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두 아티스트의 물리적 화합
니콜라스 베커 X 안나 칼로사
Intersections Beyond Boundaries - Anna Galtarossa x Nicolas Becker
혼합물과 화합물은 다릅니다. 혼합물은 두 가지 이상의 물질이 섞이지만 각각의 성질은 그대로 가지고 있는 반면 화합물은 서로 단단하게 결합하여 새로운 물질이 되어 물질의 성분 자체가 다른 성질을 가지게 되지요. 이 화합물은 물질에서만 국한되는 것이 아닙니다. 서로 다른 영역에서 활약하는 아티스트들의 만남에서도 화학적 시너지는 발휘됩니다. 기아는 서로 다른 영역의 아티스트들이 ‘페어링’하여 새롭게 창조한 이야기를 지난 4월 ‘밀라노 디자인워크’에서 선보였습니다. 바로 전시 였습니다. 두 작가가 경계 너머의 창의적 작품을 선보였는데요. 이 전시에 참여한 아티스트 안나 칼타로사Anna Galtarossa와 니콜라스 베커Nicolas Becker가 협업한 ‘The Spirit of Disco’를 소개합니다. 전방위적으로 활약하는 안나 칼타로사(이하 안나)는 움직이는 키넥틱 아트를 바탕으로 작품을 구현하는 과정에서 니콜라스 베커(이하 니콜라스)와 사운드를 찾아가는 과정을 통해 ‘The Spirit of Disco’만의 예술적 가치를 보여주죠. 《기아 디자인 매거진》에서는 두 아티스트가 함께 작품을 만들어 내기까지의 과정과 그 안에 담긴 스토리, ‘페어링’의 의미를 어떻게 견지하고 있는지 이야기를 들어봅니다. 니콜라스 베커는 영화 사운드의 세계에서 다방면에 걸친 거장으로, 사운드 디자이너, 폴리 아티스트, 작곡가로 활동하고 있다. 그중 사운드 디자인에 있어 각 프로젝트에 맞는 맞춤형 마이크 만드는 방식으로 작업을 하는데, 이 방법은 그의 작업과 현대 미술의 영역을 엮어낸다. 특히 니콜라스는 2021년 4월 다리우스 마더Darius Marder 감독의 걸작인 로 아카데미 음향상을 수상했다. Mixtures and compounds are different. In a mixture, the original substances retain their individual properties, whereas a compound is a new substance that binds tightly together and becomes a new substance with a new property. Chemical synergy is not limited to substances; it also happens when artists from different fields collaborate. Kia presented a story of artists from different fields “pairing up” to create something new at the Milan design week last April. The title of the exhibition was Opposites United: Intersections Beyond Boundaries and it featured 'The Spirit of Disco', a collaboration work between two artists active in different fields, Anna Galtarossa and Nicolas Becker, to showcase their creative work across boundaries. Anna created a kinetic artwork and worked with Nicolas to find the right sound for her work, which culminated in The Spirit of Disco. Kia Design Magazine delved into the processes invovled in this collaboration, the story behind the process, and their perspectives on the meaning of 'pairing up'. My name is Nicolas Becker, I was born in France in 1970. I’m a foley artist, sound designer and composer. I have been working with sounds for 35 years. I live in Paris but work with people all over the world. I am Anna Galtarossa, I was born in Italy in 1975. I’m an artist and I’ve been working most of my life on sculptures and installations, mostly things that move. My art is generally very colorful, and my pieces prefer to be outside the protection of museums and galleries. I had my first exhibition as an artist in 2004, at the Spencer Brownstone Gallery, and they still represent me to this day.
나무는 숲의 에너지로
아뜰리에형준, 이형준
Pipe fittings grow into trees,
creating an energetic forest
익숙한 소재가 조금도 익숙하지 않은 오브제로 탄생한다. 가열이나 냉각 같은 물성 변화의 과정을 거치지 않았는데 번쩍거리던 금속은 나이테를 두른 나무가 되고 차가움은 따스함이 된다. 이 변화는 파이프 피팅이라는 산업 부품을 찾아낸 덕이다. 스테인리스를 소재로 작업을 하는 아티스트는 많지만 산업 부품 파이프 피팅을 통해 대조적인 자연을 그려내고 있다는 건, 작가의 놀라운 발상이 있었기에 가능했던 일. 작가는 인공을 자연에 한 발 더 가까이 가기 위한 지속적인 여정을 멈추지 않는다. 인공으로 자연을 만드는 아티스트의 다음 발상과 상상이 궁금하다면? 은근한 금속 냄새와 고요한 용접이 기다리는 금속조각가 이형준의 신세계로 입장할 시간이다. 2호선 문래역에서 내려 우체국이 있는 방향으로 걷다 보면 일렬로 정렬한 철공소들이 나타난다. 오래전 문래동은 끊임없이 귀가 먹먹해지는 쇳소리와 시야를 가리는 먼지바람에 정신이 아득해지는 철공 단지였다. 집이 있던 보라매공원부터 4~5킬로미터를 하릴없이 걷곤 했던 소년에게 쇳가루와 분진이 날리는 문래동 철공 단지는 반짝반짝 빛나는 신기하고도 신비로운 보물섬이었다. 예술은 가장 어두운 곳에서 탄생한다고 했던가. 유일하게 활기찬 것이라고는 기계들뿐이었을 그곳에서 소년은 이미 무한한 가능성을 목도하고 있었는지도 모른다. 어린 시절 가능성의 무한한 자유로 자라났다. 철공과 예술. 이질적으로 느껴지는 조합으로 이루어진 미로를 사뿐한 발걸음으로 작가 이형준은 부유한다. 평범한 산업용 파이프 피팅Pipe Fiffing을 구부리고 잇고 두드리고 줄을 그어 완성한 선반은 우리가 ‘선반’으로만 알고 있던 것의 범주를 과감히 초월한다. 페르낭 레제Fernand Léger의 입체주의 그림에서 본 것 같기도 하고 레오나르도 다 빈치의 설계 도안에서 본 것 같기도 한 익숙하면서도 낯선 형태가 자꾸만 시선을 붙든다. ‘파이프 피팅’은 피상적 포맷에 불과할 뿐, 어쩌면 아티스트는 아트와 퍼니처, 예술과 실용, 냉기와 온기, 인공과 자연 등 하나가 될 수 없는 둘을 ‘피팅’하려는 시도와 실험을 거듭하고 있는 게 아닐까. 