 위해 함께 일하고 생각하는 지침을 제공한다고 생각해요. 디자이너는 각자 자신만의 아이디어와 취향을 가지고 있죠. 그래서 이들의 제안을 통합하고 적절한 디자인을 선택할 수 있도록 돕는 일이 매우 중요합니다. 기아의 고객에게 명확한 브랜드 이미지와 정체성을 전달하기 위해서는 디자이너 또한 기아만의 디자인 철학을 구축할 필요가 있어요. My name is Xu Zheming, and now I am working in Kia Shanghai advance design center as an exterior Designer. Before I started working in Shanghai, I had 7 years working experience in Kia Europe Design Center. As a Chinese person, after almost 10 years living abroad I really miss my hometown and culture, So when the company offered me a chance to work in Shanghai, I had a very clear answer. I think the idea of “opposites united” offers designers a guide to work and think together for the Kia brand, when every designer has their own idea and taste, how to unified all the proposals or help us make design selection is very important. We want Kia design to deliver a very clear brand image and identity to our customer, so we need to build up our own design philosophy. My work includes two main parts. One is researching and analyzing Chinese market trends to design some advanced product proposal about the future Chinese market. It is more like an experiment or advanced study. On the other side as a design studio, Shanghai design center participates in the Kia globe product design process, cooperating or competing with other studios to develop the exterior of Kia cars.
군더더기 없이 단순한 웃음
웹툰 작가 나승훈 The Universal Appeal of a Simple Laugh — Seunghoon Na, Webtoon Artist
《기아 디자인 매거진》은 ‘웹툰계의 초통령’으로 불리는 나승훈 작가를 만났습니다. 스토리 작가 신태훈과 함께 13년째 연재 중인 〈놓지마 정신줄〉은 병맛, 일상, 판타지, 블랙 코미디, 옴니버스 장르를 아우르는 독특한 웹툰입니다. 그가 구사하는 단순하고도 선명한 유머는 기아 디자인 철학 ‘오퍼짓 유나이티드Opposites United’를 지탱하는 다섯 개의 기둥 중 하나인 ‘이유 있는 즐거운 경험(Joy for Reason)’을 떠올리게 합니다. 그가 펼치는 유머의 미니멀리즘과 K콘텐츠로 각광받는 웹툰의 세계를 나란히 살펴봅니다. ‘월드 와이드 웹World Wide Web’과 ‘카툰Cartoon’, 즉 웹과 만화를 결합한 ‘웹툰Webtoon’은 한국어 고유명사다. 인터넷 보급이 활발하던 2000년에 들어 천리안에서 만든 조어에 기반을 두고 있다. 밀레니엄을 기점으로 출판 만화 시장은 빠른 속도로 웹툰 플랫폼으로 전환했다. 출판사에서 주최하는 공모전이 거의 유일한 데뷔 루트였던 시대에 마땅한 플랫폼 없이 홀로 만화를 그리던 작가들은 자신의 블로그를 신규 플랫폼 삼아 만화를 올리며 온라인 계정의 닉네임으로 이름을 알리기 시작했다. 이때가 불과 20여 년 전이라는 점을 생각해보면, 지금 한국의 웹툰 시장은 눈부시게 성장을 거듭 중이다. 잠깐의 여유 시간과 인터넷에 접속할 기기만 있다면 언제 어디서든 웹툰을 볼 수 있기 때문이다. 게다가 애니메이션, 드라마, 영화, 게임으로 각색되어 세대와 국가를 가리지 않고 인기를 누리는 일이 비일비재하다. 콘텐츠 접근성과 다른 장르와의 연계 및 확장가능성이 유연한 웹툰은 이제 명실공히 한류의 최전방에 선 영역 중 하나가 되었다. 나승훈은 웹툰 작가다. 국민대학교 시각디자인학과에 재학 중이던 2009년부터 네이버웹툰에 연재를 시작한 웹툰 〈놓지마 정신줄〉은 지난 2019년 시즌 2를 마무리하며 지금까지 29억 뷰에 달하는 누적 조회수를 달성했고, 2022년 11월부터 시즌 3 연재를 재개했다. 동명의 애니메이션과 웹드라마로 만들어졌고, 학습 만화 시리즈 『놓지 마 과학!』은 현재 17권까지 발행돼 판매 부수 100만부를 돌파했으며 『놓지 마 초등 영단어』, 『놓지 마 어휘』 등으로 영역을 확장 중이다. 나승훈 작가는 자신의 인스타그램 계정(@artist.naseunghoon)을 통해 짧고 굵은 재미를 선사하는 인스타툰도 부지런히 선보이고 있다. Kia Design Magazine recently met up with Seunghoon Na, the cartoon artist affectionately referred to as the “president of the webtoon world for elementary students.” Hanging On! (“Nochima Jeongsinjul” in Korean), which he has been serializing for 13 years with story writer Taehoon Shin, is a unique webtoon (Korean online cartoon) that encompasses the bizarre as well as everyday life, fantasy, and black comedy, all of which is presented in a unique episode-oriented omnibus style. His clear, simple humor reminds many of “Joy for Reason,” one of the five pillars in support of Kia’s design philosophy “Opposites United.” Let’s take a look at “President” Na’s minimalist humor and the world of webtoons, which is currently in the K-content spotlight. A well-known webtoon artist, Seunghoon Na began serializing Hanging On! on the Naver Webtoon site in 2009 while still a student at Kookmin University’s Department of Visual Communication Design. Season 2 of the webtoon was later completed in 2019. To date, it has received 2.9 billion views, with the serialization launch of Season 3 having already taken place in November 2022. The original webtoon series was produced as an animation and web drama of the same title, and there is now an educational comic book series called Hanging On Science! [김현2] that has been published in 17 volumes and surpassed 1 million copies in sales. Today, the scope of the series is being expanded to books, including Hanging On Elementary English Vocabulary and Hanging On Vocabulary. Through his Instagram account (@artist.naseunghoon), Seunghoon Na is now also promoting Instagram Toon, which offers quick bursts of unforgettable fun. The word “webtoon,” which combines the terms “World Wide Web” and “cartoon,” is widely used in Korea. The concept is based on a word that was conceived of in a world of dial-up Internet access in the early 2000s, when the Internet was just starting to really take off in Korea. At the beginning of the new millennium, the cartoon publishing market was rapidly shifting to a webtoon-based platform. In an era when contests hosted by publishers were pretty much the only debut route for cartoon artists, those who were only creating cartoons without a relevant platform to share them began to make a name for themselves through their online account nicknames by posting cartoons using their blogs as a new platform. When you consider that this was only 20 years ago, it is actually quite remarkable how much the Korean webtoon market has grown since then. And that is because people can read webtoons anytime, anywhere—even if they are pressed for time—as long as they have a device with an Internet connection. In addition, webtoons are commonly adapted into animation films, dramas, and games, enjoying huge popularity regardless of the generation or country. Webtoons with content accessibility as well as flexible connectivity and expandability to other genres are now one of the areas at the forefront of the ever-burgeoning Korean Wave.
시간을 대하는
몸의 태도들 The Body’s Attitudes Toward Time
동시대 시간 예술의 최전선에서 이미 지닌 것을 돌아보는 현대무용가 차진엽. 수백 년의 세월을 쌓은 클래식 발레를 오늘의 춤으로 생생히 추어내는 발레리나 김주원. 이 두 무용가의 인터뷰를 통해 이들의 삶과 춤에 담긴 놀라운 '오퍼짓 유나이티드Opposites United'의 인사이트를 발견하길 바랍니다. 차진엽은 한국예술종합학교 무용원에서 학부 과정을 마치고 영국 런던 컨템포러리 댄스 스쿨에서 석사 학위를 따며 현대무용을 공부했다. 이후 영국 호페쉬 쉑터Hofesh Shechter, 네덜란드 갈릴리Galili, 한국의 LDP 무용단 등 국내외 무용 신scene에서 활발하게 활동했다. 2001년 한국무용협회 주최 〈젊은 안무가 창작공연〉에서 ‘최우수 안무가상’을 시작으로 한국 무용계에서 안무가로 자리매김하였으며, 2014년 문화체육관광부 장관 표창으로 ‘오늘의 젊은 예술가상’을 수상했다. 2014년 인천 장애인아시아경기대회와 2018년 평창동계올림픽의 개·폐회식 안무 감독을 맡았다. 현재 2012년 창단한 아티스트 그룹 ‘콜렉티브 에이Collective A’의 예술감독으로 활동 중이다. 김주원은 선화예술중학교에 다니다가 러시아로 유학을 떠나 볼쇼이 발레학교를 우등으로 졸업했다. 1998년 국립발레단 〈해적〉으로 데뷔 후, 15년간 국립발레단 수석무용수로 활약했다. 2000년 한국발레협회 신인상, 2001년 러시아 모스크바 국제발레콩쿠르 여자부 동상, 2004년 문화관광부 장관 표창으로 ‘오늘의 젊은 예술가상’ 등을 수상했다. 2006년에는 무용계 최고의 영예인 ‘브누아 드 라 당스’에서 최고 여성 무용수상을 수상하며 명실공히 세계 최고 수준의 발레리나로 인정 받았다. 2012년 국립발레단을 떠난 후 전방위로 활동하고 있으며 현재 성신여자대학교 무용예술학과 교수로 재직 중이다. Jinyeob Cha is a contemporary dancer who looks back on what we already have at the forefront of contemporary art. Joowon Kim is a ballerina who vividly turns classical ballet, which has been building upon itself for hundreds of years, into today’s dance. Through interviews with these two dancers, we hope that readers can discover for themselves the amazing insights of Opposites United through the lives and dancing of these two ladies. Jinyeob Cha studied contemporary dance at the School of Dance, Korea National University of Arts before receiving a master’s degree at London Contemporary Dance School. Cha has worked with many companies internationally, including Hofesh Shechter Company (UK), Galili Dance Company (Netherlands), and the Korean dance company LDP. Early in her career, she was the recipient of the Best Choreographer Award in 2001 at the Korea Dance Association’s Young Choreographers’ Creative Performance. After establishing herself as a noted choreographer in the Korean dance community, Cha then won the Young Artist Award in 2014, with a commendation from the Minister of Culture, Sports and Tourism. She went on to serve as the choreographer for the opening and closing ceremonies of the Incheon 2014 Asian Para Games and the 2018 Pyeongchang Winter Olympics. She is currently working as an artistic director of the artist group Collective A, which she founded in 2012. After attending the prestigious Sunhwa Arts Middle School, Joowon Kim moved to Russia to study, eventually graduating from the revered Bolshoi Ballet School with honors. In 1998, after making her debut in the Korean National Ballet’s Le Corsaire, she became prima ballerina for the Korean National Ballet for 15 years. Over that time, she was the recipient of the Rookie of the Year Award from the Korean Dance Association (2000), a bronze medalist at the Moscow International Ballet Competition (2001), and winner of the Young Artist Award (2004), which was a commendation from the Minister of Culture, Sports and Tourism. What’s more is that at the 2006 Benois de la Danse, Kim took home the prize for top female dancer, the highest honor in the dance world, and was recognized as one of the world’s top ballerinas both in reputation and in practice. Since leaving the Korean National Ballet in 2012, she has stayed active in many different areas and is currently a professor in the Department of Dance Art at Sungshin Women’s University.
새로운
인간이라는 꿈 Dreams of a New Human
1895년 시작한 ‘베네치아 비엔날레 국제미술전’이 올해로 59번째를 맞았다. 제1차, 제2차 세계대전 때 중단과 재개의 우여곡절을 견디면서도 20세기를 관통해 꾸준히 이어오던 이 격년제 행사가 팬데믹으로 인해 3년 만에 열렸다. 매번 새롭게 선임하는 예술감독이 이끄는 본전시에는 평균 60여 개국, 200여 명의 작가가 참여한다. 다양한 나라에서 야심 차게 운영하는 국가관 전시가 함께 열리기 때문에 ‘미술계의 올림픽’이라고 불리는 행사다. 이번 베네치아 비엔날레는 밀라노 태생의 큐레이터, 세실리아 알레마니Cecilia Alemani가 예술감독으로 지명되어 한껏 기대를 모았다. 공공미술의 성공 사례로 꼽히는 뉴욕 하이라인 아트High Line Art를 이끈 디렉터 겸 수석 큐레이터이기 때문이다. 더불어 본 비엔날레 최초로 이탈리아 출신의 여성 예술감독이기도 하다. 알레마니가 기획한 이번 비엔날레의 타이틀은 ‘꿈의 우유(The Milk of Dreams)’다. 소설가이자 초현실주의 화가였던 리어노라 캐링턴Leonora Carrington(1917-2011)이 쓴 그림책 제목에서 빌려왔다. 자기 아이를 위해 직접 쓰고 그린, 다소 그로테스크한 그림책에서 캐링턴이 상상의 생명체가 등장하는 마법 세계를 묘사했다면, 알레마니의 본전시는 ‘포스트 휴먼’의 조건을 탐구하는 작품을 적극적으로 선보였다. 다양한 존재가 거주하는 혼종의 세계, 생태계를 재구성하는 흥미로운 돌연변이에 관한 힌트는 약 80여 점의 커미션 신작과 근작을 통해 본전시 곳곳에 숨어들었다. The International Art Exhibition of La Biennale di Venezia, which was established in 1895, marked its 59th anniversary this year. The biennial event, which continued running through the 20th century despite the repeated suspensions and resumptions during two world wars, was held for the first time in three years due to its suspension once again during the pandemic. Throughout its history, an average of 200 artists from 60 countries participate in the main exhibition, which is led by a newly appointed artistic director every time. Often described as the “Olympics in the art world” because of its special exhibition featuring national pavilions, it is ambitiously operated by a wide range of countries each time it is held. This year’s Biennale di Venezia was highly anticipated, as Milan-born curator Cecilia Alemani was appointed as the artistic director. She is the director and chief curator of High Line Art in New York, considered by many to be a successful example of public art. She is also the first Italian female artistic director in the history of the biennale. The title of the biennale led by Alemani is “The Milk of Dreams,” which was borrowed from the title of a picture book by novelist and surrealist painter Leonora Carrington (1917-2011). It was, however, not a simple act of “borrowing.” While Carrington’s rather grotesque picture book for her children depicted a magical world featuring imaginary creatures, artists in Alemani’s main exhibition actually presented works exploring posthuman conditions. Hints concerning interesting mutations that reconstruct a mixed world and ecosystem where various beings reside were hidden throughout the main exhibition. To be more specific, this was accomplished through roughly 80 new commissioned works as well as the more recent works of those same artists.
CMF 디자이너
아브힐라샤 쟐라니와 푸자 마이셰리 CMF Designer Abhilasha Jhanlani and Pooja Maisheri. Hear different stories.
저는 아브힐라샤 쟐라니Abhilasha Jhalani입니다. 2020년 1월부터 기아 인도 디자인센터에서 수석 CMF(Color Material & Finish) 디자이너로 일하고 있어요. 다양한 영역에서 디자인과 기술의 힘을 연구하는 데 관심이 많고요. 인도 시장에 특화된 다양한 프로젝트에 참여했습니다. 지금은 기아 CMF 디자인에 도움 되는 인도 공급업체를 식별하는 업무를 맡고 있어요. 저는 푸자 마이셰리Pooja Maisheri입니다. 아브힐라샤와 함께 2020년 1월부터 기아 인도 디자인센터의 수석 CMF 디자이너로 일하고 있습니다. 소재, 질감, 패턴을 통합해 색상의 특성을 관찰하고 해석하는 일에 매료되어 이 분야로 왔답니다. 인도에서 출시한 여러 프로젝트의 디자인 연구와 아이디어 구상에 참여했어요. 현재 연구, 아이디어, 개발, 분석을 통해 미래 트렌드를 예측하고, 인도 소비자의 심리와 행동을 리서치하는 역할을 맡고 있습니다. 2019년 기아는 인도에서 셀토스라는 제품을 처음으로 출시했는데요. 반응이 좋았어요. 쇼룸에서 가까이 살펴보며 현대적인 느낌과 인간 중심 디자인, 그리고 브랜드에 감탄했던 기억이 또렷해요. 그해 말 기아가 인도에 디자인센터를 운영한다는 이야기를 듣고 CMF 디자이너로 지원자고 마음먹었죠. 그렇게 기아에 들어와 시야를 넓히고 경험을 쌓으면서 모빌리티 솔루션을 보다 충실히 하는 데 기여한 것 같아 기분이 좋습니다. 기아는 인도 시장에 데뷔하며 과감하고 자신감 있고 스타일리시한 브랜드로 큰 화제를 불렀어요. 저는 가구, 라이프스타일, 지속가능성 제품, 이륜차 등 다양한 분야에서 학습한 지식을 토대로 기아에 합류하게 되었는데요. 촉각적이고 몰입감 있는 경험을 디자인할 때 과거에 쌓은 지식이 큰 도움이 돼요. My name is Abhilasha Jhalani. I have been working as a Senior Color Material & Finish (CMF) designer at Kia Design India since Jan 2020. I am passionate about researching the power of design and technique in different domains. I have been involved in the research and development phase of a couple of projects that are specific to the India market. At present I am working on identifying Indian suppliers that can help us achieve Kia’s material and application goals going forward. My name is Pooja Maisheri. My journey with Kia Design India as a Senior Color Material Finish Designer started since Jan 2020. My fascination to observe and interpret the character of color in integration with materials, textures, patterns inspired me to enter this domain. Being an Industrial designer I believe that products, materials and surfaces speak a sensorial language which if well applied, communicates to the user. My role involves understanding the psychological and behavioral aspects of Indian consumers by predicting the future trends through research, ideation, development and analysis. I got to be a part of design research and ideation for a few projects. I want to continue to demystify the CMF design process and accelerate the learning curve. Kia Seltos was the first product that was launched in India in 2019 and was received very well. I distinctly remember going to the showroom and seeing it up-close and admiring the design and the brand for its modernity and human centricity. Later that year I learnt that Kia is starting its design department in India and decided to apply for the CMF role. I joined Kia in Jan 2020 to expand my horizon, exposure of work and above all to contribute in making mobility solutions more fulfilling. CMF design is all about curating multiple trends, colors, patterns, textures and discovering tiny details. It cultivates the distinct style of Kia by intuition and anticipating about “What’s coming up next?” Color has emotion and defines ones voice that tells us the story. Kia brand created a huge buzz while making the debut in the Indian market as it was perceived to be a bold, confident & stylish brand. Interdisciplinary learning in various domains like furniture, lifestyle, sustainable products, 2 wheelers have empowered my knowledge to pursue a career in a brand like Kia. It allows me to design tactile and immersive experiences through CMF.
건축의 타임라인
건축가 김찬중 A Timeline of Architecture: Looking Ahead to Tomorrow, Today/Looking Back at the Past, Tomorrow — Chanjoong Kim, Architect
《기아 디자인 매거진》은 과감한 기술 혁신과 전방위적 협업을 통해 한국에서 새로운 건축 생산 시스템을 주도한 더_시스템랩 건축사무소(이하 더시스템랩)의 김찬중 건축가를 만났습니다. 그는 현재의 삶과 동행하는 유연함, 앞으로의 변화를 예측하는 기민함을 지닌 인물입니다. 더시스템랩의 건축적 시도가 혁신적인 문화적 산물로 주목받는 이유를 살펴봅니다. 2010년대 한국 건축에서 독보적인 성취를 이루고 있는 김찬중은 고려대학교 건축공학과를 졸업하고 스위스 연방공과대학교(ETH Zurich)에서 수학하였으며 미국 하버드대학교에서 건축학 석사 학위를 취득했다. 서울의 한울건축, 보스턴의 KSWA 등에서 실무를 쌓았으며 귀국 후 현재까지 경희대 건축대학원의 설계 전공 초빙 교수로 재직하면서 더_시스템랩 건축사무소 대표로 활동 중이다. 2006년 베네치아 비엔날레 국제건축전 한국관 대표 건축가로 초청됐고, 같은 해 중국 베이징 국제 건축 비엔날레에서 ‘주목받는 아시아의 젊은 건축가 6인’에 선정됐다. 그의 작업은 영국 《아키텍처럴 리뷰》, 이탈리아 《도무스》와 《아비타레》, 스페인 《까사 미카》, 네덜란드 《마크》 등 국제적인 저널에서 다양하게 소개했다. 산업과 기술의 시스템적 결합을 특징으로 하는 김찬중의 건축은 새로운 소재 개발과 과감한 적용, 산업계와 맺는 전방위적 협업, 기존 건축 생산 방식과 차별화하는 전략적 사고가 특징이다. 모듈과 유닛에 대한 실험, 다양한 방식의 맞춤형 건축, 프리패브리케이션과 같은 생산 시스템에 대한 지속적 고민과 클라이언트의 다양한 요구에 대응하는 건축 설계 서비스 등 현실적인 과제뿐 아니라 건축을 통한 마을 만들기와 생태계 구축처럼 공공적 가치에도 관심과 노력을 쏟고 있다. 대표작으로는 상암동 JTBC 빌딩, 삼진제약 마곡 연구센터, 마곡 서울식물원 온실, 성수동 우란문화재단, 울릉도 코스모스 리조트, 하나은행 삼성동 PLACE 1, KH바텍 사옥, 한남동 핸즈코퍼레이션 사옥, 구름에 리조트 등이 있다. For this volume, Kia Design Magazine met up with Chanjoong Kim, an architect at the architectural firm The System Lab, which has been at the forefront of a new architectural production system in Korea through its bold technological innovations and multidirectional collaborations. With his trademark flexibility, Kim not only dismantles a benumbed sense of architectural inertia while addressing people’s lives today but also has the foresight to predict what changes will unfold in the future. Let’s learn why The System Lab’s audacious architectural efforts are attracting attention as ingenious cultural products. Chanjoong Kim made a unique achievement in Korean architecture in the 2010s. After graduating from Korea University’s Department of Architectural Engineering, he began his studies at the Swiss Federal Institute of Technology Zurich (ETH Zurich) and then earned his master’s degree in architecture at Harvard University. Later, he gained work experience at Hanul Architects & Engineers Inc. in Seoul and KSWA in Boston. Since returning to Korea, he has served as a visiting professor at Kyung Hee University’s graduate school of architecture, while serving as principal architect at The System Lab. He was invited to the 10th Venice Biennale held in 2006 to represent Korea in the field of architecture at the star-studded event and was subsequently selected as one of six young Asian architects to take note of at the Beijing International Architecture Biennale that same year. To date, his works have been featured in many renowned international journals, including Architectural Review (UK), Domus and Abitare (Italy), Casa Mica (Spain), and Mark (Netherlands). Characterized by a systematic combination of industry and technology, Chanjoong Kim’s architecture has evolved through the development of new materials and radical applications, an all-round collaboration with the industry, and strategic thinking that is differentiated from existing building production methods. In addition to real-world tasks—whether experiments with modules and units, architectural customization in countless ways, a continuous reflection on a production system like prefabrication, and building design services to respond to clients’ diverse needs—Kim pays a great deal of attention to and puts a tremendous amount of effort into the public good, such as building villages and ecosystems by using architecture as his medium. Some of his major projects include the JTBC Building, Samjin Pharm Research Center, Seoul Botanic Park’s greenhouse, Wooran Foundation, Healing Stay Kosmos Resort (Ulleungdo Island), KEB Hana Bank Place 1, KH VATEC office building, Hands Corporation Building (Hannam-dong), and Gurume Resort.
지나간 것을 바라보는
영민한 시선 An Astute Glance Back at the Past