《기아 디자인 매거진》은 실험적 예술가이자 예리한 관찰자, 진지한 실험가인 이형준, 그에게 묻기 시작했다. Familiar materials are transformed into unfamiliar objects. Shiny metal pieces become wood complete with tree rings, without undergoing any heating or cooling processes, creating cold objects that radiate with warmth. Such transformation is made possible thanks to pipe fittings also known as pipe connectors. There are many artists who work with stainless steel, but an artist using pipe fittings to depict objects from nature is unprecedented. Hyungjun is on a continuous journey to bring artificial objects a step closer to the nature. We invite you to the world of metal sculptor Hyungjun Lee and explore the artist's next ideas. In Seoul, there is a street full of ironworks located near Mullae subway station. Decades ago, Mullae-dong was an ironworks complex full of sound and dust. During his childhood, Hyungjun used to walk several kilometers from his home near Boramae Park to the ironwork complex and was fascinated by it. It is said that art is born in unlikely places. Indeed, Hyungjun saw infinite possibility in the noisy and dusty complex full of industrial machinery. Somehow, Hyungjoon Lee floats through a maze of seemingly disparate combinations of industrial ironworks and crafting arts effortlessly. For example, his shelves which are made by bending, connecting, hammering, and lining ordinary industrial pipe fittings, boldly transcends the traditional boundary of shelves. The familiar yet unfamiliar shapes that seem to have come from a cubist painting by Fernand Léger or a design drawing by Leonardo da Vinci, draw our attention. The artist is using 'pipe fittings' as a medium, experimenting to blend two unlikely ideas and objects, such as art and furniture, art and practicality, coldness and warmth, man-made and natural. Kia Design Magazine interviewed Hyungjun Lee, a daring artist, keen observer, and serious experimenter, on what he is trying to achieve.
이방인이 담은 한국의 집
잉고 바움가르텐
Familiarity transformed into the unfamiliar The ordinary perceived through the exotic eyes, A foreigner’s portrait of a Korean house Ingo Baumgarten
풍경이 익숙해지면 우리는 그것에 큰 감흥을 느끼지 못한 채 스쳐 지나친다. 하지만 익숙한 듯한 풍경 속에서도 섬세한 관찰을 통해 익숙한 것을 낯설게, 평범한 것을 아름답게 화폭에 풀어내는 이가 있다. 바로 독일 화가 잉고 바움가르텐(이하 잉고). 일상에서 건축의 구조, 소재 등을 탐구하며, 자신만의 상상을 스토리텔링 하여 잉고만의 시선을 만들어 낸다. 잉고의 그림을 마주하면 마치 ‘이상한 나라 앨리스’로 빨려가듯 새로운 세상이 눈앞에 펼쳐진다. 그래서 우리는 무심코 스쳐 지나갔던 풍경을 다시금 돌아보게 된다. 16년째 한국에 살면서 서울을 관찰하며, 한국의 주택과 건물을 자신만의 해석으로 그리며 한국인들과 상호작용을 하는 잉고의 이야기가 시작된다. 독일의 서부 하노버 교외 작은 마을에서 태어나 그곳에서 학창 시절을 보냈다. 그 학생은 풍부한 문화가 있는 대도시를 동경했고, 미술학도이자 젊은 예술가가 되고자 파리로 떠났다. 독일에서 학업을 마친 후 ‘파리 시각예술고등예술원 Institute of Higher Studies in Visual Arts Paris’에 합격하여 초대받은 것. 그곳에서만 머물지 않고, 대만, 일본, 한국으로 유랑해왔다. 다문화적 관점을 견지한 잉고는 2008년 홍익대학교 교수가 되어 학생들을 가르치고, 1970년에서 1990년 사이에 지어진 콘크리트 주택에 매료되어 한국의 집과 건물을 화폭에 담고 있다. 잉고 바움가르텐이 한국의 주택에 매료된 데에는 유럽에서 나고 자란 환경이 한몫했다. 대부분의 유럽은 일률적으로 집을 짓는다. 지붕의 규격, 방의 구조 등 하나하나 정해진 법규가 있고, 집을 보수하기 위해서는 20년 정도가 흘러야 한다. 반면, 한국의 주택은 전통과 현대의 대비가 뚜렷하면서도 주택의 구조나 형식이 저마다 다르다. 이 대비 속에서 한국인들의 개성이 묻어 있는 저마다의 스토리가 잉고의 시선을 끌었다. 그런 잉고는 한국인이라면 무심코 지나쳤을 지붕을 보고 영감을 얻었다. “마치 두 손을 모으고 기도하는 모습처럼 느껴졌어요.” 이방인 시선에서 한국 주택은 영감의 원천이었고, 한국 주택이나 건물의 한 단면을 극대화하여, 자신만의 상상을 더해갔다. 《기아 디자인 매거진》은 한국적이면서도 한국적이지 않은 잉고 바움가르텐만의 세계가 궁금했다. 한국에서 어떤 매력을 느끼는지, 그 매력을 어떻게 그려내는지 등 한국을 바라보는 잉고의 관점이. When we become familiar with a landscape, we often pass by it without much thought or feeling. Yet, there are those who, through careful observation, manage to transform the familiar into the unfamiliar and the ordinary into the beautiful, expressing it through drawing. One such individual is the German painter Ingo Baumgarten. He explores the structures and materials of architecture in everyday life, weaving his unique imagination into a distinct storytelling style. Encountering Ingo's artwork feels like being drawn into a new world, much like being pulled into "Alice in Wonderland." This prompts us to revisit the landscapes we once overlooked. And this is the beginning of the story of Ingo, who has been observing Seoul after living in Korea for 16 years and interpreting its houses and buildings in his own way, and engaging with the local people. Born in Hanover, West Germany, later raised up in a small town close to Düsseldorf, Ingo spent his school days there. He always longed for the rich culture of the big cities and set off for Paris to pursue his dream of becoming an art student and a young artist. After ending his studies in Germany, Ingo was accepted and invited to the Institute of Higher Studies in Visual Arts Paris to study. Not