조선시대 문자도를 현대적으로 변용하는 채병록, 복고풍 레터링에 메시지를 담는 김기조, 두 그래픽 디자이너의 인터뷰를 살펴보며 '오퍼짓 유나이티드Opposites United'의 새로운 인사이트를 발견하세요. 일본 타마미술대학에서 그래픽 표현 전공으로 석사 학위를 받았다. 2014년부터 디자인스튜디오 CBR Graphic을 운영하며 다양한 문화단체 및 기업과 활발히 협업 중이다. 런던 빅토리아 앤 앨버트 뮤지엄, 뮌헨 국제디자인박물관, 국립한글박물관 등에서 작품을 소장하고 있다. 현재 이화여자대학교 조형대학 디자인학부와 건국대학교 예술디자인대학 커뮤니케이션디자인학과에서 겸임교수를 맡고 있다. 한글 레터링으로 잘 알려진 한국의 그래픽 디자이너. 서울대학교에서 시각 디자인을 전공했다. 학생 시절부터 독립 음반 레이블 붕가붕가레코드의 창립 멤버이자 수석 디자이너로 활약하며 ‘장기하와 얼굴들’, ‘브로콜리너마저’ 등 여러 뮤지션의 음반 아트워크를 담당했다. 2011년 디자인 스튜디오 기조측면을 설립해 운영하고 있으며, 포스터, 전시, 공연, 영상 매체 등 다양한 영역에서 활약 중이다. 과거의 것을 소재로 작업하는 아티스트는 이를 바라보는 자세와 현대적 시각을 중시합니다. 지나간 것을 답습하는 게 아니라 시대의 맥락을 이해하고 지금 이 시점에 맞게 융합해야 발전적인 결과물을 만들 수 있기 때문이죠. 이런 고민을 통해 현재를 살아가는 사람에게 영감을 주는 새로운 창작물이 탄생합니다. 한국적인 미감을 현대적인 그래픽으로 재해석하는 채병록, 소위 ‘복고풍’으로 불리는 한글 레터링으로 다양한 아트워크를 시도한 김기조, 이렇게 두 명의 그래픽 디자이너를 만났습니다. 이들이 오래된 것에서 영감받아 표현하고자 한 것은 무엇인지, 현대 사회를 살아가는 우리가 과거의 것을 접할 때 놓치지 말아야 할 것은 무엇인지 다양한 이야기를 청해보았습니다. Byungrok Chae transforms the Joseon Dynasty’s Munjado (letter painting) in a contemporary way, while Kijo Kim captures messages in retro-style lettering. Read over our interviews with these two graphic designers to discover new insights into Opposites United. Byungrok Chae received his MFA in Graphic Design (with a specialization in graphic expression) at Tama Art University in Japan. Since 2014, he has run a graphic design studio called CBR Graphic, and works on a wide variety of projects in collaboration with cultural organizations and businesses. His works are housed at the Victoria and Albert Museum (London), the Pinakothek der Moderne (Munich), and the National Hangeul Museum (Seoul). He is currently an adjunct professor at Ewha Womans University’s College of Art & Design and Konkuk University’s Communication Design Department. A Korean graphic designer well known for his Hangeul lettering, Kim majored in visual communication design at Seoul National University. Starting in his school days, he actively worked as the founding member and senior designer for an independent music label, BGBG Record, and was responsible for the album artwork of many musicians, such as Kiha & The Faces and Broccoli you too. He founded design studio Kijoside in 2011, and has since been working in a variety of areas, from posters and exhibitions to performances and video media. For artists whose subject is buried in the past, it is all about looking back on what has already transpired and applying a contemporary perspective lens to it. This is because we can produce developmental results only when we stop following what has happened before and instead understand the context of the times and fuse what has already taken place in the past with the here and now. Through this process of deep thinking, new creations are born and inspire people living in the present. We met two graphic designers, Byungrok Chae, who reinterprets Korean aesthetics through contemporary graphics, and Kijo Kim, who has tried various artworks with so-called “retro-style” Hangeul lettering. We talked about a number of issues, including what they wanted to express about things inspired by what is old as well as what we should not miss when we encounter things from the past in modern society.
보는 법을
바꾼 그림 Paintings That Changed the Ways Of Seeing
여기 평생의 질문에 매달린 사람이 있다. “단 한 점의 작품으로 감각의 큰 변화를 불러일으킬 수 있을까? 만약 그렇다면, 그 그림이 다른 어떤 그림보다 더 진실하다고 말할 수 있을까?” 20세기 그리고 21세기에 이르러 여전히 ‘가장 위대한 화가’로 불리는 폴 세잔(Paul Cezanne, 1839-1906)이 그 주인공이다. 사과, 물병, 복숭아, 테이블, 식탁보. 세잔의 그림에서 한없이 반복되는 정물이다. 우리 눈에는 너무나도 익숙하고, 도무지 하나도 새롭지 않은 것에서 세잔은 대체 무엇을 보았을까? 그에게만 있는 특별한 재능이 세기의 작품을 낳은 것이라면, 그 재능은 꾸준한 탐구, 결코 만족하지 않는 실험일 것이다. 평생토록 동일한 요소를 한결같이 그린 세잔의 반복이란 미술사에서 거대한 혁신이었다. 그는 인상파에서 출발했지만 이에 머물지 않고 미래의 회화 영역을 개척했다. 미국의 미술사학자이자 평론가 바바라 로즈Barbara Ellen Rose가 말한 세잔과 다른 화가의 차이점은 세잔의 특별함을 정확하게 말해준다. “거장으로 불리는 다른 화가들은 ‘이건 내가 아는 건데’로 시작한다면, 세잔은 ‘이걸 내가 과연 안다고 할 수 있을까?’로 출발한다.” 세잔이 미술의 시각을 뒤집었다 한들 요즘의 예술계는 스타일 경쟁과 정치 사회적 의제가 범람 중이다. ‘여전히 동시대의 관심을 사로잡을 수 있을까?’ 의문이 드는 상황. 하지만 시카고 미술관(Art Institute of Chicago)은 ‘그렇다’고 믿는다. 화려한 수식어 하나 없이 그저 ‘세잔(Cezanne)’이라는 이름을 붙인 이번 전시는 시카고 미술관에서 무려 70년 만에, 미국에서는 25년 만에 열리는 세잔의 회고전이다. 80점의 유화, 37점의 수채화 및 드로잉, 2개의 스케치북 완전판, 세잔이 쓰던 그림 도구가 한데 모인 전시는 금세기에 다시 보기 어렵다고 자부할 만하다. Here we have someone who pursued a pair of questions for most of his life: Could a painter create artworks one sensation at a time? And, if so, would pictures made this way somehow be truer to life than those made by other means? The person is Paul Cezanne (1839–1906), the man often referred to as the “the greatest of us all” by fellow artists and admirers in the 20th century and even now in the 21st century. Apples, water bottles, peaches, tables, tablecloths—these are the still life objects that are endlessly repeated in Cezanne’s paintings. What in the world did Cezanne see in what was so familiar to us all and not in the least bit new to people’s eyes? If indeed his special talent gave birth to some of the most notable works of the century, the talent would certainly have been his steady exploration and experiments in art, none of which he was ever satisfied with. Cezanne’s repetition of painting the same elements throughout his life was a huge innovation in art history. He started as an Impressionist, but veered from this path and went on to pioneer the realm of painting to come in the future. The art historian and art critic Barbara Ellen Rose got it right about the uniqueness of Cezanne when she said that the old masters’ starting point was, “This is what I see,” whereas Cezanne’s was, “Is this what I see?” Cezanne completely overhauled the view of the art world, though today’s art world is still inundated with competition between individuals and their styles as well as their political and social agendas. While we may ask the question “Can Cezanne still capture the attention of people nowadays?” the Art Institute of Chicago believes they have the answer: Yes, he most certainly can. Even though they could have added any number of superlatives to the title, the Art Institute of Chicago decided to forego a single splendid modifier and simply called their most recent exhibition Cezanne. This is the first major retrospective of Cezanne’s work in the United States in more than 25 years, and the first exhibition on Cezanne organized by the Art Institute of Chicago in more than 70 years. It explores Cezanne’s work across media and genres, featuring 80 oil paintings, 40 watercolors and drawings, two complete sketchbooks, and painting tools that Cezanne used in his lifetime. Cezanne could, in fact, be an exhibition that will not be seen again for the rest of this century.
외장 디자이너 버크 어너.
그의 다양한 이야기를 들어봅니다. Exterior designer Berk Erner. Hear his various stories.
안녕하세요. 저는 버크 어너Berk Erner입니다. 캘리포니아 어바인에 있는 기아 미국 디자인센터에서 수석 외장 디자이너로 일하고 있어요. 2018년 기아에 합류해 다양한 프로젝트를 즐겁게 진행했는데요. 가장 최근에 참여한 프로젝트는 작년 LA 오토쇼에서 선보인 EV9 콘셉트카입니다. 기억나는 인생의 첫 순간부터 지금까지 저는 항상 자동차광이었어요. 저희 집 방바닥에서 저도 모르는 사이에 자동차 디자이너로서의 도전을 시작했죠. 외동아들이었던 저는 초등학교에서 돌아와 심심할 때면 혼자 바닥에 앉아서 몇 시간이고 그림을 그렸답니다. 그리기라는 순수하고 단순한 행위는 완전한 기쁨 그 자체였어요. 펜이나 종이가 떨어지지 않는 한, 백지는 무한한 즐거움으로 들어가는 관문이었죠. 바닥에 앉아 좋아하는 TV 만화영화를 틀어놓고 몇 시간씩 차를 그리는 걸 좋아했답니다. 8살인가 9살 때로 기억하는데요. 어느 날 아버지가 방에 들어와 말씀하셨어요. “항상 볼 때마다 차를 그리는구나. 나중에 커서 자동차 디자이너가 되는 건 어떠니?” 그리고 자동차 디자이너가 무슨 일을 하는 사람인지 설명해주셨어요. 그 말씀에 저는 딱 꽂히고 말았죠! ‘그런 직업이 있다면 꼭 해봐야지!’ 그날 이후로 사람들이 장래 희망을 물어보면 저는 자동차 디자이너가 될 거라고 말했어요. 때마침 그때 할머니께서 제 인생 최초의 교통 설계 과제를 내주셨죠. 다리가 부러진 친척을 위해 비행 신발을 디자인해달라는 부탁이었어요. 할머니와 함께 친척을 방문할 때마다 저는 디자인 스케치를 들고 가서 다양한 작동 원리를 장황하게 설명하곤 했답니다. 그 과정이 정말 즐거워서 친척의 다리가 다 나은 후에도 여러 아이디어를 계속 발전시킬 정도였죠. 여러 해가 지나도 자동차와 디자인에 대한 관심은 줄어들기는커녕 더 커지기만 했어요. 하지만 앞날이 순탄하지만은 않았죠. 제가 살던 나라에는 자동차 회사도 없고, 교육받을 만한 변변한 기관도 없었거든요. 제가 아트센터디자인대학(Art Center College of Design)에서 제대로 운송 디자인을 공부할 수 있었던 건 큰 행운이었어요. 2014년에 졸업하면서 바로 자동차 디자이너가 되어 일을 시작했죠. Hello my name is Berk Erner. I am a senior exterior designer at Kia Design Center America located in Irvine, California. I joined Kia’s design team in 2018 and had the pleasure of working on various projects. Latest project I contributed to was Concept EV9, which was introduced at the Los Angeles Auto Show in 2021. I've always been a car enthusiast since I knew myself. My adventure as a car designer actually started on the floor of our house without even realizing it. I'm the only child in our family, and when I came back from elementary school and was bored by myself, I would sit on the floor and draw for hours. Sheer simplicity of drawing is also the absolute bliss of it. A blank sheet of paper is a gateway to infinite fun, as long as you don’t run out of pen or paper. I loved to sit on the floor, tune in my favorite cartoons on the TV, and draw cars for hours. One of these days I think I was 8 or 9 years old, my father came into the room and said, “You always draw cars. Why don't you become a car designer?" and he explained to me what car designers do. I was smitten in my mind! If there is such a profession, I should definitely do it! Since that day, whenever I have been asked, I have said, “I will be a car designer”. Right around this time I got my first transportation design assignment from my grandmother. She asked me to design flying shoes for a relative of ours who had a broken leg. Every time we visited her, I would take my design sketches with me and explain at length different working principles. I really enjoyed the process, even so that I continued developing ideas even after the broken leg healed. Over the years, my interest in cars and design has never diminished, but rather increased. However the road ahead was not straightforward, as the country I was living in had no car companies, nor any source of education in the field. Luckily, with good guidance I was able to study transportation design at Art Center College of Design. Upon my graduation in 2014, I started working professionally as a car designer.
경계 없는 시퀀스
조경가 정영선 Boundless Sequence — Youngsun Jung, Landscape Architect
《기아 디자인 매거진》은 한국 1세대 여성 조경가 정영선을 만났습니다. 경관을 세밀하게 고려하는 조경은 사람이 공간을 받아들이는 모빌리티, 시간과 공간을 구성하는 시퀀스와 맞닿아 있었습니다. 정영선 조경가가 말하는 한국의 경관 미학과 근대 미학자 고유섭의 생각을 겹쳐보며 '오퍼짓 유나이티드Opposites United'의 갈래를 여럿으로 펼쳐봅니다. 정영선은 한국의 조경 설계 분야를 개척한 인물이다. 서구에서 시작한 조경의 개념을 한국의 국토와 경관에 맞게 정착시켰다. 인위적이지 않고 자연 그대로의 모습을 표현하는 정영선의 조경 작업은 한국 경관 미학의 전통적인 맥락을 이어간다. 1941년 태어난 그는 1964년 서울대학교 농과대학 농학과를 졸업하고 1975년 서울대학교 환경대학원 조경학과를 1기로 졸업했다. 이후 청주대 교수를 지내다 1987년 조경설계 서안을 설립했다. 최근에는 서울대학교 농업생명과학대학 석좌교수로 후학을 양성했다. 국내에서 조경 설계 분야에 대한 사회적 인식이 부족했던 시기에 아시아선수촌아파트, 예술의 전당, 호암미술관 전통정원 희원, 인천국제공항, 선유도공원, 청계광장 및 청계천 복원 사업 제1공구, 광화문광장, 여의도 샛강 생태공원, 화성 현대차 롤링힐스호텔, 제주 오설록 티뮤지엄, 원 다르마 뉴욕, 아모레퍼시픽 신사옥, 서울식물원, 경춘선 숲길 등 굵직한 프로젝트의 조경을 설계했다. 특히 빗물하수처리장을 재활용한 선유도공원 프로젝트는 전 국민에게 조경에 대한 인식을 새롭게 각인시켰다. 선유도공원은 미국조경가협회와 세계조경가협회에서 수상했으며, 뉴욕의 원 다르마 센터는 미국건축가협회에서 수상했다. 청계천 복원 사업과 서울식물원 또한 세계조경가협회에서 수상한 바 있다. 《Kia Design Magazine》 met Youngsun Jung, a first-generation female landscape architect in Korea. The landscaping that considers the landscape in detail was in contact with the mobility of people accepting the space, and the sequence that composes time and space. By overlapping the views of Korean landscape aesthetics and the modern aestheticist Yu-seop Ko, landscape architect Youngsun Jung spreads out the branches of OU. Youngsun Jung is a pioneer in the field of landscape design in Korea. As a matter of fact, she established the concept of landscaping, which has its roots in the West, to suit the land and landscape of Korea. Jung’s landscaping work expresses natural and non-artificial conditions, continuing on with the traditional context of Korean landscape aesthetics. Born in 1941, Jung graduated from Seoul National University’s Department of Agricultural Science in 1964, and was one of the first graduates from the Department of Landscape Architecture at the same university’s Graduate School of Environmental Studies in 1975. Later, she worked as a professor at Cheongju University before founding Seo-Ahn Total Landscape Design & Consulting Group in 1987. Most recently, she mentored students as a professor at Seoul National University’s College of Agriculture and Life Sciences. At a time when there was a lack of social awareness about the field of landscape design, Jung designed landscapes for major projects, including Asia Seonsuchon Apartment, the Seoul Arts Center, Hee Won (a traditional Korean garden at the Ho-Am Art Museum), Incheon International Airport, Seonyudo Park, Cheonggye Square, Cheonggyecheon Restoration Project Section 1, Gwanghwamun Square, Yeouido Saetgang Ecological Park, Rolling Hills Hotel in Hwaseong, Jeju Osulloc Tea Museum, Won Dharma Center in New York, Amorepacific Group’s new headquarters, Seoul Botanic Park, and Gyeongchun Line Forest Trail. The Seonyudo Park project, which was built by recycling a lot of the previous materials of the former sewage treatment plant, had a particularly important impact on making Koreans newly aware of the power of landscaping. Over the years, Jung has won several awards from notable groups worldwide, including the American Society of Landscape Architects and the International Federation of Landscape Architects (IFLA) for her work on Seonyudo Park, and the American Institute of Architects (AIA) for her work on the Won Dharma Center in New York. Jung’s contribution to Seoul’s Cheonggyecheon Restoration Project and Seoul Botanic Park also won awards from the IFLA.
고음악과 현대음악,
그 경계를 넘어서 Beyond the Border Between Early and Contemporary Music
고음악 스페셜리스트 김선아와 현대음악 작곡가 겸 지휘자인 최재혁의 인터뷰를 살펴보며 '오퍼짓 유나이티드Opposites United'에 대한 새로운 인사이트를 발굴해보세요. 한국의 대표적인 고음악 지휘자. 연세대학교에서 오르간을 전공하고 독일 뒤셀도르프 국립음악대학에서 교회음악과 합창지휘를 전공했다. 2005년 바흐솔리스텐서울, 2007년 콜레기움보칼레서울을 창단했다. 현재 콜레기움보칼레서울의 지휘자, 콜레기움무지쿰서울의 음악감독으로 활약하고 있으며, 2022년 1월 부천시립합창단의 상임지휘자로 취임했다. 현대음악 작곡가 겸 지휘자. 2017년 제네바 국제 콩쿠르 작곡 부문에서 역대 최연소로 우승했고, 2018년 루체른 페스티벌을 계기로 국제무대에서 지휘자로 데뷔했다. 뉴욕 줄리어드 음악원 작곡과에서 학사와 석사를 마치고 현재 베를린의 바렌보임-사이드 아카데미에서 학업을 이어가고 있다. 2022년 더하우스콘서트 상주음악단체로 선정된 현대음악단체 앙상블블랭크의 예술감독이다. 클래식 애호가의 취향은 다양합니다. 특히 고음악과 현대음악을 즐겨 듣는 애호가도 적지 않지요. 작곡가가 살았던 그 시대의 악기와 연주법으로 정통성을 추구하는 고음악과 지금 이 시대에 만들어지는 현대음악은 마치 대척점에 있는 것처럼 보일 수 있어요. 하지만 음악이란 예술 안에서 서로 맞닿아 있답니다. 국내 대표적인 고음악 지휘자 중 한 명으로 현재 부천시립합창단의 상임지휘자를 맡고 있는 김선아와 현대음악 작곡가 겸 지휘자, 그리고 앙상블블랭크의 음악감독을 맡고 있는 최재혁을 만났습니다. 고음악과 현대음악, 오래된 것과 새로운 것, 그리고 이를 뛰어넘는 예술, 각각 자신의 위치에서 꿈꾸는 무대에 대한 이야기를 청해보았습니다. Below content is answers of Sun-Ah and Jaehyuck from each common question that the interview had. Please take bits and pieces of insights that you can grab. Kim is currently the conductor for Collegium Vocale Seoul, and musical director for Collegium Musicum Seoul. She took office as the principal conductor for the Bucheon Civic Chorale in January 2022. Today, Choi is the artistic director of the ensemble blank, which was selected for an artist-in-residence by The House Concert in 2022. Classical music lovers have various tastes. One type of classical music lover is someone who enjoys listening to early and contemporary music. Early music that pursues authenticity through its instruments and playing techniques of the time when the composer was still alive and contemporary music that is created today may seem as if they are complete opposites. However, the two are in fact connected with each other through an art called music. We sat down with Sun-Ah Kim, one of Korea's leading early music conductors and the principal conductor of the Bucheon Civic Chorale, and Jaehyuck Choi, a contemporary music composer and conductor who serves as the artistic director of the ensemble blank. They talked about early music and contemporary music, the old and the new, art beyond the two of them, and the stage that they dream of performing on one day.
뒤집힌, 거스르는,
끝나지 않는 Upside-down, Rebellious, Endless
“거꾸로 된 이미지는 더 잘 보인다. 곧바로 보는 이의 눈을 향한다.” 캔버스 속에 사람이 거꾸로 서 있다. 제 얼굴을 옆으로 기울여 작품을 보려는 관람객이 더러 눈에 띈다. 평소에 알던 중력을 벗어난 그림을 제대로 보기 위해 뒤집힌 그림 앞을 오랜 시간 떠나지 못한다. 그림의 크기 또한 보는 이를 압도한다. 표면에는 두껍고 거친 물감의 질감이 고스란히 드러난다. 역동적이고 묘한 감정이 일렁인다. ‘거꾸로 걸린 그림’의 작가는 게오르그 바젤리츠Georg Baselitz. 1938년생으로 ‘독일 현대미술의 거장’, ‘현대 회화의 살아있는 신화’로 불리는 페인터다. 지난해 10월부터 올 3월까지 프랑스 파리 퐁피두센터에서 열린 《바젤리츠 - 회고전》은 지난 60여 년 간의 필력을 쏟아부은 걸작을 총망라하며 작가에게도 큰 분기점이 될 중요한 전시였다. 퐁피두센터의 관장을 역임한 베르나르 블리스텐Bernard Blistène이 바젤리츠와 긴밀하게 소통하며 몸소 큐레이팅을 맡아 화제가 됐다. 1960년대 초반의 〈대혼란 선언(Pandemonium Manifesto)〉 연작부터 거꾸로 된 모티프가 처음으로 등장하는 1969년 이후의 〈영웅들(Heroes)〉과 〈분열들(Fractures)〉 연작에 이르기까지, 작가가 시도했던 회화적 실험이 풍성한 향연을 펼친다. 더불어 그의 〈러시안 페인팅Russian Paingting〉 연작과 자기반성적 작업인 〈리믹스 앤 타임Remix and Time〉도 빼놓을 수 없다. 이번 전시는 퐁피두센터의 갤러리1 공간 전체를 사용하며 총 11개의 섹션을 가질 만큼 웅장하게 구성됐다. 《아방가르드의 발견»으로 시작해 《경험의 자화상》, 《추락하는 영웅들》, 《분열된 이미지》, 《뒤집힌 이미지》, 《추상과 구상 사이》, 《추상 너머》, 《시대정신》, 《기억의 공간》, 《‘러시안 페인팅’부터 ‘리믹스’까지》, 《무엇이 남았나》로 긴 여정은 끝을 맺는다. 바젤리츠의 초기부터 현재까지 연대순으로 구성해 단조롭게 느껴질 수 있지만 매 시기 강렬한 작품을 선보인 바젤리츠의 회고전이라면 가히 해봄직한 구성이다. 페인팅뿐 아니라 인물 조각, 드로잉에 이르는 주요 작품을 선별해 60년에 이르는 작업 과정을 빠짐없이 공개했다. “기억을 회화로 다시 그려내는 일은 과연 가능할까?” “회화의 기법과 모티프는 어떻게 변해왔을까?” “미술사에서 미학적인 형식은 어떻게 발전해왔을까?” “20세기와 21세기의 정치미학적 체제는 예술의 형식주의에 어떤 영향을 주었을까?” 등 일련의 전시 흐름은 전후 독일에서 예술가로서 고민했던 화두를 고스란히 보여준다. 한 작가의 작품을 이렇게 다양한 카테고리로 바라볼 수 있다는 사실만으로도 바젤리츠라는 인물이 겪은 예술의 여정이 얼마나 다채롭고, 또한 헌신적이었는지 충분히 짐작할 수 있다. 이 거대한 전시를 한 편의 글로 다루기엔 불가능하기에, 바젤리츠의 가장 유명하고 오래된 모티프가 나타나는 《뒤집힌 이미지》를 통해 작가가 제안하는 매력적인 철학에 집중하는 기회를 가질까 한다. "An object painted upside down is suitable for painting because it is unsuitable as an object.” A person is standing upside down on the canvas. Some viewers lean their faces to the side to look at the work. In order to get a proper look at a painting that breaks away from the usual plane of perspective, viewers cannot leave the upside-down painting for very long. The size of the picture also overwhelms them. The texture of thick, rough paint—which is both dynamic and strangely emotional—is well exposed on the surface. This “painting [seemingly] hung upside down” is by Georg Baselitz. Born in 1938, Baselitz is one of the most celebrated contemporary German artists, and a living legend of contemporary painting. Held at the Centre Pompidou in Paris from October 2021 to March 2022, Baselitz – The retrospective was an important exhibition that marked a significant turning point for the artist, and covered many of his masterpieces from the past six decades. It made headlines as Bernard Blistène, who served as the director of the Centre Pompidou’s Musée national d’Art moderne until 2021, closely communicated with Baselitz and personally curated the exhibition. From his initial paintings to the Pandemonium Manifesto of the early 1960s, the Heroes series and the Fractures series of upside-down motifs begun in 1969, the exhibition also showcased successive ensembles of works in which Baselitz experimented with new pictorial techniques. In addition, the exhibition featured his Russian Paintings series and two of his self-reflective works, Remix and Time. This exhibition was grandly organized and made use of the entire space at Centre Pompidou’s Gallery 1, featuring 11 sections in total. Starting with “Discovering the avant-gardes,” the exhibition revealed a long journey along “Self-portraits of an experience,” “Fallen Heroes,” “Fractured images,” “Reversing the image,” “Between abstraction and figuration,” “Beyond abstraction,” "Zeitgeist," “The space of memories,” “From the ‘Russian Pictures’ to ‘Remix’,” and ends with “What remains.” To some, this may seem monotonous, as the exhibition is presented in chronological order, from Baselitz’s early days to the present day, yet it is worth doing for someone who has so many powerful works in each period of his artistic activities. On top of his paintings, the exhibition also displayed other major works—from sculptures of human figures to drawings—all of which were selected to allow the public unfettered access to the artist’s work process over the last 60 years. The course of the exhibition is a testament to the complexity of life as an artist in post-war Germany, and reveal his endless line of questions concerning the possibilities of representing his memories, variations in technique and traditional motifs of painting, aesthetic forms developed over the course of art history, and the formalisms dictated and conveyed by the various political and aesthetic regimes of the 20th and 21st centuries. The fact that one artist’s work can be viewed in such a variety of categories shows just how diverse and devoted Baselitz’s artistic journey has been. As it is impossible to cover this colossal exhibition in one article, I would like to take this opportunity to focus on the enticing philosophy the artist proposes through the “Reversing the image” section in which Baselitz’s most famous and oldest motif appears.
외장 디자이너 정한.
그의 다양한 이야기를 들어봅니다. Meet Han Jeong.