limiting himself to Paris, he also traveled to Taiwan, Japan, and Korea. Embracing a multicultural perspective, Ingo settled in Korea in 2008, becoming a professor at Hongik University to teach fine art. Captivated by the concrete houses built between the 1970s and 1990s, he brings Korean homes and architecture to life on canvas. Ingo Baumgarten’s fascination with Korean houses can be traced back to his upbringing in Europe. In most parts of Europe, houses are built uniformly, with specific regulations governing aspects like roof dimensions and room layouts. There are strict laws in place, and houses typically require about 20 years to undergo renovations. In contrast, Korea displays a stark contrast between tradition and modernity, with each home having a unique structure and design. This contrast and unique features of each house caught Ingo’s eyes. And he was inspired by the roof, something many Koreans might pass by without a second thought. “It felt like hands clasped together in prayer,” he remarked. From the foreigner’s point of view, Korean homes were a source of inspiration. By magnifying particular elements of Korean houses and buildings, and blending them with his own imagination, he portrayed the landscapes of Korea in his art. was curious about Ingo Baumgarten's unique world, one that feels both distinctly Korean and yet not, through the eyes of a foreigner. What was it about Korea that attracted him? How did he translate that allure into his work? And how does Ingo perceive the country?
자연과 사람 예술의 어울림
스페이스미조
Creating intricate synergy with nature, people, and art
Space Mijo
보통 건축 설계에 반영해야 하는 주변 상황이나 맥락을 ‘콘텍스트(Context)’라는 단어로 표현합니다. 이 때문에 건축가에게 있어 콘텍스트는 영감의 원천이 되기도 하는데요. 도시재생이라면 더욱더 이 콘텍스트는 건축가에겐 중심이 될 수밖에 없습니다. 새로운 실험과 도전으로 기존 건축물과 차별화하면서도, 기존 건축물이 가진 주변의 맥락과 어울림은 유지해야 하기 때문이지요. 그 명제를 기꺼이 받아들이며 낯설면서도 익숙한 공간이 탄생했습니다. 바로 스페이스미조입니다. 남해안의 드넓은 바다, 어선이 그득한 미조항, 그 뒤로 펼치는 산과 여러 섬이 중첩되어 만들어낸 한국화에서 볼 법한 풍경. 이 중심에 스페이스미조를 설계한 박석희, 이선희 건축가가 있습니다. 두 건축가는 미조항의 콘텍스트를 한국의 미감으로 풀어내기 위해 기존 건물의 골자는 그대로 두고, 미조항의 풍경과 어울리도록 스케일은 줄여갔습니다. 《기아 디자인 매거진》이 ‘스페이스미조’를 선택한 이유입니다. 건축가로서 도전과 시도를 통해 복합문화공간이라는 현대적 이름을 달았지만 한국적 미감으로 풀어내 미조항의 풍경에 자연스럽게 스며든 어울림. 《기아 디자인 매거진》에서 두 건축가가 써 내려간 스페이스미조의 이야기를 따라가 봅니다. 필자는 몇 해 전부터 ‘천년의 탐사대’를 꾸려, 한국 건축의 흔적을 찾아다니고 있었다. 최근에 알게 된 것은 부여에서 시작해, 고(句)려, 백제, 신라, 다시 고려, 그리고 조선. 현재에 이르기까지 아름다움에 대한 한국인의 미감이 시대에 따라 달라져 왔으며, 전 국토에 걸쳐 복합적으로 연결되어 있다는 것을 발견할 수 있었다. 이러한 발견의 한복판에 서면 필자는 한국의 건축가로서 이것을 현대 건축에 스며들도록 하고자 하는 시대정신에 마음이 조급해진다. 고유섭 선생이 우리나라의 미감을 정의한 ‘구수한 큰 맛’을 교본 삼아, 건축을 해나가면서, 필자의 설계는 도면에서 도저히 표현할 수 없는 복합적인 감각의 아름다움을 향해 나아가고 있다. 스페이스미조는 이러한 감각의 복합적인 상승 관계를 이끌어내는 작업이었다. In architecture, the word 'context' usually refers to the surroundings or factors that must be reflected in a design. For this reason, context is often a source of inspiration for architects, especially when it comes to urban regeneration. Context is even more central for architects when designing new buildings, as they need to experiment and differentiate themselves from the existing architecture, while still blending in with the surroundings and existing buildings. Space Mijo is a fine example of the successful fusion of unfamiliar and familiar elements. Mijo Port boasts a picturesque view with the vast blue ocean dotted with fishing boats, and layers of small islands and mountains. Two architects, Park Seokhee and Lee Sunhee created Space Mijo by redesigning an old warehouse to enable it to blend in at the Mijo Port whilst having a distinctive touch of Korean aesthetics and retaining its basic structure. Space Mijo is designed as a cultural complex yet has elements of traditional Korean aesthetics, thanks to the designers’ successful take on incorporating distinctive Korean aesthetics into its design. This makes Space Mijo a perfect item to be in the spotlight in the Kia Design Magazine. Read on to learn all about the story of Space Mijo written by the two architects. For many years, we have traveled around the country, exploring, and discovering different Korean architecture. Over time we learned that the Korean sense of beauty has changed over time, as different dynasties have risen and fallen, from Buyeo to Joseon. We also learned that elements of Korean aesthetics have been dispersed over time, and regions are intricately connected across the entire country. Upon discovering all this, we became eager to translate it into contemporary Korean architecture. Late art historian, Ko Yoosup, summarized traditional Korean beauty as ‘profound savory taste’. We used this as a guideline in the Space Mijo project, which led to some wonderfully complex sensory beauty that could not be expressed in a drawing. The project was all about achieving a complex synergy of sensory beauty.
새로움을
향한 무한한 자유
Unlimited Freedom Toward Newness
자개, 레진, 나무 등을 재료로 활용해 독특한 스타일링을 선보이는 헤어 아티스트 가베와 식물에 인공적 재료를 더해 외계 식물이라는 이색적인 작품을 선보이는 플랜트 아티스트 하이이화. 익숙한 소재로 새로운 시각적 경험을 제공하는 두 아티스트의 작업은 ‘상반된 개념의 창의적 융합(Opposites United)’에 대한 신선한 영감을 불러일으킵니다. 더 이상 새로운 게 있을까 싶은 영역에서 예상을 뛰어넘는 신선한 작품을 맞닥뜨리며 경이로운 감정이 고양될 때가 있습니다. 헤어 아티스트 가베와 플랜트 아티스트 하이이화는 이런 놀라움을 선사하는 작가입니다. 자개, 레진, 나무 등을 소재로 헤어 스타일링의 신세계를 보여주는 가베는 영감의 원천이 어린 시절의 기억에 있다고 고백합니다. 동양미술과 불교에서 영향을 받은 하이이화는 식물과 전자부품으로 낯선 외계 식물을 만듭니다. 두 아티스트는 익숙함에서 출발해 작품세계를 자유롭게 확장하며 새로운 창의성(New Creativity)을 선보입니다. 안녕하세요. 헤어 아티스트 가베입니다. 안녕하세요. 저는 인공적인 요소와 식물을 결합해 현실에서 경험할 수 없는 미지 세계의 외계 식물을 만드는 플랜트 아티스트 하이이화입니다. Gabe, a hair artist, creates unique hairstyles using mother-of-pearl, resin, and wood, while HA I I HWA, a plant artist, creates alien plants by adding artificial materials. The work of these two artists, who create new visual experiences with familiar materials, provides fresh inspiration for “Opposites United.” Sometimes, in an area where you think there cannot be anything new anymore, you come across something fresh that exceeds your wildest expectations and inspires a sense of wonder. Hair artist Gabe and plant artist HA I I HWA are two such surprising artists. Gabe, who uses mother-of-pearl, resin, wood, and other out-of-the-ordinary materials to showcase a new world of hairstyling, confesses that his inspiration comes from childhood memories. HA I I HWA, on the other hand, is influenced by Eastern art and Buddhism. She creates strange alien plants using plants and electronic parts. These two artists offer viewers a new sense of creativity by starting from the familiar and pushing the boundaries of their respective art worlds. Hello. I’m hair artist Gabe. Hello. I’m HA I I HWA, a plant artist who combines man-made elements with plants to create alien plants from uncharted worlds that we can’t experience here in the real world.
Let’s
Enjoy Your Discovery!
Let’s Enjoy Your Discovery!
지난 6월 기아글로벌디자인(이하 기아디자인)으로부터 조직 활성화를 위한 워크숍 설계를 제안받았다. 자동차 디자인은 많은 디자이너들이 서로 협업하며 결과물을 완성하는 과정을 거치기 때문에 디자이너 개인의 크레딧보다는 조직을 우선하는 편이다. 특히 커다란 포부와 의욕을 가지고 입사한 디자이너가 디자인 작업에 몰두한 지 3~5년 정도 되면 리셋을 위한 리프레시가 필요해진다. 이를 위해 창의적 사고를 재충전하는 맞춤형 1일 워크숍 기획이 필요하다는 게 골자였다. 워크숍을 통해 어떤 시간을 보내고 싶은 걸까, 조심스레 물어보니 몇 가지로 압축할 수 있었다. 밑줄이 필요한 단어로 빼곡한 문장들에는 구성원에게 도움을 주고 싶다는 기아디자인의 진심이 가득 담겨있었다. 특히 ‘오퍼짓 유나이티드Opposites United’라는 철학 아래 많은 이들의 영감을 총체적으로 모아 결과물을 도출하는 조직 입장에서, 그 근본을 이루는 디자이너 개인의 정체성과 브랜딩에 신경을 쓰고 계속 소통하려 노력한다는 점은 명징했다. 게임 디자인을 바탕으로 몰입형 워크숍(immersive workshop)을 진행하는 우리 ‘놀공NOLGONG’의 장기를 활용하면 조직과 개인에게 모두 도움 되는 흥미로운 장을 마련할 수 있지 않을까, 생각이 들었다. In June 2023, I was approached by the Kia Global Design Division (hereinafter Kia Design) to organize a workshop that would revitalize their organization. Automotive design is a process where many designers collaborate to complete a product, so the organization tends to take precedence over individual designer credits. That is especially true for designers who joined the company with great ambition and motivation yet could still use a boost of momentum to reset themselves after three to five years of such immersive design work. The key was to design a customized one-day workshop to recharge their creative batteries. After carefully asking them what they wanted to do during the workshop, I narrowed it down to a few things. Kia Design’s sentences, filled with words that needed to be underlined, contained the organization’s sincere desire to help its members. In particular, it was clear that as an organization that collectively harnesses the inspiration of so many people to produce results under Kia’s design philosophy, “Opposites United,” it still cares about the identity and branding of each designer—which becomes the organizational foundation—and tries to continue communicating with them on an ongoing basis. I thought we could create an exciting opportunity that would benefit both the organization and the individuals themselves by leveraging NOLGONG’s extraordinary ability to conduct immersive workshops based on game design.