저는 미래상품디자인팀에서 익스테리어 디자인을 담당하는 책임연구원 정한입니다. 저희 팀은 디자인 개발 선행 단계에서 다양한 시도를 통해 자동차 디자인의 새로운 패러다임을 연구하고 있어요. 기아디자인센터는 제 첫 커리어를 시작한 곳이에요. 2009년 입사해 지금까지 인테리어와 익스테리어의 양산 업무를 맡아왔죠. 현재는 선행 업무를 주로 하고 있습니다. 어린 시절 그림 그리기와 이것저것 만들기를 좋아했어요. 디자이너라는 단어의 뜻도 몰랐는데 디자이너가 되겠다는 꿈을 꾼 것 같아요. 자동차 디자이너가 된 건 자연스럽게 흘러오게 된 결과라고 생각해요. 대학교에 다닐 때 친구 따라 자동차 디자인 동아리에 가입한 게 시작이었어요. 작은 골방에 붙어 있던 자동차 스케치를 마주하고 매력에 빠져들었죠. 열정 넘치는 사람들과 함께 꿈을 키웠는데, 지금 그들과 같은 회사에 다니고 있다는 점은 다시 생각해봐도 무척 신기해요. EV6 초기 디자인에 참여했을 때가 생각나네요. 저를 포함해 책임급 디자이너 두 명과 팀장급 한 명 그리고 헤드 디자이너까지 총 네 명으로 구성된 소규모 TFT팀이 갑자기 만들어졌어요. 독일로 출장을 갔는데, 출발 3일 전에 통보를 받았답니다. 당시 헤드 디자이너였던 루크 동커볼케 부사장님이 저희를 데리고 독일의 작은 스튜디오에서 디자인을 진행했는데요. 마치 대학 시절 동아리 활동을 하듯 그 과정이 재미있고 신선했어요. 최종 결정권자와 실무자가 같은 공간에서 일하다 보니 커뮤니케이션이 매우 신속하게 이루어졌어요. 보고가 아니라 디자인을 보여드리고 질문과 답변을 주고받는 식이었죠. 피드백이 빠르다 보니 백지상태에서도 조금씩 이미지를 만들 수 있었어요. 일주일이란 짧은 기한에 스케치부터 3D 모델까지 완성했어요. 특히 작업 방식뿐 아니라 함께 했던 멤버들의 에너지가 대단했죠. 창조에 대한 두려움이 전혀 없었어요. 이런 상황을 즐기면서 외장 디자이너로서 지녀야 할 주요한 태도를 배웠고 크게 성장할 수 있었습니다. 4개월 간의 짧은 프로젝트였지만 제가 기아디자인센터에서 참여한 프로젝트 중 가장 기억에 남아요. My name is Han Jeong. I’m a senior designer in charge of exterior design with the Future Product Design Team. Our team is working on a new paradigm of automobile design through various attempts at the pre-design development phase. I started my career at the Kia Design Center after joining the company in 2009. Up until now I’ve been in charge of the mass production of interior and exterior design. At present I mainly do pre-design work. When I was a child, I liked to draw and make things. I didn’t even know the meaning of the word “designer,” but I think I had a dream of becoming a designer. It was a natural outcome for me to become a car designer. When I was in university, I joined a car design club with a friend of mine. I fell in love with all the car sketches that were attached to the small club room. I nurtured my dream with passionate people, and it’s amazing that I’m now working for the same company as some of them. I remember being involved in the early design of the EV6. A small TFT of four people was rapidly created that included two senior designers (including myself), one team leader, and a head designer. Our team went on a business trip to Germany, and we were only informed of this trip three days before departure. Hyundai Motor Group’s Luc Donckerwolke, who was our head designer at the time, led us to a small studio in Germany to carry out some design work. The process was interesting and refreshing—almost like I was at my club back in university. Communication took place very quickly, as the final decision maker and working-level designers worked in the same space. Rather than preparing a report to the boss, we had a question-and-answer session on designs. The feedback was fast, so we were able to create design images little by little, even from scratch sometimes. Our team started the sketches and completed a 3D model within a short amount of time—about a week, all said and done. In particular, it wasn’t only the way we worked that was special; the energy of the team members was amazing. We had no fear of creation. While I really enjoyed that experience, I also learned a lot about the key attitude I should have as an exterior designer, and was able to grow quite a bit. It was a short project that lasted only four months, but it’s been the most memorable project I’ve taken part in at the Kia Design Center.
'너 없는 나’도 없고,
‘나 없는 너’도 없는 No “Me Without You” and No “You Without Me” — Jeonghwa Choi, Artist
이번 이슈에서는 기아의 디자인 철학인 ‘오퍼짓 유나이티드Opposites United’와 놀랄 만큼 유사한 결로 자신의 예술 작업을 오랫동안 진행하며 대중의 마음을 끌어들인 아티스트를 만나보았습니다. 세계 곳곳에서 숱한 러브콜을 받는 최정화 작가가 그 주인공입니다. 극과 극이 통하고 대립이 일치하는 조화가 곧 예술이며, 이는 일상과 삶에서 시작한다는 그의 생각을 필름에 담아보았습니다. 한국을 대표하는 설치미술가. 1961년생으로 홍익대학교에서 회화를 전공했다. 1987년 28살 학생 신분으로 중앙미술대전에서 대상을 수상했으나 당시 유행하는 기법을 변형해 손쉽게 상을 받았다고 생각해 전통적인 미술에 대한 회의가 들어 졸업 후 돌연 인테리어 회사에 취직했다. 1989년 가슴시각개발연구소를 설립해 그래픽, 영화, 무대, 인테리어 등 다양한 디자인 영역에서 활동하면서 동시에 일상생활에서 흔히 보이는 물건들을 수집하고 서로 결합해 예술품으로 승화시키는 일에 몰두해왔다. 청담동의 상업 공간 인테리어, 영화 〈복수는 나의 것〉 미술 감독, 무용가 안은미의 무대 디자인, 각종 글로벌 갈라 파티 연출까지 전방위적인 활동을 보였고 지난 2018년에는 평창동계패럴림픽 개·폐막식 미술 감독을 맡았다. 2005년 세계 최고의 미술 행사인 베니스 비엔날레 국제미술전 한국관 작가로 참여했고, 같은 해 일민예술상을 받았다. 2006년 일민미술관에서 치른 개인전으로 한국문화예술위원회가 수여하는 ‘올해의 예술상’의 주인공이 됐다. 한국의 대표 중진 작가를 뽑아 신작을 의뢰하는 ‘MMCA 현대차 시리즈’에 선정되어 2018년 국립현대미술관에서 대규모 개인전을 열었다. 해외 유수의 뮤지엄 전시와 국제 비엔날레에 가장 자주 호출되는 한국 작가 중 한 명이다. 최정화의 사부는 시장이다. 그리고 진짜 사부는 아줌마다. 1964년 지은 오래된 양옥에 자리 잡은 작업실 문을 열고 나가면 거대한 시장이 펼쳐진다. 길가에는 조명, 전선, 케이블 가게가 빽빽이 들어찼고, 길 하나만 건너면 광장시장, 방산시장, 동대문시장이 손짓한다. 좁고 좁은 시장 바닥에서 아줌마가 공간을 운용하는 방법을 통해 설치를 배운 그는 아이디어가 떨어지면 시장을 돌아다니며 사부님의 찐한 노하우를 습득한다. 눈보다 가슴으로 볼 때 더 깊이 볼 수 있고, 귀보다 가슴으로 들을 때 더 넓게 들을 수 있다고 믿으며 30년 전 가슴시각개발연구소를 설립했고, 이젠 넓은 서울 바닥에서 사부님들을 지척에서 모시고 사는 작은 신전으로 만들었다. 사부님이 일상의 미학을 발휘하던 소쿠리, 밥그릇, 냄비 등의 주방용품은 쌓이고 또 쌓이며 거대한 설치물로 바뀌었다. 사부의 삶이 예술이고, 사부의 예술이 삶이었기 때문이다. In this issue, we will meet an artist who has been creating art through an artistic philosophy that is amazingly similar to Kia’s design philosophy—“Opposites United”— for quite some time, winning over the hearts of the general public along the way. Jeonghwa Choi has received a great deal of attention from all over the world. For Choi, he believes that extremes do meet and harmony between opposites does become art, and that such art begins with day-to-day life and life itself. Born in 1961 and earning a BA in Painting from Hongik University, Jeonghwa Choi is one of Korea’s leading installation artists. In 1987, he won the grand prize at the JoongAng FineArts Prize art competition as a 28-year-old student. In his opinion, he was easily able to win the prize by transforming popular techniques at the time, and he felt skeptical about traditional art. Then, he got a job at an interior design company right after graduation. In 1989, he founded Gasum Visual development Laboratory. Since then, he has worked in various design areas that include graphics, movies, stages, and interior design, while at the same time focusing on collecting objects commonly seen in everyday life and combining them with one another to sublimate them into artworks. Choi has consistently shown immense talent in a wide range of activities. For example, he has designed commercial structures in Cheongdam-dong, worked and the production designer the Korean film Sympathy for Mr. Vengeance, was responsible for the dancer Eun-Me Ahn’s stage design, and has organized various international gala parties. In 2018, he was the art director of the opening and closing ceremonies at the Winter Paralympics in Pyeongchang. In 2005, he participated as an artist for the Korean Pavilion at the Venice Biennale, one of the world’s most acclaimed art events, and received the Ilmin Art Award that same year. For his solo exhibition held at Ilmin Museum of Art in 2006, he won the Arts Council Korea’s Arts Award of the Year. Later, he was selected for the MMCA Hyundai Motor Series, which selects top Korean artists and commissions them to create new works. He then held a large-scale solo exhibition at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, in 2018. Choi is one of the most frequently invited Korean artists at leading overseas museum exhibitions and international biennales. Jeonghwa Choi’s artistic master is the market, but the real artistic masters are ajumma (married/middle-aged women). When you open the door of his studio, which is located in an old Western-style house built in 1964, a huge market unfolds. Lighting, wire, and cable shops are densely packed along the street, and when you cross the road, three markets—Gwangjang Market, Bangsan Market, and Dongdaemun Market—beckon. Years ago, he learned to create installations by studying the methods that ajumma used to manage their stalls in such a narrow marketplace. Even today he travels around markets when he runs out of ideas so that he can acquire the down-to-earth know-how which only these real “masters” possess. Choi founded Gasum Visual development Laboratory 30 years ago under the belief that one’s heart can see deeper than the eyes and hear more sensitively than the ears, and now the studio has become a small temple, with many masters living nearby. Kitchenware such as baskets, rice bowls, and pots, which the masters use to demonstrate their daily aesthetics, are piled up, one on top of the other, and thus turned into huge installations. This is because the life of these ajumma masters is art, and their art is life.
안녕하세요.
저희는 줄리앙 팜숑과 레슬리 라우입니다. Meet Julien Famchon & Leslie Lau.
안녕하세요. 저는 기아 유럽 디자인센터의 디자인 전략 부서에서 크리에이티브 매니저를 맡고 있는 줄리앙 팜숑입니다. 저는 기아 유럽 디자인센터에서 수석 외관 디자이너로 일하는 레슬리 라우입니다. 기아가 선보이는 새로운 디자인 철학인 Opposites United는 총 5개의 기둥이 뒷받침하고 있어요. 각 기둥은 ‘자연과 조화되는 대담함(Bold for Nature)’, ‘이유 있는 즐거운 경험(Joy for Reason)’, ‘미래를 향한 혁신적 시도(Power to Progress)’, 인간의 삶을 위한 기술(Technology for Life)’, 평온 속의 긴장감(Tension for Serenity)으로 구성되어 있죠. 저희는 우선 언어 표현에 있어 서로 반대되는 단어를 사용하고 긴장을 유발해 디자인에 개성과 독창성을 부여하려고 했어요. 단어에서 비롯되는 내러티브를 만들고, 이를 뒷받침하는 말과 음악, 영상을 통해 이야기를 전달하는 게 핵심 목표였습니다. 이야기를 개발하면서 동시에 이미지와 음악을 수집하고, 이야기를 시각적으로 전달하는 데 도움이 되는 영상 클립을 찾았어요. 각 기둥의 의미뿐 아니라, 감정까지 전달할 수 있도록 모든 영상을 신중하게 선택했어요. 가장 중요한 부분은 역시 Opposites United라는 콘셉트를 적극적으로 활용하는 것이었죠. 특히 대립을 통해 조성되는 긴장을 적절하고 의미 있게 사용할 수 있는 창의적인 긴장감으로 간주했어요. 이를 통해 서로 반대되는 요소를 효과적으로 활용했습니다. 물질적인 상태, 형태 및 색상에서 반대되는 것들을 꼽을 수 있어요. 구체적인 예를 들어볼게요. 저희는 바위처럼 단일한 재료에서 양극적인 두 가지 상태를 보여주고 싶었어요. 바위는 차갑고 어두우며 단단하지만, 용암은 완전히 정반대의 성질을 가지고 있죠. 뜨겁고 유동적이며 밝게 빛나는 모습은 마치 살아있는 것처럼 보여요. 이렇게 극도로 높은 열과 압력을 통해 극명하게 대조되는 두 가지 상태가 조합되어 궁극적으로 세 번째 고유한 요소인 다이아몬드와 같은 결정체를 형성하는 게 주요한 아이디어였죠. Hello everyone, my name is Julien Famchon and I’m a creative manager of the design strategy department of Kia Europe Design Center. Hi, I’m Leslie Lau. I’m a senior exterior designer at Kia Europe Design Center. Kia’s new design philosophy “Opposites United” is supported by 5 pillars. Each of them is called “Bold for Nature,” “Joy for Reason,” “Power to Progress,” “Technology for Life,” and “Tension for Serenity.” The phrases we used are in opposition to each other. Accordingly, they create a tension that gives our designs character and originality. From these phrases, we created a narrative and from this narrative, we tell a story using words, music, and film. At the same time, as we developed the story, we were also gathering images, and music, and finding movie clips that we felt could help tell our story visually. Each of the visuals was carefully selected to communicate. Not only the meaning of each pillar but also the emotion. So we started with our concept “Opposites United” which was the main idea that forms the basis of our new design identity. It’s about the tension that’s created when two things oppose each other. We saw this as a creative tension that we can use to create things relevant and meaningful. Opposites in material states, form, texture, and color. For example, a “rock” is a single material but it also has two extreme states. Rock is cold, dark, and hard; whereas lava is the complete opposite – hot, fluid, and incandescent; it flows and seems alive. Therefore, “rock” already has its opposition within itself. So the core idea was to show through extreme heat and extreme pressure, that the combination of these two starkly contrasting states come together to form a third unique element – a crystal, like a diamond – something entirely different.
세상에 없던 공간 A Non-existent Space in the World
오퍼짓 유나이티드 Opposites United
생각의 경로를 여는
모뉴먼트 From DI Monuments
to New Ways of Thinking
격년마다 열리는 ‘광주디자인비엔날레’. 올해의 주제는 ‘d-Revolution’이었다. 디자인의 혁신성을 강조하겠다는 확고한 취지가 제목에 선명하게 드러난다. 거의 모든 관을 샅샅이 돌고 마주친 기아의 부스는 강렬했다. 다른 부스와는 달리 메탈릭한 소재로 공간의 벽면, 기둥까지 원래 장소를 다른 장소로 탈바꿈하는 적극적인 설치를 선보였다. 공간 구성을 하기에 여간 난해한 것이 아닌 비엔날레관을 이렇게 바꿔놓을 수 있다니, 과연 과감한 선택이었다. 전시 공간에는 기아디자인센터의 아이덴티티 영상뿐만 아니라 미디어 설치까지, 쿨하고 세심하게 고려한 전시 요소들이 관객을 기다리고 있었다. 자동차의 실물을 전시해 보여주는 대신, 기아의 새로운 디자인 철학인 ‘오퍼짓 유나이티드Opposites United(이하 OU)’와 ‘다섯 개의 기둥(5 Pillars)’이 전면으로 드러나 있었다. 디자인비엔날레에 참여하는 당위가 그 어느 부스보다 확고해 보였고, 미디어월, 모니터 속의 영상, 디자인 아이덴티티 모뉴먼트(DI Monument)까지 풍부한 시각 자료가 돋보였다. 공간이나 조형물 자체에 사용한 소재의 대부분은 반사가 되는 메탈릭한 소재와 미러, 그리고 반대편에서 투과되는 하프 미러다. 가까운 미래에 기술 문명 시대의 완전한 진보를 상징하는 영화 속 세트 공간처럼 느껴졌다. 다루는 소재의 특성과 디자인 철학의 개연성이 있는지 궁금했다. 전시 공간 디자인을 기획한 SI 그룹의 한현수 책임은 빛을 반사하는 성질을 가진 미러 소재의 물성이 기아 디자인 철학인 OU를 상징할 수 있지 않을까 생각했다. 때로는 공간을 완전하게 분리하는 차단막의 효과를 가지면서도, 서로를 무한히 비추면서 공간에 대한 개념을 확장하는 매우 상반되는 성질을 가졌기 때문이다. 디자인 철학을 지지하는 다섯 개의 기둥은 기아가 계속 출시하는 자동차의 디자인 개념과 아주 밀접하게 연계되어 있었다. 이번에 전시된 세 가지 디자인 아이덴티티 모뉴먼트 역시 OU 및 5 Pillars와의 개연성이 무척 높아 보였다. 미디어와 결합한 일련의 조형물은 추상적이지만 역동적인 감각을 부르는 요소들이 다분했다. 나무와 메탈, 거울과 LED 패널 등 서로 쉽게 달라붙지 않는 것이 적극적으로 결합되어 있었다. 이 오브제를 기아 디자인 철학으로 읽어볼 수 있을까? The Gwangju Design Biennale is held every two years. This year’s theme was “d-Revolution” (short for “Design Revolution”). The organizer’s firm intention was to emphasize the innovativeness of design, which was clearly revealed in the biennale’s theme title. Kia’s booth, which you could find after combing through all the other exhibition areas, was intense. Unlike other venues, Kia was resolved to highlight installations that transformed the original space, including its walls and columns, into somewhere else altogether through metallic materials. It was a really bold choice for Kia to change the Biennale Hall the way they did because it was so difficult to organize the venue from an exhibitor’s perspective. At the exhibition venue, cool and meticulously selected exhibits were waiting for the audience, from the Kia Design Center’s identity video to media installations. Instead of displaying the real automobiles, Kia exposed the company’s new design philosophy “Opposites United (OU)” and “Five Pillars” at the forefront. The appropriateness of the exhibitor’s participating in the Design Biennale seemed more solid than in any other booth, while the rich visual materials, such as the media wall, the videos on the monitors and the DI monuments Kia had made themselves, really stood out. Most of the materials used in the booth or in the installations themselves were reflective metallic materials, mirrors, and half mirrors that penetrate from the other side. It felt like a movie set that symbolized the complete progress of the technological civilization in the near future. I wondered if there was a connection between the characteristics of the materials and Kia’s design philosophy. Han Hyunsoo of the Space Identity Group (SI) planned the exhibition venue design, and believed that the physical properties of mirror material that reflects light could symbolize Kia’s design philosophy, OU. This is because sometimes a mirror has the effect of serving as a barrier that completely separates spaces, but has a very contradictory property of expanding the spatial concept while reflecting each side indefinitely. The Five Pillars supporting the company’s design philosophy were very closely related to the design concept of the cars that Kia continues to release. The three design identity monuments exhibited in Gwangju also seemed to be highly associated with OU and the Five Pillars. A series of installations combined with media arts were abstract in form but had many elements that evoked dynamic sensibilities. Things that do not easily stick to each other, such as wood & metal and mirrors & LED panels, were successfully combined. This raised the question of whether these objects could be understood through Kia’s design philosophy.
시노그래퍼 여신동 Scenographer Yeo Shindong
사운드 아티스트
유리 스즈키 Sound artist
Yuri Suzuki
우리가 향유하는 물건에 대한 기억이란 결국 물건과 맺은 다양한 상호작용의 결과다. 시각적인 형태에서 오는 미감이나 소재에 따른 촉감, 특유의 향기 등이 어우러져 총체적인 경험을 완성하기 때문이다. 유리 스즈키Yuri Suzuki는 여기에, 늘 노출됐지만, 우리가 종종 간과하는 사운드 디자인의 풍부한 가능성을 이야기한다. 이를테면, 전 세계적 코로나19 위기가 도래한 2020년, 스즈키는 팬데믹의 소리를 수집하는 크라우드 소싱 프로젝트 〈지구의 소리 : 팬데믹 챕터〉를 진행했다. 세계 각지에서 봉쇄 기간 접했던 소리를 담은 파일 500여 개가 모였다. 집에서 요리하는 소리부터 구급차 사이렌 소리, 온라인 화상 미팅 연결음 등이었다. 이 소리들은 또한, 대형 지구본을 형상화한 매끄러운 검은색 구조물에 소리를 제출한 지리에 맞춰 디지털 렌더링으로 입력됐다. 사람들은 대형 지구본에 이리저리 귀를 기울이며 전 세계인이 따로 또 같이 경험한 삶의 순간을 느낄 수 있었다. 거리두기에 지친 사람에게 무엇보다 필요한 것은 연결감이었기에 이들은 세심한 청각적, 시각적 경험 디자인을 통해 개개인이 세상의 일부라는 감각을 되찾을 수 있었다. 그에게 소리는 메시지를 담은 매개체이자 솔루션, 무한한 가능성이다. 어린 시절부터 음악 애호가인 아버지와 각종 기기를 즐겨 다루는 할머니 덕에 다양한 음악이나 악기, 기계에 노출된 환경에서 자랐다. 카시오톤 같은 휴대용 키보드나 텍사스 인스트루먼츠사의 ‘스피크 앤 스펠Speak and Spell’(1978년 유럽 하계 CE 전시회에서 발표된 말하는 유아용 장난감. 단어를 입력하면 발음을 소리 내 읽어주는 교육용 장난감이었는데 당시 새로운 디지털 신호처리 체계가 최초로 적용된 혁신적인 음성 프로세싱으로 업계에서 큰 주목을 받았다.)을 줄곧 갖고 놀았고 그런 기기가 내는 원시적인 사운드에 매료되었다. 메이와덴키는 오늘의 나를 있게 한 몇 안 되는 멘토다. 그들은 아트, 디자인, 음악에 대한 방대한 지식을 가지고 있었다. 어시스턴트로 일하는 5년 동안 내게 무엇을 가르쳤다기보다 어떤 결과물을 실제로 제작하고 구현하는 것을 몸소 보여주었다. 무엇보다 그들의 비즈니스 모델이 상당히 특별했는데, 자신의 아트워크를 하면서 콘서트와 음반 제작, 머천다이징까지 진행했다. 크리에이터로서 매우 독특한 입지가 아닐 수 없다. 나 역시 이런 방식에서 영감받아 현재 하나의 카테고리에 정확히 속하지 않고 여러 분야에 걸쳐 다양한 협업으로 작업하는 방식을 선호한다. The memories of things we enjoy are the result of various interactions with those things. This is because the aesthetic sense from the visual form, the tactile sense from materials, and a unique fragrance harmonize to complete one’s overall experience. Additionally, Yuri Suzuki talks about the rich potential of sound design to which we have always been exposed to but have often overlooked. For example, when the COVID-19 pandemic broke out across the world in 2020, Suzuki conducted a crowdsourcing project called “Sound of The Earth: The Pandemic Chapter” in a bid to collect some sounds associated with the pandemic. About 500 files containing sounds people encountered during the lockdown were collected from all over the world. They included the sound of cooking at home, the sound of an ambulance siren, and the sound of an online video meeting. These sounds were mapped onto a digital rendering of the globe—a smooth black structure—based on the location in which they were captured. People listened to the large globe and could feel moments of life that people around the world had experienced both separately and together. People who are tired of social distancing needed a sense of connection more than anything else. And through tenacious auditory and visual experience design, they were able to regain their sense that individuals were part of the world. For the artist, sound is a medium with messages, solutions, and infinite possibility. Since my childhood, thanks to my father, who was a music lover, and my grandmother, who enjoyed handling a wide range of devices, I grew up in an environment exposed to a variety of music, instruments, and machines. I usually played with a portable Casiotone keyboard and a Speak and Spell from Texas Instruments, which was a talking baby toy presented at the 1978 Summer Consumer Electronics Exhibition in Europe. It was an educational toy that reads the pronunciation of a word the user enters aloud. Speak and Spell received great attention from the industry for its innovative voice processing—the first time a new digital signal processing system had been applied. I was fascinated by the primitive sound of such devices. Maywa Denki is one of the few mentors who made me who I am today. They had vast knowledge concerning art, design, and music. During my five years as an assistant, they proved, at least to me, that they could produce and implement certain results as opposed to teach me anything directly. Most of all, their business model was quite special, and while working on their art, they conducted concerts, produced records, and even sold merchandise. As a creator, it is a very unique position. Inspired by their method, I also prefer to work through various collaborations across different fields, not pigeonholing myself to one category of art.
카림에게 
Opposites United를 묻다 Ask Karim Habib
for Opposites United
가장 아끼는 차는 제가 매일 출근하는 차죠. 물론 브랜드는 기아입니다. 매일 서울에서 기아디자인센터까지 왕복 110km 거리를 왔다 갔다 해요. 그리고 가장 만들고 싶은 차 역시 지금 기아디자인센터에서 새롭게 시도하고 있는 자동차예요. 차를 매일 사용하는 동시에 그 차를 디자인하는 것은 저를 비롯한 ‘카 가이즈Car Guys’의 일상이죠. 아직 우리는 자동차를 생각하면 전형적으로 떠올리는 사물이 있어요. 하지만 자동차라고 했을 때 ‘움직이는 거실’을 떠올릴 수도 있지 않을까요? 틀에 이미 짜인 사고를 벗어나 창조적으로 접근하는 방법을 찾는 것이 우리가 자동차의 미래를 디자인하는 일이라고 생각해요. OU는 단지 시각적 은유에 그치지 않는다고 믿어요. 한 단위, 한 도시, 또는 한 국가에서도 문화적 수준과 경제적 수준의 차이에서 일어나는 대비적인 모습을 볼 수 있어요. 삶이 항상 그래왔는지도 모르지만, 어쩐지 지금이 과거보다 더 극단적으로 느껴지지 않나요? 아마도 우리가 많은 정보를 너무 잘 알고 있는 만큼, 대조와 모순을 쉴 새 없이 감지하기 때문에 그렇지 않을까 싶어요. 그래서 저는 OU가 단지 디자인의 형태에 머물지 않고, 어떤 것을 다루고, 문제를 해결하는 원리에 관한 것이며, 대비와 역설을 어떻게 받아들이는 것에 관한 내용이라고 생각해요. 이런 과정이 우리가 만들어내는 결과로 이어지길 바라고 있습니다. 무릇 도시에는 오랜 역사가 존재하고, 한편으로는 과거와 전통을 존중하지 않는 문화의 또 다른 부분이 공존하는 것 같아요. 과거에 대한 일종의 파괴적인 시각이 있다는 건 흥미로운 부분이라고 생각해요. 언젠가 경복궁에 갔을 때, 인왕산 방면을 바라보니 수백 년 전의 시대가 보였어요. 그런데 뒤를 돌아보면 1000만 명이 사는 현대적인 도시를 볼 수 있죠. 이처럼 서로 다른 차원의 사회나 문화적 양식이 공존하는 장면을 접하는 건 그 자체로 매력적인 일이라고 생각합니다. My favorite car is the one I use for commuting every day. Of course, it’s a Kia. I commute 110 km from Seoul to the Kia Namyang Design Center and back to Seoul. The car that I want to make the most is a new car that we are working on now at the Kia Design Center. Designing cars while using cars every day is day-to-day life for “car guys” like me. There are typical objects that come to mind when thinking of a car, but maybe you can imagine a moving living room. As such, I think it is our job to design the future of the car, and find a creative approach by thinking outside of the box. I believe OU is not just a visual metaphor. Even as a unit, in one city or one country there are a lot of contrasts in things that happen at the cultural level and at the economical level. I don’t know if life has always been like that, but somehow doesn’t today’s world seem more extreme than in the past? Maybe it’s because we are so aware of all things and we constantly sense contrast and contradiction. That’s why I think OU is not just about designing shapes, but about the principle of how to address something, and how to tackle a problem and to accept the contrast and the paradox. I hope this process will lead to our creations. In general, a city has a long history, and certain traditions coexist with another part of the culture that doesn’t seem to respect the past. There is kind of a destructive view towards its own past in certain ways, which I find interesting. When you are in Gyeongbokgung Palace—and if you look at Inwangsan Mountain—it reminds you of a past era from hundreds of years ago. However, when you turn around, you see this city of 10 million people. I find it really fascinating to see such a scene where different dimensions of social and cultural patterns coexist.
보편적 미지:
다섯 개의 기둥에 대해 The Universal Unknown Resting on Five Pillars
이제 우리의 질문은 ‘어떻게’로 가득 채워지고 있습니다. 어떻게 지속가능한 에너지를 만들 것인가요? 어떻게 혁신적인 기술을 활용할 것인가요? 어떻게 위기를 극복할 것인가요? 어떻게 소비할 것인가요? 어떻게 타인을 도울 것인가요? 어떻게 살아갈 것인가요? ‘어떻게’란 단지 형태와 방법에 관한 것뿐만 아니라 대상을 다루는 태도와 관점에 대한 접근이자, 사고의 원리에 관한 것입니다. 기아의 새로운 디자인 철학 ‘상반된 개념의 창의적 융합(Opposites United)’ 역시 ‘어떻게’라는 질문을 품고 출발했습니다. 고정적인 것과 유동적인 것 사이에서, 과거와 미래 사이에서 축적되는 선택과 혁신은 그것 자체로 하나의 운동성을 갖습니다. 아래 이어지는 ‘다섯 개의 기둥(5 Pillars)’은 ‘어떻게’로 시작하는 질문이 드러내는 여러 결의 예시를 보여줍니다. 자연의 아름다움과 불규칙한 조화에서 얻을 수 있는 영감은 다채롭습니다. 상반된 것들의 조합이기도 한 자연의 질서는 인간과 다른 생명체에게 필수 불가결한 조건이자, 그 자체로 역동적인 균형의 상태이기도 합니다. 이때 ‘자연과 조화되는 대담함’은 인공물이 자연 속에 놓여 있어도 기존의 조화를 방해하지 않고, 때로는 자연에 비추어 대담하게 돋보이는 상태를 일컫습니다. 자연과 경쟁하지 않고 서로 다른 특성이 어울리도록 조율하는 디자인은 ‘자연과 조화되는 대담함’을 지향합니다. 자연에 대한 존중과 감사, 그리고 자연과 더불어 사는 미래에 대한 발언입니다. 대지미술가 마이클 하이저의 〈공중에 떠 있는 돌(Levitated Mass)〉은 ‘자연과 조화되는 대담함’을 잘 보여주는 작품일지도 모릅니다. 하이저가 1969년 처음 떠올린 이 작품은 그로부터 40여 년이 지난 2006년 실행되었습니다. 그는 폭파된 바위산에서 떨어져나온 높이 6.7m, 무게 340t의 화강석을 마치 공중에 떠 있는 것처럼 전시하고자 했습니다. 채석장에서 로스앤젤레스 카운티 미술관(LACMA)으로 바위를 운송하기까지 176개의 바퀴가 달린 특수 차량이 필요했고, 170km 거리를 야밤에만 천천히 움직이는데 꼬박 11일이 걸렸습니다. 이제 사람들은 거대한 바위 밑을 지나다니며, 바위의 존재를 각자 상상하는 중력으로 감각합니다. Now our questions are filled with “how”? How can we make sustainable energy? How can we apply innovative technology? How can we overcome crises? How can we consume goods? How can we help others? How will we continue to thrive? “How” is not just about form and procedures, but an approach and perspective to deal with the issue or target and the principle of thinking in the most sensible way possible. Kia’s new design philosophy, “Opposites United,” also started with the question of “how.” Between what is fixed and what is flexible, the choices and innovations accumulated between the past and the future has a certain mobility in itself. The following five pillars highlight many examples that are revealed by questions starting with “how.” We gain much inspiration from nature’s natural beauty and sometimes difficult-to-understand harmony. The natural order—or the combination of opposite elements—is an essential condition for humans and other living creatures, and is a dynamic state of balance in and of itself. Kia’s “Bold for Nature” initiative also refers to the condition of an artificial object placed in nature that does not hinder the original harmony, and sometimes boldly stands out against the backdrop of nature. It is not about competing with nature, but coordinating the design so that different characteristics of design and nature can be harmonized. There is a synchronicity of existence despite their differences. This leads to designs that pursue the “Bold for Nature” principle. Above all, this is a statement that honors the future with respect and gratitude for nature and an intention to be in harmony with nature. Land artist Michael Heizer’s work Levitated Mass is a good example of “Bold for Nature.” The work, which Heizer first conceived in 1969, was carried out in 2006, almost 40 years later. He wanted to display a 340-ton, 6.7-meter-high piece of granite from the exploded rocky mountain as if it were floating in the air. Transporting the rock from the quarry to the Los Angeles County Museum of Art required a special vehicle, one with 176 wheels, and they had to drive slowly at night only for a full 11 days spanning 170 km. Now people pass under the huge rock and can sense the existence of the rock with the gravity they intuitively imagine.
반대, 경계, 통합
그리고 그 너머 Opposites, Boundaries,
Unity & Beyond
매니페스토 영상
비하인드 스토리 The Story behind the Films
on OU and the Five Pillars
인지과학자 김상균 Sangkyun Kim, Cognitive Scientist
2021년의 주요 키워드를 꼽자면 단연 메타버스를 빼놓을 수 없을 테다. 아이돌 그룹 멤버들은 아바타로 팬들과 소통하고, 기업들은 Z세대 고객을 만나기 위해 ‘제페토’에서 쇼룸을 연다. 현실 세계의 무대를 가상 세계로 옮겨놓은 수준으로 보이기도 하지만, 그러기에는 변화의 속도가 매우 빠르다. 앞으로는 훨씬 더 다양한 분야에서 가상 세계가 활용될 전망이다. 지난해 가상세계에 대한 분석과 인사이트를 담은 책 『메타버스』를 쓴 김상균 강원대학교 교수는 메타버스가 ‘젊은 세대의 네이티브 언어’라고 말한다. 가상 세계와 현실 세계의 틈새가 점점 좁아지는 지금, 자동차를 만드는 기업과 디자이너는 무엇을 고민해야 할지 그에게 질문을 청해보았다. 많은 사람이 새로운 기술을 받아들이기 위해서는 시간이 걸리고 고민이 필요하다. 통상 변화를 빨리 받아들이는 사람의 비율은 15%, 변화를 거부하는 사람의 비율은 85% 정도로 추정한다. 그런데 지난해 코로나19 팬데믹으로 이 85%마저 시간과 고민의 벽을 강제로 넘어야 하는 상황이 닥쳤다. 이제는 가상 공간을 사용해야만 업무를 보고, 수업을 듣고, 친구들도 만날 수 있다. 팬데믹이 장기화하며 많은 사람이 빠르게 가상 공간에 익숙해졌고, 오히려 가상공간을 활용하지 않던 과거가 불편했다고 얘기하게 됐다. 메타버스가 삶 속에 자리 잡은 것과 관련해 또 하나 주목해야 할 부분은 권력과 관계의 재구성이다. 기존에 돈과 권력을 가진 이들은 시간과 공간을 통제함으로써 권력을 행사했는데, 이러한 통제는 대부분 대면을 통해 이뤄진다. 집합금지 상황에서도 대면으로 대규모 사원 연수를 고집하는 것 등이 대표적인 예다. 하지만 권력 하위에 있는 사람일수록 메타버스의 장점을 더욱 많이 느끼게 마련이다. 내가 가르치는 학생들도 비대면 수업이 계속되자 교수를 어렵게 느끼는 게 덜해졌다고 말한다. MZ 세대가 메타버스를 선호하는 이유에는 물리적 이동을 줄이는 편리함 외에도 탈권력이 상당히 큰 부분을 차지한다. If I were to pick a keyword for 2021, I would definitely choose the word “metaverse.” K-pop group members communicate with their fans using avatars, and companies open showrooms in ZEPETO, where you can experience the virtual world with your own avatar to meet Generation Z customers. Although it seems that the stage of the real world has been moved to the virtual world, the pace of change has become very fast. In the future, the virtual world is expected to be used in much more diverse fields. Last year, Professor Sangkyun Kim of Kangwon National University wrote a book titled The Metaverse, which contains analysis and insights about the virtual world. He says the metaverse is the “native language of the young generation.” Now that the gap between the virtual and real worlds is getting narrower, we asked him what automakers and designers need to think deeply about concerning this subject. For many people to accept new technologies, it takes some time, as they need to process all of this. It is estimated that about 15 percent of people quickly adapt to these new changes, while roughly 85 percent of people reject them. However, due to the COVID pandemic last year, even those belonging to the 85 percent were forced to overcome many hurdles, such as the barriers of time and serious thoughts. Now you have to use virtual space to work, take classes, and connect to friends. As the pandemic prolonged, many people quickly got used to virtual spaces, and they even came to say it was inconvenient in the past when they had not used virtual spaces. Another thing to take note of regarding the metaverse’s position in life is the reconstruction of power and relationships. In the past, those with money and power exercised power by controlling time and space, most of which was done face-to-face. One example is a company insisting on a large-scale, offline employee training program even in situations where any gathering of more than a certain number of people is banned. However, the less power a person has, the more advantages of the metaverse they tend to feel. The students I teach also say that as non-face-to-face classes continue, they feel fewer psychological barriers about their professors. De-powering is a significant part of the reasons why Millennials and Gen Z prefer the metaverse, in addition to the convenience of reducing physical movement.
RISD 네이처랩 제니퍼 비소넷 Nature Already Has the Answer
38억 년 치 연구가 축적된 데이터가 있다. 바로 자연이다. 디자인에 영감과 근거를 주는, 이보다 더 좋은 보고가 또 있을까? 1877년 설립한 미국 최초의 예술 대학 중 하나인 로드아일랜드디자인스쿨(RISD)의 네이처랩의 생각도 그랬다. RISD의 네이처랩은 1937년 조개, 나비 등 1286개체의 자연사 컬렉션으로 시작한 이래 오늘날 8만 개가 넘는 표본을 소장하고 있다. 나노 규모에서 실물 크기의 다양한 물체와 자연 생명체의 표본을 직접 만지고 탐구하며 발견하려는 것은 결국 자연 속 디자인의 경이로움과 복잡성이다. 8년째 네이처랩의 수장으로 연구를 이끌어가는 제니퍼 비소넷Jennifer Bissonnette 교수는 말한다. “38억 년 동안 무수한 도전을 받으며 발달한 산물인 자연계에는 우리가 생각해낼 수 있는 그 어떤 디자인도 이미 존재한다고 볼 수 있습니다.” 생물학과 해양 과학을 전공한 과학도 출신의 이 디자인 연구자는 자연의 생체모방 원리를 인간의 주거 환경과 일상, 문화에 적용하는 방법에 주목해왔다. 그는 이러한 디자인을 통해 우리가 직면한 문제를 해결할 뿐 아니라, 훨씬 더 나은 삶의 방식을 발견함으로써 지속가능한 공존을 모색할 수 있다고 믿는다. 이곳은 지속가능하고 생체친화적인 디자인 원칙을 선보여 생체 모방에 대한 영감과 지역 생태계 내에서 우리 인간의 위치 감각을 상기시키는 공간이다. 자연 시스템의 작동 방식을 이해하고 이를 디자인에 활용하는 게 목적이다. 이를테면, 이곳에는 3개의 다른 아쿠아포닉이 있다. 아쿠아포닉은 물고기양식과 수경재배를 융합한 기술로 물고기를 키운 물을 순환해 식물까지 키우는 양식 시스템이다. 우리는 탱크 속 물고기에게 먹이를 주고, 이들이 만드는 배설물이나 기타 찌꺼기가 다시 박테리아로 분해되어 식물이 자랄 수 있는 영양분이 담긴 구성 요소로 바뀌는 과정을 관찰할 수 있다. 이를 통해 도시 환경에서 최소한의 생태 발자국으로 식량 문제를 해결하는 디자인은 무엇인지 탐구할 수 있다. 식용 물고기를 키우는 동시에 그 물고기가 생산한 부산물을 토대로 역시 먹을 수 있는 식물을 기른다면, 도심 속 인구가 이 기둥 모양의 물탱크 하나로 식량 문제를 해결할 수 있다는 생각에 도달할 수 있다. 이런 접근법은 문제를 해결하는 방식을 고안하는 데 자연이 늘 함께한다는 개념을 심어주는 역할을 한다. Nature has accumulated 3.8 billion years of research on how to live well on this planet. Is there any better inspiration or basis for design? That is what the Nature Lab at the Rhode Island School of Design (RISD), one of the first American art schools that was established in 1877, believe. Founded in 1937 with a collection of 1,286 natural history items, RISD’s Nature Lab now houses more than 80,000 specimens, from extensive holdings of shellfish and butterfly species to a pair of black bears. While touching and exploring various objects and specimens of natural life forms in different sizes, ranging from nano-scale to life-size, what researchers are trying to discover is ultimately the wonder and complexity of design in nature. The current head of Nature Lab, Professor Jennifer Bissonnette says, “In the natural world, which has developed over 3.8 billion years of countless challenges, there are already so many more exceptional iterations of design than we could possibly come up with our own minds.” A design researcher with degrees in biology and marine science, she pays attention to how to apply the principles of biomimicry to the human built environment, daily life and culture. She says this approach to design not only offers solutions to the problems we currently face, but also suggests a much better way of life, enabling the exploration of sustainable coexistence. This place is dedicated to showcasing and fostering the principles of sustainable, biophilic design, as well as providing inspiration for applied biomimicry and a sense of our place in local ecosystems. It aims to help us understand how natural systems work and employ them in our designs. For example, we have three different types of aquaponics (a food production system that couples aquaculture with hydroponics), allowing us to observe the process in which we feed the fish in the tank and the waste of the fish is broken down by bacteria into the building blocks/nutrients plants need to grow. We can then start talking about what it means to use design to create excellent opportunities for growing food in an urban environment, and leaving a very small ecological footprint at the same time. Growing edible fish while also growing edible plants based on the by-products produced by the fish, in a very small space, can help solve the problem of providing food for urban populations such an approach provides us with an opportunity to work with nature, and create solutions to some of our most pressing problems.
새로운 기아 디자인
매니페스토 New Kia Design
Manifesto
카림 하비브와의 대화
: 꿈이자 로맨스 A Conversation with Karim Habib
: A Dream and a Romance
2021년 기아의 새로운 디자인 철학이 알려졌다. 2006년 디자인 경영에 출사표를 던지고, 이듬해 ‘직선의 단순화(The simplicity of the straight line)’를 공표한 지 15년 만이다. 모빌리티 산업에 역점을 두고 새로운 도약에 박차를 가하는 기아의 디자인 철학은 ‘상반된 개념의 창의적 융합(Opposites United, OU)’이다. 여러 번 곱씹어 생각하게 되는 만큼 그 해석 또한 무궁하다. OU의 철학을 실현하고자 하는 기아 디자인센터에는 자동차를 사랑하는 ‘카 가이즈Car Guys’가 있다. 2019년부터 이곳에서 기아의 디자인 혁신을 주도해오고 있는 카림 하비브Karim Habib 기아 디자인센터장은 “저는 말 그대로 지금 우리가 디자인하는 자동차와 사랑에 빠졌습니다”라고 당당히 고백한다. 그를 만나 개인적인 이동의 경험부터 디자인에 대한 견해까지 진솔한 이야기를 나눴다. 상반된 개념의 창의적 융합이라는 기아 디자인 철학이 비롯하게 된 친밀하고도 풍부한 힌트가 그의 생각 이곳저곳에 묻어났다. 미래에 대한 낙관주의와 기대감이 팽창하던 1960년대의 독특한 자동차들이 있듯, 차는 그 시대의 영향을 반영한다. 오늘날의 탈 것은 무엇을 반영하고 있을까? 자동차 디자이너에게 지금 가장 사랑하는 차를 묻는다면 그것은 아마도 아직 만들어지지 않은 차가 아닐까. 매일 더 나은 탈 것, 더 혁신적인 탈 것을 고민하는 이들에게 ‘작업 중인 차’ 만큼 기대되는 탈 것은 없을 것이다. 하비브에게 가장 애정하는, 동시에 만들고 싶은 차는 무엇인지 물었다. “제가 가장 아끼는 차는 제가 매일 출근하는 차죠. 물론 브랜드는 기아입니다. 매일 서울에서 남양 기아 디자인센터까지 왕복 110km 거리를 왕복해요. 그리고 역시 가장 만들고 싶은 차 역시 지금 기아 디자인센터에서 새롭게 시도하고 있는 자동차예요. 차를 매일 사용하는 동시에 그 차를 디자인하는 것은 저를 비롯한 카 가이즈의 일상이니까요. 아직 우리는 자동차 하면 전형적으로 떠올리는 사물이 있어요. 하지만 자동차라고 했을 때 ‘움직이는 거실’을 떠올려볼 수도 있지 않을까요? 이처럼 이미 틀에 짜여진 사고를 벗어나 창조적으로 접근하는 방법을 찾는 일이, 우리가 자동차의 미래를 디자인하는 일이라고 생각해요.” In 2021, Kia released its new design philosophy. 15 years passed since the company launched design management in 2006 and announced its design philosophy “The Simplicity of the Straight Line” the following year. Accelerating a new leap focusing on the mobility industry, Kia’s new design philosophy is “Opposites United (OU).” As we contemplate it over and over again, it can be interpreted in countless ways. At the Kia Design Center for realizing the philosophy are “car guys” who love automobiles. Having led Kia’s design innovation since 2019, the head of the Kia Design Center Karim Habib proudly confesses, “I literally fall in love with vehicles we are designing at the moment.” Kia Design Magazine had some honest conversation with him on various topics, ranging from personal mobility experience to his opinions about design. In his thoughts, we were able to find familiar and abundant hints regarding Kia’s design philosophy for the creative convergence of opposite concepts. Just as there were unique cars coming out in the 1960s, when optimism and expectations for the future were expanding, cars reflect the impact of an era. What do today’s vehicles reflect? If you ask a car designer about his favorite car, maybe it is a car that hasn’t been made yet. For those who think about better and more innovative vehicles every day, there is nothing more exhilarating than a car that they are currently working on. We asked what his favorite vehicle is and what kind of car he wants to make more than any other. “My favorite car is the one I use for commuting every day. Of course, it’s a Kia. I commute 110 km from Seoul to the Kia Design Center in Namyang and back to Seoul. The car that I want to make the most is a new car that we are working on now at the Kia Design Center. Designing cars while using cars every day is day-to-day life for “car guys” like me. There are typical objects that come to mind when thinking of a car, but maybe you can imagine a moving living room. As such, I think it is our job to design the future of the car, and find a creative approach by thinking outside of the box.”
지혜로운 견해 An Opinion from Wiseman
낯설고 모호하고 정의할 수 없는 한국의 힙 앰비규어스댄스컴퍼니 The Unfamiliar, Ambiguous, and Undefinable Hipness of Korea
크래프팅 플라스틱스! Crafting Plastics!
2016년 어느 패셔너블한 아이웨어 제품은 다음과 같은 문구를 내세웠다. “이 안경은 당신보다 오래 살지 않을 겁니다 (This eyewear won’t outlive you.)” 생분해성 플라스틱으로 찍어낸 안경테는 실제로 흙에 묻으면 90일 안에 자연 분해된다. 이 제품 뒤의 실험가들은 슬로바키아의 디자인 스튜디오 ‘크래프팅 플라스틱스!Crafting Plastics!’ (이하 cp!s). 막연히 지속 가능성을 이야기하는 대신, 꼭 필요한 쓰임을 마친 후 완벽하게 폐기되는 과정까지 설계하는 걸 디자인의 역할로 상정한다. cp!s의 디자인 콘셉트와 프로토타입, 디자인과 소재 개발의 중심에는 생태 시스템이 있다. 궁극적인 순환 경제로의 체제 전환을 위해 급진적인 사고방식을 일삼는 이들은 흥미롭게도 신新 플라스틱 시대에 걸맞은 ‘자연스러움’을 이야기한다. 스튜디오가 내륙 지방에 있기 때문에 생분해성 플라스틱 소재로 많이 활용되는 해조류 대신 가장 흔한 옥수수로 플라스틱을 만드는 게 무엇보다 자연스러웠다고 말하는가 하면, 3D 프린터로 뽑아낸 플라스틱 조각물에 후각을 자극하는 향을 피워 가장 자연스러운 상상력으로 새로운 플라스틱을 기억하게 만드는 식이다. 순환 경제 시대에 걸맞은 솔루션을 제안하는 cp!s는 새로운 상상력이란 과연 이성과 몽상의 양극단의 균형에서 비롯된다고 말한다. 모두 앞에 내려진 ‘멈춤’이라는 경고는 분명 지금까지와는 다른 행동 전략을 부추기고 있다. 우리는 그 어느 때보다 가장 생태적인 솔루션을 모색하고 있으며, 시스템의 탈환을 위해서는 구조적인 접근법이 필요하다는 사실을 확인했다. 디자이너로서 우리의 역할은 결국 다양한 규모와 분야에 걸쳐 생태학적인 해결책을 적용하는 여러 선택지를 제시하는 것이다. 이를 통해 산업계와 주요 행위자들이 당장 행동에 나서도록 돕는 것 말이다. 팬데믹은 갖은 고통과 절망을 안겨줬지만, 동시에 개인과 기업이 더욱더 책임 있고 사려 깊은 결정을 고민하는 계기를 마련했다고 본다. In 2016, a fashionable eyewear brand presented this slogan: “This eyewear won’t outlive you.” The frames of the glasses produced with bioplastics actually decompose naturally within 90 days when they are in industrial compost bins. The experimenters behind this product are Slovak design studio Crafting Plastics! (hereinafter “cp!s”). Instead of vaguely talking about sustainability, they assume that the role of design is to design a product, as well as the process from its necessary use to complete disposal. There is an ecological system at the center of the cp!s design concept, prototype, development of design, and materials. Interestingly, while they use a radical mindset to change the system to the ultimate circular economy, they still talk about a naturalness that is suitable for the new plastic era. For example, they say that since the studio is located in a landlocked area, it was more natural to make plastics using the most common corn instead of marine algae, which is often used as bioplastic materials. This novel approach also helps people rethink the way of how we look at plastic through their imagination by burning incense on 3D-printed bioplastic diffusers. For cp!s, which proposes solutions suitable for the era of a circular economy, they believe that new imagination comes from the balance between both extremes of reason and reverie. We have all got a “stop” sign which pushes us to rethink further steps and strategies. More, now than ever, people and companies are looking for ecological solutions. However, the pandemic confirmed to us that what is needed is a systematic approach that accelerates the change of the system as a whole. As designers, our role is, after all, to show as many options as possible to implement ecological solutions across the board, and to help navigate the industry and big players to act now. We think that behind all the pain and despair trailing in the wake of this pandemic, it has provided an opportunity to think deeply about more responsible and thoughtful decisions both with individuals and on the corporate level.