디자이너 로베르트 클로스.
그의 다양한 이야기를 들어봅니다.
Designer Robert Klos. Hear his various stories.
아주 어릴 때부터 자동차, 기차, 자전거를 참 좋아했어요. 몇 살인지 기억도 안나네요. 기계적인 면모를 띤 움직이는 사물에 항상 관심을 빼앗겼죠. 아파트 창밖을 내다보며 저 멀리 지나가는 열차의 화물칸 갯수를 세곤 했다니까요. 동네에 처음 보는 차가 지나가거나, 큰 트럭을 발견할 때면 뛸 듯이 기뻐했던 경험도 기억나네요. (웃음) 또 다른 취미는 그림 그리기였어요. 건축물이나 아파트 설계도를 그렸는데, 건축사무소에서 일하시던 할머니의 영향을 받은 게 아닐까 싶어요. 물론 자동차도 자주 그렸습니다! TV에 나온 F1 자동차를 따라 그리곤 했죠. 제가 디자인에 관심을 가진 특별한 계기가 있어요. 14살 때 제 사촌이 제품 디자인을 공부하고 있었어요. 그가 만든 작업물을 본 순간 깨달았죠. ‘내가 하고 싶은 건 바로 이런 거였어!’ 저는 제품 디자인에서 한 걸음 더 나아가, 어릴 적부터 늘 제 넋을 빼놓던 자동차를 디자인하고 싶다는 꿈을 품게 되었어요. 하지만 목표를 이루기까지는 조금 시간이 걸렸어요. 당시 제가 살던 폴란드 바르샤바에는 자동차 회사가 없었고, 자동차 디자인을 전공할 길도 묘연했어요. 그래서 독일과 오스트리아에서 공부를 했답니다. 시간이 흘러 2017년부터는 기아유럽디자인에서 일할 수 있었죠. 지금 이렇게 《기아 디자인 매거진》과 인터뷰를 하는 거 보니, 결국 꿈을 이룬 게 아닌가 싶네요. 하하. Ha, that’s a very tricky yet straightforward question. The answer to it might be a bit too long, though, if I would go into every detail. Anyway… Ever since I can remember, I have been fascinated by cars, trains, and bicycles; I have no idea why. Everything that was moving and had some technicality always got my attention :). I remember looking out the window of the flat I lived in as a kid and counting wagons of trains passing by in the distance. I remember feeling super happy seeing a new car or big truck on our street. Also, for some reason, I can’t explain why I was drawing a lot: architecture and plans of the apartments (I think my grandma, who was working in the architecture office, influenced me a bit; my dad is a fantastic drawer, too, by the way!) And, of course, I was drawing cars! Especially F1 Cars when I watched it on TV (I was six years old). Things evolved quite a bit over the years, and finally, when I was 14, I got interested in art and design. My cousin was studying Product design and showed me some stuff he was working on. BUM, that was it! I decided to take it a step further and try car design, even though we didn’t have any car design school or car industry in Poland. It took some time, some moving to different countries and learning, but hey, now I am here, talking to Kia Design Magazine, so I think things worked out quite well in the end :)
선입견을 넘어 무한한 가능성의 세계로
드랙 아티스트 나나영롱킴
Beyond Prejudice: Advancing Toward a World of Infinite Possibilities — Nana Youngrong Kim, Drag Artist
나나영롱킴은 현재 한국에서 가장 인지도 높은 드랙 아티스트다. 연극영화과에 진학해 배우의 길을 모색했지만, 남녀의 고정된 성역할과 로맨스가 주를 이루는 관습적 연기에서 한계를 느끼던 그는 우연히 드랙 아티스트를 조명한 영화 〈프리실라〉와 〈헤드윅〉을 접했고, 영화에 등장하는 드랙 아티스트의 화려한 의상과 소품에 마음을 빼앗기며 드랙 문화에 빠져들었다. 그때부터 현재까지 18년이라는 시간 동안 그는 기존의 클럽 무대에 머무르지 않고 다양한 문화 예술 장르에 도전하며 ‘성소수자들만의 문화’라는 드랙의 선입견을 허무는 데 지속적인 역할을 담당했다. 브라운아이드걸스, 마마무, 박효신, 유노윤호 등 다양한 K팝 아티스트와 협업했고, 럭셔리 브랜드 베르사체, 모스키노, 로에베, 루이 비통 등의 러브콜을 받았으며, 코스메틱 브랜드 헤라HERA의 캠페인 모델로 활동하며 컬래버레이션 제품을 발매했다. 그는 드랙을 주제로 한 개인 다큐멘터리 〈NA, NA〉를 제작하고, 한국 드랙 아티스트로는 유례없이 사진전을 여는 등 드랙 문화의 확장성을 계속 증명하는 중이다. Korea’s drag culture, once considered “cross-dressing” and enjoyed by just a small group of people, is now entering a new phase. Today, different definitions and categories of drag culture are emerging, and drag artists are expanding into a variety of genres. One name on this new cultural map is Nana Youngrong Kim, one of Korea’s leading drag artists. As a drag artist, Kim embraces freedom of expression and the diversity of genres, direct proof of his belief that drag is the act of being able to be absolutely anything. Drag culture is a liberating medium in that it can help anyone in the world move forward in the direction of their choice. Kia Design Magazine met up with Kim and listened to his perspective and attitude to change many of the stereotypes surrounding drag and highlight the infinite possibilities of drag culture as a driving force to enrich our times.

한류 3.0 이후의 한류 Hallyu after Hallyu 3.0

영국 런던에 위치한 빅토리아 앤 알버트 뮤지엄(이하 V&A)에서 의외의 전시가 열리고 있다. 이름부터 그 취지가 선명한 《한류 1)! 더 코리안 웨이브Hallyu! The Korean Wave》다. V&A는 1851년 만국박람회의 성과를 기념하며 설립한 뮤지엄이다. 그 역사가 증명하듯 장식미술, 디자인, 퍼포먼스 등에 집중해 인류학적 관점으로 유물을 수집, 보존, 전시하는 유구함을 자랑한다. 이런 역사적 배경과 명확한 지향점을 가진 뮤지엄에서 ‘한류’를 주제로 전시를 기획했다는 소식을 듣자마자 물음표가 한 가득 떠올랐다. “현재 진행형의 흐름인 한류가 어떻게 V&A의 전시 주제가 될 수 있었을까? 한류가 전시할 만큼의 실체를 가진 것이었단 말인가?”

The Victoria and Albert Museum (V&A) is holding an unexpected exhibition, Hallyu! 1)The Korean Wave, and one which clearly reveals its purpose through its title. The V&A is a museum that was established as the “Museum of Manufactures” in 1852, commemorating the achievement of the 1851 World’s Fair in London. Since then it has boasted a distinguished history of collecting, preserving, and exhibiting artifacts from a cultural and anthropological perspective by focusing on decorative art and design. As soon as I heard that this exhibition was planned under the theme of “hallyu”—and at a museum with such an acclaimed background and with a clear goal in mind—many questions came to mind, including “How could the presently ongoing trend of hallyu be the subject of an exhibition at the V&A?” as well as “Does that mean hallyu has enough substance to it for an entire exhibit?”

이런 질문의 바탕에는 어쩌면 한류에 관해 어딘가 모르게 어색하게 느껴왔던 마음이 있었는지도 모른다. 이따금 뉴스를 통해 들려오는 한국영화, 감독, 배우의 해외 수상 소식, 국내에서 제작한 넷플릭스 오리지널 드라마에 대한 국제적인 열광, K팝 아티스트의 폭발적인 인기까지, 소위 ‘국위선양’이라고 좋아할 만한 소식은 왠지 가깝고도 멀게 느껴졌던 게 사실이다. 지난 9월 ‘프리즈Frieze’ 아트 페어가 서울에 성공적으로 론칭하고, 해외 유명 갤러리가 줄지어 서울 지점을 내는 등 세계 미술계에서도 한국이 부쩍 주목받는 것을 체감하지만, 그럼에도 불구하고 한류는 손에 잡히지 않는 단어였다. 그래서 더 궁금했다. 한국인이 아닌 이들이 한국이 아닌 곳에서 열리는 전시를 통해 한류를 어떻게 해석하고 있을까.

Perhaps there was a feeling of awkwardness about hallyu driving these questions. It is true that so-called “national prestige enhancing” news, such as the occasional news of Korean films, directors, and actors winning awards abroad, international enthusiasm for locally produced Netflix original dramas, and the explosive popularity of K-pop artists, felt both close and distant to me at the same time. After the Frieze Art Fair was successfully launched in Seoul in September 2022, a number of famous overseas galleries opened branches in Korea’s capital city. As such, it was clear that Korea had gained more recognition in the global art world, yet hallyu remained a concept that Koreans could not fully wrap their heads around. That is why I was so curious about how non-Koreans would interpret hallyu through an exhibition held outside of Korea.

Installation image of exhibition introduction with PSY’s Gangnam Style, Hallyu! The Korean Wave at the V&A © Victoria and Albert Museum, London
가수 싸이의 〈강남스타일〉로 시작하는 전시 설치 전경 © Victoria and Albert Museum, London
Installation image, Hallyu! The Korean Wave at the V&A © Victoria and Albert Museum, London
《한류! 더 코리안 웨이브》의 설치 전경 © Victoria and Albert Museum, London

V&A가 《한류! 더 코리안 웨이브》를 통해 다룬 한류는 그 방향성이 선명했다. 이번 전시의 총괄 큐레이터이자 V&A 한국관 큐레이터이기도 한 로잘리 킴Rosalie Kim은 “한국은 전쟁의 상흔을 안고 소셜 미디어와 디지털 문화를 선도했고, 사회의식을 갖춘 글로벌 팬에 의해 증폭돼 문화 강국으로 이미지를 바꿨다”라고 전시 기획 의도를 밝힌 바 있다. ‘한류란 무엇인가?(What is Hallyu?)’라는 소제목이 붙은 도입부는 2012년 국제적인 센세이션을 일으켰던 가수 싸이(PSY)의 〈강남스타일〉로 전시의 시작을 알린다. 한류 콘텐츠로 연일 각광받던 〈강남스타일〉이 어느덧 10년 전 이야기라는 사실이 새삼스럽다.