초상화의 오래된 언어로, 동시대의 새로운 언어를 그려내다 – 이목하 작가 With the Ancient Language of Portraiture, She Speaks a New Language of the Present - Lee Mokha
  • 강태성 TEAMPROS XCREW Gang Taesung TEAMPROS XCREW
  • 장호 Jang Ho

Extraordinary
기아 디자인 크리에이티브 철학 ‘오퍼짓 유나이티드 (Opposites United)’에서 제시하는 창의적 문화의 특징으로 ‘창의적 모험가 Creative Risk-Taker’와 ‘지치지 않는 혁신가 Relentless Innovator’가 있습니다.이들은 새로운 가능성을 위한 끊임없는 도전으로 자신만의 고유성과 창의성을 바탕으로  창작활동을 하는아티스트들의 스토리에서 찾아볼 수 있습니다.

Extraordinary
Kia Design’s creative philosophy, “Opposites United,” characterizes the creative culture of Kia Design’s Creative Risk-Takers and Relentless Innovators. These can be seen in the stories of our artists, who are constantly challenging themselves to create new possibilities, building on their own uniqueness and creativity.

한 사람의 얼굴에는 그가 지나온 시간이 스며 있습니다. 눈빛의 떨림, 입술의 굳음, 표정의 틈새마다 말로 다 할 수 없는 감정이 머뭅니다. 이목하는 그 순간들을 놓치지 않고 화폭 위에 옮깁니다. 그녀의 그림은 단순한 초상이 아니라, 감정의 구조를 탐구하고 인간의 내면을 재구성하는 실험적 기록이자, 우리가 공유하는 감정의 언어입니다.
이목하는 낯선 얼굴에서 이야기를 길어 올립니다. SNS 속 익명의 인물도 그녀의 손끝을 거치면 하나의 상징이 되고, 얇게 쌓아 올린 색은 시간처럼 깊어집니다. 화면 속 눈빛은 단순한 묘사를 넘어, 보는 이의 기억과 감정을 불러내는 거울이 됩니다.
그녀의 회화에는 아름다움과 불안, 따뜻함과 차가움이 함께 놓여 있습니다. 서로 다른 감정이 부딪히며 만드는 긴장 속에서 우리는 오히려 인간다운 진실을 마주하게 됩니다. 짧은 시선의 교차가 오래도록 마음에 남는 이유도 그 때문입니다. 《기아 디자인 매거진》 16호 Extraordinary는 ‘얼굴을 그린다’는 가장 오래된 행위 속에 동시대의 감각을 불어넣는 이목하의 작업을 소개합니다. 전통적인 초상화 장르를 과감하게 확장하여 익명의 초상이 어떻게 우리 모두의 감정을 비추는 예술로 확장되는지, 그녀의 캔버스에서 확인할 수 있습니다.

Every face carries traces of time.
In the trembling of the eyes, the firmness of the lips, and the quiet gaps between expressions, emotions linger that words cannot contain.
Lee Mokha captures these moments and brings them onto her canvas. Her paintings are not simple portraits but experimental records that explore the structure of emotion and reconstruct the human interior as a shared language of feeling. From unfamiliar faces she draws hidden stories. Anonymous figures from social media become symbols through her hand, and the thin layers of color accumulate like time itself. The gaze in her paintings transcends depiction, becoming a mirror that awakens memory and emotion in the viewer. Her paintings hold both beauty and unease, warmth and coolness. In the tension between these opposing emotions, we encounter a truth that feels profoundly human. The brief crossing of gazes lingers long after. Kia Design Magazine Vol.16 Extraordinary introduces the work of Lee Mokha, who breathes contemporary sensibility into the oldest act of painting the face. Through her expanded language of portraiture, we witness how the anonymous face transforms into a reflection of our collective emotion.

  • 이목하
    다름으로 세계를 항해하다
  • 낯선 얼굴에서
    다시 태어나는 초상
  • 웃음과 불안, 그리고 일상과 모순의 이중성 속
    아름다운 그림을 향한 믿음
  • Lee Mokha
    Sailing the World through Difference
  • Portraits Reborn
    from Unfamiliar Faces
  • Faith in Beautiful Painting
    Amid the Duality of Laughter and Anxiety,
    and the Contradictions of Everyday Life
Editor’s Note

이목하의 작업은 역설에서 출발합니다. 가장 오래된 회화 장르인 초상을 택했지만, 그것을 풀어내는 방식은 지금 이 순간의 언어입니다. 그녀는 SNS 속에서 낯선 얼굴을 찾고, DM이라는 사적인 통로로 관계를 시작합니다.
익명의 모델이 화폭 위에 옮겨지는 순간, 전통적인 초상화는 전혀 다른 장르로 다시 태어납니다. 겹겹이 쌓인 색은 퇴적층처럼 깊이를 이루고, 얼굴의 표정과 눈빛은 단순한 기록을 넘어 내면의 긴장을 드러냅니다. 낯선 사람을 그린다는 행위는 하나의 퍼포먼스가 되고, 회화는 ‘닮음’을 넘어서 동시대의 감정과 관계를 드러내는 장치가 됩니다.
《기아 디자인 매거진》 VOL.16 Extraordinary는 이목하가 보여주는 이 실험을 비춥니다. 가장 전통적인 형식 안에서 가장 새로운 가능성을 보여주는 그녀만의 회화 작품을.