Hallyu, as dealt with through the V&A’s Hallyu! The Korean Wave, had a very clear purpose in this case. When talking about this, Rosalie Kim, curator of the exhibition and the V&A’s Korean Pavilion, said, “South Korea has captivated the world over with hallyu, its vibrant and creative popular culture, which has transformed the country’s image from one devastated by the Korean War to that of a leading cultural powerhouse in the era of social media and digital culture today.” The introductory part, titled “What is Hallyu?” marks the beginning of the exhibition with singer PSY’s Gangnam Style, a song that caused an international sensation in 2012. It is crazy to think that Gangnam Style, which had been in the hallyu spotlight every day for so long, it seemed, is a story from a decade ago.

전시는 누구나 한번쯤 접했을 대중적인 콘텐츠로 관객의 친밀감을 확 끌어당긴 뒤 곧이어 일제강점기, 한국전쟁, 독재정권, 개발도상국으로서의 비약적인 산업 발전, 민주주의 쟁취라는 역동적인 근대사를 가진 한국의 역사적 배경을 살핀다. 첫 번째 섹션인 ‘기술 강국이 되기까지(From Rubble to Smartphones)’다. 1970년대 흑백 사진, 1988 서울올림픽의 호돌이 포스터, 삼성전자 공장 사진 등의 사료는 한국인이 보기엔 즉각적으로 시대와 맥락이 단번에 읽힌다. 그러나 외국 관객이 해당 사료를 감각적으로 느끼기는 쉽지 않을 것이 분명해 보였다. 타국의 역사와 문화에 대한 문해력 격차(literacy gap)는 자연스러운 난관이기 때문이다. 그럼에도 이번 전시는 단청의 색 조합에서 도출한 컬러 배리에이션과 백남준, 함경아, 권오상 등 한국 현대미술 작가 작품의 유기적 배치, 공간의 적극적인 대비감을 통한 감각적인 전시 흐름이 관객을 매혹한다.

The exhibition instantly imparts upon viewers a feeling of intimacy with popular content that almost anyone may have already encountered at least once, and then examines Korea’s historical background and its dynamic modern history, which starts in the Japanese colonial era and then moves through to the Korean War, dictatorship, rapid industrial development as a developing country, and the process of achieving democracy. The first section is “From Rubble to Smartphones.” The time frames and contexts of historical materials, such as black-and-white photographs in the 1970s, posters of Hodori at the 1988 Seoul Olympics, and photos of a Samsung Electronics factory, can of course be immediately interpreted from a Korean’s perspective. However, it was not clear if foreign audiences would be able to recognize those same historical materials with the appropriate magnitude they represented. This is because the literacy gap about the history and culture of a foreign country is a natural challenge for people. Nevertheless, the exhibition attracts viewers with its color variations derived from the color combination of dancheong (Korean traditional decorative coloring on wooden buildings), the systematic arrangement of Korean contemporary artists such as Nam June Paik, Ham Kyungah, and Gwon Osang, and the attractive flow of the exhibition through its deliberate contrast in spaces.

Installation image of Nam June Paik’s Mirage Stage, 1986, Hallyu! The Korean Wave at the V&A © Nam June Paik Estate, Victoria and Albert Museum, London
백남준의 〈미라지 스테이지〉(1986) 설치 이미지 © Nam June Paik Estate, Victoria and Albert Museum, London
Installation image featuring Gwon Osang’ sculpture, Hallyu! The Korean Wave at the V&A © Victoria and Albert Museum, London
권오상 작가의 조각을 보여주는 설치 이미지 © Victoria and Albert Museum, London

이번 전시의 크리에이티브 리드를 맡은 김영나 디자이너는 한류를 ‘살아있는 생물’로 파악했다. “저는 한류가 하나의 분야나 국가에 귀속하는 현상이라고 할 수 없는 동시대적인 흐름이라고 생각했어요. 전시 준비가 장기간 지속되다 보니 콘텐츠가 중간에 바뀌어야만 하는 상황들이 생기기도 했죠. 한류가 정말 변화무쌍한 콘텐츠라는 점을 다시 실감했던 것 같아요. 요즘 트렌드의 최전선에 있는 영역들이 한류와 관련된 게 워낙 많기도 하고요.” 이번 전시의 킥오프는 오래되었다. 전시 준비를 시작하던 3년 전만 하더라도 영화 〈기생충〉의 미국 아카데미 작품상 수상이나 넷플릭스 시리즈 〈오징어 게임〉의 국제적인 성공은 전혀 짐작할 수 없었다. 역동적인 한류의 성격 때문에 두 번째 섹션 ‘K드라마와 영화, 새로운 세상을 펼치며(Spotlighting K-drama and Cinema)’의 전시 요소는 준비 기간 중 그 내용이 계속해서 바뀌었다.

Designer Na Kim, who took charge of the creative lead in this exhibition, identified hallyu as a “living creature,” explaining, “For me, hallyu is a contemporary trend that cannot be said to belong to a single field or country. As the preparation for the exhibition went on over a long period of time, there were situations where the content had to change while we were in the midst of it all. This made me realize—yet again—that hallyu is indeed content that is constantly changing. Also, many areas that are at the forefront of cultural trends these days are related to hallyu.” In certain ways, this exhibition kicked off quite some time ago. Three years ago, when preparations for the exhibition began, the film Parasite had not won the Academy Award for Best Picture, while the international success of the Netflix series Squid Game was unthinkable. Due to hallyu’s dynamic nature, the exhibition elements of the second section, “Spotlighting K-drama and Cinema,” continued to change during the preparation period.