Editor’s Note

Lee Mokha’s work begins with paradox. She chooses portraiture, the oldest genre in painting, yet interprets it through the language of the present. She finds unfamiliar faces on social media and initiates relationships through the private channel of direct messages. When these anonymous figures are translated onto canvas, the traditional portrait transforms into an entirely new genre.
The layers of color accumulate like sediment, creating depth, while the expressions and gazes reveal inner tension beyond mere depiction. Painting a stranger becomes a kind of performance, with the portrait evolving into a device that exposes the emotions and connections of our time.
Kia Design Magazine Vol.16 Extraordinary illuminates this experiment, showcasing Mokha’s unique body of work that reveals new possibilities within the most traditional form.

Chapter 01.
이목하
다름으로 세계를 항해하다

Chapter 01.
Lee Mokha
Sailing the World through Difference

아시아프의 수상은 단순한 행운이 아니라, 전통을 새롭게 해석해낸 증명이었다. 그리고 그 시작점에는 학창시절부터 이어진, ‘나만의 회화적 언어’를 찾으려는 집념이 있었다.

The ASYAAF award was not a stroke of luck, but rather a testament to her ability to reinterpret tradition. At the root of that achievement lay a persistence that began in her student years, a determination to discover and define her own painterly language.

Q. 데뷔하자마자 아시아프의 수상과 타임스퀘어 전시까지 이어졌습니다. 급격한 주목 속에서 어떤 생각이 드셨나요?

처음엔 솔직히 실감이 나지 않았습니다. 제 작은 작업실에서 홀로 그리던 그림이 세계적인 무대의 조명 아래 걸렸다는 사실이 어딘가 비현실적으로 느껴졌어요. 하지만 시간이 지나면서, 그 경험이 단순한 행운이 아니라 ‘회화로 세상과 대화할 수 있다’는 확신을 심어줬다는 걸 깨달았습니다. 아시아프에서는 제 작품이 동시대 미술의 언어 속에서 어떤 결을 가지는지, 즉 지금의 회화가 무엇을 말하고 어떻게 말할 수 있는지를 배웠습니다. 낯선 시선 속에서 제 그림이 가지는 ‘다름’이 또렷하게 드러나는 경험이었죠. 반면 타임스퀘어에서는 완전히 다른 차원의 감각이 있었습니다. 거대한 전광판 속에서 제 그림은 더 이상 제 손에 머무는 물체가 아니라, 사람들의 눈빛과 공기, 도시의 소음 속에서 스스로 움직이는 낵존재처럼 느껴졌어요.

Q. 그곳에서 주목을 받게 된 건 어떤 이유 때문이라고 생각하시나요?

저는 완전히 새로운 미술을 창조하기보다, 정통적인 회화의 방식을 지키면서 그 안에서 제 차이를 드러내고 싶었습니다. 초상화라는 가장 오래된 회화의 언어를 선택했지만, 단순히 과거를 반복하기보다 지금의 삶과 감정이 스며든 현재적 맥락 속에서 다시 보여주고자 했어요. 형태는 익숙하지만 그 안에 담긴 시선과 정서는 분명히 지금의 것이길 바랐습니다. 그래서 제 작품은 ‘액자에 갇힌 완결된 오브제’라기보다 벽 위에 가볍게 걸린 포스터처럼 보이지만 결코 가볍지 않은 회화적 밀도로 완성되었죠. 심사위원들도 그 지점을 흥미롭게 보셨던 게 아닐까요? 전통적인 초상화의 구문을 유지하면서도 그것을 공간 속에서 다르게 숨 쉬게 만드는 것에서 신선함을 느끼신 게 아닐까 합니다.

Q. You received the ASYAAF award and were soon featured on a Times Square billboard. How did it feel to gain such rapid attention?

At first, it hardly felt real. The thought that a painting I created alone in my small studio was now being showcased on a global stage seemed almost surreal. Over time, however, I realised that it was not a matter of luck but a moment that affirmed my belief that painting could become a language to converse with the world. Through ASYAAF, I learned where my work stands within the contemporary art landscape, what painting can express today, and how it can speak. within the contemporary art landscape, unfamiliar gazes, I came to see how my own sense of difference emerged more clearly. Times Square, on the other hand, offered a completely different experience. Within the vast electronic screen, my work no longer felt like an object in my hands, but rather a living presence moving through people’s eyes, the air and the city’s noise.

Q. Why do you think your work received so much attention there?

My aim was never to create something entirely new, but rather to preserve the language of traditional painting while revealing my own difference within it. I chose portraiture, the oldest form of painting, not to repeat the past but to reinterpret it in the emotional and temporal context of today. The forms may appear familiar, yet the gaze and sentiment within them belong unmistakably to the present. Although my paintings may look as light as posters hung on a wall, but they carry a density that only painting can hold. Perhaps that tension caught the judges’ attention, the way a traditional grammar of portraiture could breathe differently within space and become something both timeless and new.

Ego Function Error, 2022, installation view at Times Square, New York © Jason Haam
〈자아 기능 오류〉, 2022, 뉴욕 타임스퀘어 전시 전경 ©제이슨함
Q. 국내외 주목을 받은 그 중심에 작가님의 ‘다름’이 있었던 것 같아요. 자신만의 ‘다름’을 드러내야겠다는 생각을 언제부터 하게 되었을까요?

어린 시절 만화를 즐겨 봤던 경험이 지금 생각해보면 큰 영향을 주지 않았나 싶습니다. 만화가 제 그림 스타일에 직접적으로 남은 흔적은 없지만, 그것은 제가 처음으로 ‘회화’를 마주한 순간이었어요. 작은 화면 안에서 수없이 많은 장면이 이어지고, 인물들이 살아 움직이는 걸 보면서 평면 속 그림이 생명력을 갖는다는 사실을 배웠습니다. 특히 만화 속 인물들은 얼굴을 개성 있게 디자인해 성격을 드러내고, 표정과 상황을 통해 자기만의 이야기를 전달하잖아요. 저는 그 방식에서 큰 자극을 받았습니다. 단순히 닮음을 그리는 것을 넘어, 그림이 감정을 드러내고 이야기를 전할 수 있다는 걸 처음 체득하게 된 것 같아요.

Q. Much of the attention you’ve received, both in Korea and abroad, seems to stem from your sense of ‘difference. when did you first become aware of expressing that difference?

Looking back, I think my early fascination with comics had a lasting influence. Although no direct trace of that visual style remains in my current work, comics were my first encounter with painting in motion. Within a small frame, countless scenes unfolded and characters came to life, teaching me that an image on a flat surface could possess vitality. In comics, every character’s face is designed to express personality, and emotion is conveyed through subtle changes in expression and situation. This approach inspired me greatly. It was then that I first realised that painting could transcend mere resemblance and communicate emotion, telling a story of its own.

Lee Mokha constantly renews herself in the pursuit of difference.
이목하 작가는 ‘다름’을 만들어내기 위해 끝없이 자신을 갱신한다.
Q. 학창시절에도 그런 몰입이 이어졌나요? 자신만의 회화적 언어는 어떻게 정착되었는지도 궁금합니다.

세종대학교 회화과에 입학하면서 비로소 그림에만 몰두할 수 있었습니다. 그 시기는 제게 회화의 출발점이자 기반을 다진 시간이었습니다. 이후 한국예술종합학교 대학원에서는 다양한 매체를 경험하며 시야를 넓혔지만, 결국 다시 회화로 돌아왔습니다. 여러 실험 끝에 제 본질은 여전히 ‘그림’ 안에 있다는 확신이 들었거든요.
세상에는 이미 수많은 이미지가 존재하기에 화가로서 살아남으려면 나만의 표면을 만들어야 한다는 절실함이 늘 있었습니다. 드로잉과 수채화적인 감각을 유화에 결합하며 새로운 질감을 찾는 과정에서, 어느 날 얇은 천 위에 한 점의 얼굴을 완성했을 때 깨달음이 왔습니다. 그 안에 지금까지의 모든 단서가 응축되어 있었고, 마치 앞으로 나아갈 길을 알려주는 지도 같았어요.
그 순간 저는 ‘다름’이 누군가를 의식해 만든 전략이 아니라, 화가로 존재하기 위해 당연히 붙들어야 했던 본질적인 과제임을 깨달았습니다. 그리고 그 과정을 통해 비로소 저만의 회화적 언어가 자리를 잡게 되었다고 생각합니다.

Q. Did that sense of immersion continue throughout your time as a student? How did your painterly style evolve?

When I entered the Department of Painting at Sejong University, I was finally able to focus solely on painting. That This period laid the foundations for my practice and was its true beginning.
Later, in graduate school at the Korea National University of Arts, I explored various media and expanded my perspective, yet I eventually returned to painting. Through many experiments I realized that my essence still resided within the act of painting itself.
Because the world is already overflowing with images, I always felt an urgency to create my own surface in order to survive as a painter. By combining the immediacy of drawing and the translucency of watercolor with the density of oil, I began to find a new texture. One day, when I completed a single face on a thin piece of fabric, I felt a moment of clarity. Everything I had been searching for was condensed in that work, and it felt like a map showing me where to go next.
At that moment I understood that difference was not a strategy made in comparison to others, but a fundamental task I had to hold onto to exist as a painter. It was through this process that my own painterly language finally began to take root.

Dark Ray 02, 2023, oil on cotton, 227.3 x 181.8 x 3.5 cm © Jason Haam
Dark Ray 02, 2023, oil on cotton, 227.3 x 181.8 x 3.5 cm ©제이슨함

Chapter 02.
낯선 얼굴에서
다시 태어나는 초상

Chapter 02.
Portraits Reborn
from Unfamiliar Faces

낯선 얼굴이 가진 긴장과 감정을,
얇은 유화 레이어 속에서 새롭게 빚어낸다.
사진처럼 보이지만, 그 안엔 회화만의 깊이가 있다.

She captures the tension and emotion found in unfamiliar faces within the thin layers of oil paint. At first glance, her works resemble photographs, but they possess the unmistakable depth of painting.

Q. 작가님은 전통적인 초상화를 그리지만, 그 시작점은 다른 작가들과는 확연히 차이가 나는데요. 인스타그램 DM을 통해 피사체를 찾는다는 발상은 굉장히 신선합니다.

맞습니다. 저는 처음부터 초상화를 그리고 싶었습니다. 그런데 지금의 시대에서 낯선 인물을 가장 자연스럽게 만날 수 있는 창구는 온라인이었어요. 인스타그램은 인물의 얼굴과 표정을 직접적으로 마주할 수 있는 공간이었고, 제가 원하던 ‘익명의 인물’들이 거기에 있었습니다.
낯선 사람에게 DM을 보낸다는 건 사실 굉장히 사적인 침입일 수도 있습니다. 그래서 저는 언제나 제가 어떤 작업을 하고 있는지, 그림 속 인물이 어떤 맥락으로 표현될지를 구체적으로 설명합니다. 상대방이 불편하지 않도록 충분히 설득하는 과정을 중요하게 여기죠. 단순히 모델을 빌려 오는 것이 아니라, 그 사람의 자기 표현 방식이 제 그림 안에서 어떻게 전환될 수 있는지를 함께 확인하는 과정이라고 생각합니다.
이 방식은 사실 전통적인 초상화와도 연결됩니다. 예전의 초상화가 특정 인물의 권위나 지위를 기록하는 장치였다면, 저는 낯선 얼굴을 통해 동시대의 감정과 관계성을 드러내고 싶습니다. 그래서 제 작업 속 초상은 단순한 닮음을 넘어, 지금 우리가 살아가는 사회적 맥락 속에서 ‘얼굴이란 무엇인가’를 다시 묻는 시도로 이어지고 있습니다.

Q. DM을 통해 낯선 이에게 모델을 의뢰하실 때, 자신만의 선택 기준이 있을까요?

저는 초상화를 통해 단순히 닮음을 기록하려는 게 아닙니다. 오히려 낯선 얼굴이 가진 긴장감, 그 안에서 드러나는 감정과 내면의 흔적을 회화로 옮기고 싶어요. 그래서 모델을 고를 때는 표정, 눈빛, 태도 같은 작은 단서들을 유심히 살펴봅니다. 그 사람이 가진 이야기가 얼굴 위에 드러나 있는지, 그리고 그것이 제 작업의 언어와 어떻게 만날 수 있을지를 가장 중요하게 생각하죠.
그 기준을 크게 나누면 두 가지입니다. 첫째는 기술적인 기준입니다. 제가 표현하기에 적합한 골격이나 피부 질감, 빛의 흐름 같은 요소가 있어야 합니다. 사진을 볼 때도 조명의 강도, 화면 속 색감, 혹은 배경의 사물이 주제를 방해하지 않는지 세심하게 따져봅니다. 둘째는 감정적인 기준입니다. 표정과 눈빛, 얼굴의 작은 단서들이 제가 하고자 하는 이야기를 증폭시킬 수 있는가, 그 부분이 무엇보다 중요합니다. 결국 제가 그리는 초상은 단순한 재현이 아닙니다. 낯선 얼굴을 통해 제가 느낀 감정과 해석이 더해져, 화면 속에서 다시 살아나는 과정이라고 생각합니다.

Q. Although your work is rooted in the tradition of portraiture, your approach to each piece is quite distinct. Finding your subjects through Instagram DMs is a fascinating approach.

That’s right. meet new i wanted to paint portraits. In today’s world the most natural way to meet new people is online. Instagram became a space where I could directly face expressions and gestures, and it was filled with the anonymous figures I was seeking.
Of course, sending a direct message to a stranger can feel like a very personal intrusion. That is why I always explain clearly what kind of work I am doing and in what context their image will appear. I value the process of gaining their understanding and consent so that they never feel uncomfortable. To me this is not about borrowing someone’s likeness but about exploring how their own mode of self-expression can be translated into my painting.
This approach actually connects with the tradition of portraiture. While portraits of the past often served to record a person’s power or social position, my portraits aim to reveal the emotional and relational conditions of our time through unfamiliar faces. In this sense my work becomes a way of asking again what a “face” means within the context of contemporary life.

Q. What criteria do you use to select strangers to ask to model when you approach them through DMs?

I am not interested in recording simple resemblance. What draws me in is the tension that exists in a stranger’s face, the traces of emotion and inner life that I can translate into painting. When selecting models I pay close attention to subtle cues such as expressions, gazes, and gestures. I look for signs of a personal story written on their face, and how that story might connect with the language of my work.
There are two main criteria. The first is technical. The person needs to have certain qualities such as bone structure, skin texture, and the way light moves across their face that allow me to express what I intend. Even when looking at photographs I consider the intensity of light, the tone of color, and whether objects in the background distract from the subject. The second is emotional. I look for expressions and gazes that can amplify the narrative I wish to convey. In the end what I paint is not mere representation. Each portrait becomes a process in which the emotions and interpretations I felt toward a stranger are reborn on the surface of the canvas.

Ego Function Error 04, oil on cotton, 162.4 × 130.7 cm, 2023 © Jason Haam
<자아 기능 오류 04> 면에 유채 162.4×130.7 2023 ©제이슨함
Q. 이 지점에서 궁금해진 건 보통 초상화는 유명인이나 자기 자신을 대상으로 하는 경우가 많습니다. 그런데 작가님은 왜 ‘모르는 사람’의 얼굴을 통해 자신의 이야기를 담으려 하셨나요?

제가 아는 사람을 그리면, 그 사람에 대한 기억이나 정보가 저도 모르게 그림 속에 투영됩니다. 그러다 보면 초상은 단순히 재현에 머무르게 되고, 제가 원하는 회화적 탐구와는 멀어지더라고요. 반대로 모르는 사람을 그릴 때는 훨씬 자유로웠습니다. 낯선 얼굴이 주는 긴장과 상상, 그 안에서 비롯되는 감정이 오히려 저를 더 자유롭게 만들었습니다.
또 하나 중요한 건 ‘아름다움’에 대한 저의 태도였습니다. 저는 그림은 결국 아름다워야 한다고 생각합니다. 그렇다고 특정한 ‘예쁜 얼굴’만 찾는 건 아닙니다. 오히려 화면 안에서 완결된 아름다움을 만들어낼 수 있는지가 더 중요했죠. 그래서 모델을 선택할 때는 표정이나 눈빛 같은 감정의 단서뿐 아니라, 빛을 받았을 때 피부가 드러내는 결, 단단하게 정리된 골격처럼 제가 자신 있게 그릴 수 있는 요소들도 함께 봅니다. 매끈한 표면을 잘 표현할 수 있다는 자신감이 있었기에, 그런 특성을 가진 얼굴이 제 작업과 잘 맞았던 것 같습니다.

Q. 모델의 피부의 매끈함, 표정, 눈빛 등을 고려해서 그려내기 때문일까요? 작가님의 작품을 보면 언뜻 사진 같다는 생각을 했어요.

아마도 피부의 질감 때문일 거예요. 저는 겉모습을 그리지만, 그 안에 담긴 내면의 이야기를 보여주고 싶었기에 전통적인 두꺼운 마티에르 방식 대신 유화를 아주 얇은 레이어로 쌓아 올리는 방법을 실험했습니다. 보통 유화는 두껍고 무겁게 칠해지는 이미지를 떠올리지만, 저는 오히려 인쇄의 CMYK처럼 투명한 색을 겹겹이 올려 깊이를 만들어갔습니다. 표면은 단단하게 굳지만, 안쪽에서는 색의 층위가 비쳐 보이면서 대리석이나 자연의 퇴적층 같은 복잡하고 풍부한 색감을 드러내죠. 그래서 작품을 처음 접했을 때 사진처럼 보일 수 있는 것도 사실은 이 다층적인 색의 효과 덕분입니다. 단순한 재현을 넘어서, 색이 쌓이고 흔적이 남는 과정을 통해 보는 이가 화면 전체에서 견고한 아름다움과 감정을 동시에 발견하도록 하는 것이 제가 의도한 방식이에요.

Q. 내면을 그려내신다고 하셨는데, 그 대표적인 사례가 ‘자아 기능 오류(Ego Function Error)’ 시리즈가 아닐까 합니다. 웃고 있지만 어딘가 모르게 불안한 감정이 느껴지기도 하는데요. 이 시리즈에서 모순과 불안을 핵심 주제로 삼으신 이유와, 그것을 어떻게 표현하셨는지 들려주실 수 있을까요?

사람은 누구나 평면적인 존재가 아니라 다양한 내면을 가지고 있고, 그 내면이 충돌할 때 모순과 불안이 드러납니다. 저는 바로 그 순간에 한 사람을 이해할 수 있는 단서가 생긴다고 생각해요. 그래서 작업을 할 때 늘 웹을 통해 이런 장면을 추적하고, 그림으로 옮겼을 때 직관적으로 이해될 수 있는 이미지를 찾으려 노력합니다. 저는 그 불안정한 찰나에야말로 인간이 가장 진실한 얼굴을 드러낸다고 느껴요. ‘자아 기능 오류’라는 제목도 같은 맥락에서 붙였습니다. 누구나 경험할 수 있는 내면의 충돌, 보편적인 순간들을 포착해 단순한 장면 속에 담아내려는 의도였죠. 화면은 복잡하지 않지만, 인물의 표정 하나만으로도 그 입체성이 직관적으로 전달되기를 바랐습니다. 저는 좋은 그림이란, 개인적인 내면의 사건이 보편적인 감정으로 확장돼 많은 사람들이 직관적으로 이해할 수 있을 때 완성된다고 믿습니다.

Q. Portraits are often created of famous people or of the artists themselves. Why did you choose to explore your own narrative through the faces of strangers?

When I paint someone familiar, personal memories and associations naturally find their way into the image. The portrait then tends to stay within the boundaries of representation, distancing itself from the kind of painterly exploration I seek. Painting a stranger, on the other hand, allows me to work with greater freedom. The tension, imagination, and emotion that emerge from unfamiliar faces open a space for discovery within the act of painting. Another essential aspect is my attitude toward beauty. I believe that painting must ultimately contain beauty. This does not mean I search for conventionally attractive faces. What matters to me is whether a sense of wholeness and visual balance can emerge within the frame. When selecting a model, I look not only at emotional cues such as expression and gaze but also at physical qualities I can confidently translate, like the way light touches the skin or the structure of the bone beneath it. I have a particular sensitivity to smooth surfaces, and I believe this aligns naturally with my painting style.

Q. Because of your attention to surface and expression, your paintings often seem almost photographic.

This is probably due to the texture of the skin. While I depict the outer appearance, what I really want to show is the inner narrative beneath it. To do that, I move away from the traditional thick impasto of oil painting and instead build the image through many thin layers. Oil paint is usually imagined as dense and heavy, but I treat it more like printing, stacking transparent colors to form depth. The surface hardens, yet the layers beneath remain visible, creating subtle tones that resemble marble or geological sediment. At first glance the work may look like a photograph, but that illusion comes from the optical complexity of layered color. Through this process I want viewers to feel both solidity and emotion, sensing the accumulation of color and time within the stillness of the image.

Q. You mentioned the inner world, and your series Ego Function Error seems to capture that tension perfectly. The figures appear calm yet faintly anxious. Why did you choose to focus on contradiction and unease, and how did you approach it?

Human beings are never simple or one-dimensional Everyone carries conflicting emotions within them, and those moments of friction often reveal the truest self. I try to capture that precise instant. I observe images on the web, searching for scenes that can be understood intuitively once transformed into painting. To me, anxiety exposes authenticity. The title Ego Function Error reflects that idea. It points to the moments of inner conflict that everyone experiences and translates them into universal, recognisable gestures. The compositions are restrained, yet I want the subtle expressions alone to convey emotional depth. I believe a painting achieves its power when a deeply personal state of mind expands into a shared, collective emotion that viewers can feel instinctively.

Lee Mokha overlays her own narrative onto the faces of others, and in doing so, she ultimately paints the face of us all.
타인의 얼굴에 자신의 이야기를 덧입히는 이목하 작가는, 결국 우리 모두의 얼굴을 그리고 있다.

Chapter 03.
웃음과 불안, 그리고 일상과 모순의 이중성 속
아름다운 그림을 향한 믿음

Chapter 03.
Faith in Beautiful Painting
Amid the Duality of Laughter and Anxiety,
and the Contradictions of Everyday Life

웃음과 불안, 일상 속 모순을 직관의 언어로 옮기다.
인물에서 사물로, 장면이 겹쳐 만들어내는 다층의 서사.
그 모든 끝에는 ‘아름다운 그림’에 대한 집요한 믿음이 있다.

Translating laughter, anxiety, and the contradictions of everyday life into a language of intuition. From figures to objects, her overlapping scenes weave multi-layered narratives. At the heart of it all lies an unwavering belief in the power of a beautiful painting.

Q. 작가님의 그림을 보면 일상의 장면들이 많습니다. 그렇다면 그 안에서 모순, 불안, 혹은 이중성과 같은 정서를 어떻게 표현하고자 하셨나요?

저는 늘 좋은 미술은 보편적인 감정을 직관적으로 느낄 수 있어야 한다고 생각해 왔습니다. 그래서 인물을 그릴 때 단순히 외형을 재현하는 데 머무르지 않고, 표정과 눈빛을 통해 그 속에 담긴 감정을 최대한 드러내려 합니다. 웃음 속에 숨어 있는 불안, 평범한 일상에 스며든 모순 같은 것들이 표정에 응축될 때, 관객은 자연스럽게 이중적인 감정을 체험하게 되죠. 결국 제 그림의 목표는, 누구에게나 공감될 수 있는 감정의 순간을 화면 위에서 다시 살아 움직이게 하는 것입니다.

Q. 작품 속에서 웃음과 불안, 일상과 모순이 함께 느껴집니다. 이런 이중성을 다루는 이유와 표현 방식이 궁금합니다.

저는 사람이 자신의 내면에서 서로 다른 감정이 부딪히는 순간, 그 충돌을 정확히 인지할 때 비로소 자아가 확장된다고 믿습니다. 그래서 제 회화는 언제나 그 미묘한 균열의 찰나를 붙잡으려 합니다. 큰 감정의 변화가 스치는 눈빛이나 표정에는 말보다 먼저 도달하는 어떤 진실이 있다고 생각해요. 그 짧은 순간 속에서 불안과 평온, 수용과 저항이 동시에 숨 쉬며, 인간이 가진 복합적인 내면이 드러납니다. 저는 그 순간을 단순한 화면 안에서 최대한 맑게, 그러나 미세한 떨림이 느껴지게 그리고 싶습니다.
이중성은 색에서도 이어집니다. 불안이나 내면의 요동을 표현할 때 차가운 색감을 사용하지만, 그 안에 따뜻한 색을 함께 공존시키려 합니다. 차가움 속에 남겨진 온기, 그것이 제 그림의 감정 온도입니다. 투명한 색의 층을 겹겹이 쌓아 올리면, 단일한 감정이 아닌 복합적인 내면의 결이 서서히 드러나죠. 결국 인물의 눈빛과 색채의 균형 속에서 인간의 모순과 진실이 가장 솔직하게 표현된다고 생각합니다.

Q. Many of your works depict ordinary scenes from everyday life. How do you convey emotions such as contradiction, anxiety, or duality in these scenes?

I have always believed that good art should allow universal emotions to be felt intuitively. When painting a figure, I try not to stop at representation but to reveal the emotion contained within through expression and gaze. When a smile hides anxiety or when contradiction seeps into the quiet rhythm of daily life, those emotions condense within a single expression. In that moment the viewer naturally experiences duality. My paintings aim to breathe life into such emotional moments, making them familiar to everyone.

Q. In your paintings, it seems as though laughter and unease,, the ordinary and the contradictory, seem to coexist. What draws you to this duality, and how do you express it?

I believe that when a person becomes aware of the collision between different emotions within themselves, the self begins to expand. My paintings always attempt to hold on to that fragile instant of tension. In a fleeting shift of gaze or a subtle change in expression I sense a kind of truth that precedes language. Within that moment anxiety and calm, acceptance and resistance, exist together, revealing the layered complexity of human emotion. I try to capture that state clearly and quietly, allowing the viewer to feel a faint tremor on the surface. This duality continues in color. When expressing inner unrest or unease I often use cool tones, yet I let warmth remain within them. The warmth that lingers inside coolness defines the emotional temperature of my work. As I build up translucent layers of paint, what emerges is not a single emotion but a textured sense of the inner self. I believe the contradictions and truths of being human are revealed most honestly in the balance between the figure’s gaze and the harmony of colour.

Q. 그렇다면 작가님이 이중성과 경계라는 주제에 주목하게 된 계기는 무엇이었을까요?

제 작업은 늘 제 자신에게서 출발합니다. 성장 과정에서 겪은 감정의 변화들이 제 그림의 재료가 되었고, 동시에 사회 속에서 공유된 경험과 연결되었어요. 그렇기 때문에 제 그림은 저와 같은 세대, 같은 사회를 살아가는 사람들이 직관적으로 공감할 수 있었던 것 같습니다. SNS에서 모델을 찾는 방식도 이와 맞닿아 있습니다. 작은 화면 안에 사람들이 자신을 표현하는 방식을 담아내는 것이 바로 지금 시대의 초상이라고 생각했거든요. 과거에 그림이 한 화면 안에 자아와 사회적 메시지를 응축해 담아냈듯, 지금의 SNS 사진 역시 그 역할을 이어가고 있다고 봅니다. 그래서 저는 그 얼굴들 속에서 동시대의 이중성과 긴장을 포착하려 합니다.

Q. What first drew you to the themes of duality and boundaries?

My work always starts with me. The emotional changes I experienced while growing up became the material of my paintings, and at the same time they connected with experiences shared within society. Because of that, I think my paintings resonate intuitively with people of my own generation who live in the same social context. The way I find models through social media also stems from that idea. I see the small screen as the new space where people express who they are, and that expression itself has become the portrait of our time. Just as paintings of the past condensed the self and its social messages within a single frame, I believe that today’s SNS images continue that function. Within those faces, I try to capture the duality and tension that define the present moment.

Q. 작품 속 이중성이 인물에서 사물로 확장된 경우도 있죠. ‘환각 케이크’가 대표적인 예인데요. 특별히 이런 시도를 하신 이유가 있을까요?

제 작업은 크게 두 가지로 나눌 수 있습니다. 하나는 인물을 집중적으로 그린 그림이고, 또 하나는 인물을 빗대어 설명할 수 있는 사물 그림입니다. 말씀하신 ‘환각 케이크’나 ‘곱게 자란 아이들’같은 시리즈가 후자에 해당하죠. 인물을 직접 그리는 대신 사물을 통해 인물을 설명하거나 보조하는 역할을 하게 됩니다. 그래서 이런 연작은 인물 작업과 늘 함께할 것 같습니다.
동시에 이는 화가로서의 욕심이기도 합니다. 인물을 그리는 게 가장 잘하고 좋아하는 일이지만, 때로는 기술적으로 특별히 보여드릴 만한 소재를 사물에서 발견하곤 합니다. 그래서 그것들을 끌어와 그리게 되는 거죠. 앞으로도 소품 연작은 계속 이어질 것이고, 단순히 반복하기보다 새로운 맥락과 실험을 더해 발전시켜 나가고 싶습니다.

Q. 자연스럽게 확장의 이야기로 넘어가야 할 것 같은데요. 앞으로 작가님의 작품 세계는 어떤 방향으로 확장될까요?

최근에는 인물만을 조명하는 화면을 넘어서, 인물의 상황을 설명하는 사물들이 함께 등장하는 구성을 시도하고 있습니다. 나아가 여러 인물이 동시에 등장해 복잡하고 흥미로운 장면을 연출하는 방식으로 확장해 나가려 합니다. 그렇게 되면 인물과 사물, 그리고 상황이 얽히면서 지금보다 훨씬 다층적인 이야기를 전달할 수 있을 거라 믿습니다.
사실 작품을 만든다는 건 늘 긴 마라톤과도 같습니다. 처음부터 끝까지 단 한 번의 실수도 없이 완성한다는 것은, 매번 저를 증명해내야 하는 행위이기도 해요. 한 점이 만족스럽게 완성되면, 그 다음에는 과거의 잘된 그림과 싸워야 합니다. 매번 더 나은 결과물을 내야 한다는 압박과 자기 증명 사이에서 늘 씨름하죠. 그래서 저는 작가라는 길이 평생에 걸쳐 감당해야 할 숙제라고 생각합니다. 자기 증명과 싸우며 끊임없이 성장해야 하는 과정, 그것이 작가로 살아가는 일의 본질이자 제가 회화 속에서 멈추지 않고 확장해야 하는 이유입니다.

Q. 끝으로, 어떤 작가로 기억되고 싶으신가요? 또 궁극적인 목표는 무엇인가요?

저는 작가와 작품이 긴밀히 연결될 때 좋은 그림이 나온다고 믿습니다. 그래서 저라는 사람의 정체성을 솔직하게 반영하면서도, 동시에 보편적인 감정을 직관적으로 전달할 수 있는 회화를 그리는 것이 제 목표입니다. 결국 제가 이루고 싶은 건 아주 단순합니다. ‘잘 그려진 아름다운 그림’을 남기는 것. 그리고 그것이 관람자의 마음속에 오래도록 기억되는 것입니다.

Q. The duality in your work sometimes extends from figures to objects, as seen in Hallucination Cake. What motivated this shift?

My practice can largely be divided into two categories. One focuses directly on the human figure, and the other uses objects that metaphorically describe or supplement the figure. Series such as Hallucination Cake and Well-Grown Child belong to the latter. Instead of depicting a person outright, I use objects as a way to speak about them. These parallel bodies of work coexist and will likely continue together.
At the same time, this approach reflects a painter’s desire. I love painting people and it is what I do best, yet at times I encounter subjects among objects that feel visually or technically irresistible. When that happens, I am compelled to paint them. I plan to continue these smaller object-based works, developing them with new contexts and experiments rather than simple repetition.

Q. This naturally leads to the idea of expansion. How do you envision your artistic practice evolving from here?

Recently I have been moving beyond compositions that isolate a single figure. I am now including surrounding objects that suggest the figure’s situation, and I want to bring multiple figures together within the same frame to create more intricate and layered scenes. When people, objects, and context interact, I believe the painting gains a richer and more complex narrative.
Creating a work is, to me, like running a long marathon. Completing a painting without a single misstep is an act of constant self-proving. Once I finish a piece that satisfies me, I immediately find myself confronting the success of the past, challenged to surpass it. There is always pressure to produce something better and to reaffirm my ability. That struggle between confidence and doubt is something every artist must live with. For me, the life of a painter is a lifelong assignment of self-verification and growth, the very reason I must keep expanding through painting.

Q. Finally, how would you like to be remembered as an artist, and what is your ultimate goal?

I believe that the best paintings are born when the artist and the work are deeply connected. My goal is to create paintings that honestly reflect who I am while conveying universal emotions in an immediate way. Ultimately, I want is simple: to leave behind paintings that are both beautifully made and deeply felt, works that remain in the viewer’s memory long after they have left the gallery.

이목하

작가는 1996년생으로, 서울을 기반으로 활동하는 회화 작가이다. 세종대학교 회화과를 졸업하고 한국예술종합학교에서 조형예술 석사 과정을 밟았다. 유화와 수채, 과슈 등 다양한 재료를 혼합해 얇은 레이어를 쌓는 독특한 질감의 화면을 구현한다. 대표 연작은 〈곱게 자란 아이〉, 〈환각 케이크〉 시리즈로, 달콤함과 불안, 환상과 현실의 경계를 다룬다. 2019년 아시아프 DDP 어워즈 대상을 수상하며 주목받았고, 이후 국내외 전시에서 ‘라이징 스타’로 평가받고 있다.

Lee Mokha

Born in 1996, Lee Mokha is a Seoul-based painter. She graduated from the Department of Painting at Sejong University and is currently pursuing a Master’s degree in Fine Arts at the Korea National University of Arts. Combining oil, watercolor, and gouache, she creates delicate surfaces built from thin, translucent layers. Her notable series Well-Grown Child and Hallucination Cake explore the boundaries between sweetness and anxiety, illusion and reality. After receiving the Grand Prize at the 2019 ASYAAF DDP Awards, she has continued to gain recognition both in Korea and internationally as a rising star in contemporary painting.

Epilogue

이목하를 설명하는 세 가지 단어가 있다.
나만의. 흔적 없는 길 위에서 자신의 언어를 세우고자 하는 노력.
다름. 전통적인 초상화 안에서도 새로운 숨을 불어넣는 실험.
집념. 한 점 한 점마다 스스로를 증명해내려는 치열함.
그녀는 자신을 ‘페인터 중의 페인터’로 남기고 싶다고 말한다. 그 리기의 본질에 충실한, 잘 그린 그림을 내내 그려내는 화가로 기억되고 싶다고. 그리고 언젠가, 모든 작품이 기억에 남는 전시 단 한두 점이 아니라, 전시장을 가득 메운 모든 그림이 관객의 마음속에 오래 남는 그런 궁극의 전시를 만들어내고 싶다고 꿈꾼다. 그래서 그녀는 빠르지 않게, 그러나 멈추지 않고 나만의, 다름, 집념을 다시 쌓아 올린다. 그 길 끝에서, 우리가 만날 그녀의 전시는 아마도 ‘잘 그려진 그림’이란 말의 가장 단순하고도 강렬한 증명이 될 것이다.

Epilogue

There are three words that define Lee Mokha.
Her own. A pursuit to build a language of her own on a path where no traces exist.
Difference. An experiment that breathes new life into the most traditional form of portraiture.
Persistence. The intensity of proving herself through every single stroke and painting.
She says she wants to be remembered as “a painter among painters,” one who remains faithful to the essence of painting itself and continues to create works that are, in the truest sense, well-painted. One day she dreams of an exhibition where not just one or two memorable works stand out, but every painting fills the space and stays with the viewer long after they leave. So she continues slowly but without pause, layering her own, her difference, and her persistence once more. At the end of that path, the exhibition we encounter will be the simplest and most powerful proof of what it means to paint a beautiful painting.

  • 강태성 TEAMPROS XCREW Gang Taesung TEAMPROS XCREW
  • 장호 Jang Ho