이런 변화무쌍한 콘텐츠를 진열장(cabinet) 형태로 전시했다는 점은 무척 흥미롭다. 진열장은 개인의 취향을 보여준다는 역사적 맥락을 갖고 있기도 하거니와, 과거의 유물이나 시공간을 원래의 맥락에서 이탈시켜 현재의 주제로 붙여놓는 방법론이기 때문이다. 이는 마치 한류가 ‘공식적으로’ 인류사에 남을만한 세계적 경향성으로 동의되는 듯한 느낌을 안겨 준다. 실제 김영나 디자이너는 ‘혼종성(Hybridity)’에 주목해 아이디어를 넓혔다. 예컨대 한국 1세대 광고 사진가 김한용(1924-2016)의 광고 포스터와 K팝 아티스트 블랙핑크 멤버인 리사의 미국 《빌보드Billboard》 매거진 커버 이미지를 나란히 배치할 때 생기는 맥시멀한 혼종성이 바로 그것이다. “시대가 뒤죽박죽 섞인 콘텐츠를 하나로 엮는 방식으로 캐비닛이 굉장히 효과적일 수 있겠다고 생각했어요. 아카이브화되어 절대성을 가진 콘텐츠처럼 해석할 수도 있지만, 이러한 콘텐츠를 받아들이는 개인의 주관성에 관한 유연함까지도 포용할 수 있는 장치가 아니었나 해요.” 요컨대 이는 국적을 초월한 동시대 사람이 ‘한류라는 언어’를 사용하는 방식에 관한 접근이었다.

It is actually very interesting that this ever-changing content was displayed in the form of a cabinet. The reason for this has to do with the cabinet and its historical context of capturing individual tastes. At the same time, it is also a methodology that deviates the past artifacts or time & space from the original context to connect them all under one present theme. This gives the impression that hallyu is officially seen as a global trend that has now cemented its place in human history. In fact, designer Na Kim expanded her idea by focusing on “hybridity.” For example, there is a distinct hybridity created when an advertisement poster from first-generation Korean advertising photographer Kim Han-Yong (1924-2016) is juxtaposed with a Billboard magazine cover image featuring Lisa, a member of the K-pop group BLACKPINK. As Na Kim put it, “I thought the cabinet could be a very effective way to combine the mixed content from different time periods into one exhibition. While it can be archived and interpreted as content with an absolute nature to it, I think the cabinet was a device that could embrace the flexibility of the individual’s subjectivity to accept such content.” In short, it was an approach to how contemporaries use the language of hallyu regardless of their nationality.

Installation image, Hallyu! The Korean Wave at the V&A © Victoria and Albert Museum, London
《한류! 더 코리안 웨이브》의 설치 전경 © Victoria and Albert Museum, London

전시는 ‘K팝과 팬덤, 세계적인 박자(Sounding K-pop and Fandoms)’와 ‘K뷰티와 패션, 밝은 전망(Making K-beauty and Fashion)’으로 이어지며 마무리한다. 역시 한류에 있어 빼놓을 수 없는 영역이다. 이번 전시의 파격적인 수집품 중 하나는 K팝 팬들이 직접 제작한 응원 배너들이다. 뮤지엄의 주요한 역할이 미술품 및 사료의 수집·보존·연구라는 점에서 이제 한류는 일종의 전 세계적 문화 현상으로서 수집·보존·연구가능한 영역에 포함되었다고 독해해볼 수도 있겠다. ‘무엇을 어떻게 역사화 할 것인가’에 대한 동시대적 입장은 이처럼 어디로 튈지 모르는 문화의 변형과 궤를 같이한다.

이번 전시는 비교적 긍정적이고, 명랑하고, 활기찬 뉘앙스가 가득하다. 학술적, 비평적 관점에서의 진지한 접근이라기보다, 대중문화 산업이 견인하는 흐름의 여파를 정리하는 정도로 보이기도 한다. 한류의 문화적 깊이와 지속성에 관해 당사자인 우리는 어떤 태도를 견지해야 할까? 김영나 디자이너는 한 가지 흥미로운 의견을 제시했다. “저는 지금 활발히 활동하는 20대 창작자를 주목해볼 만하다고 생각해요. 어딘가에 확실한 소속감을 느끼지 않고, 딱히 안전하게 기댈 만한 곳이 없는 사람들 특유의 강력한 에너지가 느껴지거든요. 그들이 만드는 ‘오리지널리티’로부터 그다음의 한류를 예감해볼 수 있지 않을까요?”

The exhibition continues with “Sounding K-pop and Fandoms” and ends with “Making K-beauty and Fashion.’’ These are indispensable aspects of hallyu. One of the unconventional collections of the exhibition has to do with cheering banners produced by K-pop fans. Given that the major role of a museum is to collect, preserve, and study art and historical materials, one could say that hallyu is now seen as something to be collected, preserved, and studied as a kind of global cultural phenomenon. The contemporary position on “what and how to historize” is in line with such an unpredictable transformation of culture.

This exhibition is full of relatively positive, uplifting, and energetic nuances. Rather than taking an overly serious approach from an academic and critical point of view, it seems to be a summary of the aftermath of trends driven by the pop culture industry. What mindset should we, the party concerned in this case, have regarding the cultural depth and continuity of hallyu? Designer Na Kim offered an interesting opinion: “I think it’s worth paying attention to creators in their 20s who are active right now. I can feel the strong energy unique to people who don’t feel a certain sense of belonging anywhere and don’t have a safe place to lean on. Don’t you think it’s possible to predict the next trend in hallyu from the originality they create?”

Installation image, Hallyu! The Korean Wave at the V&A © Victoria and Albert Museum, London
《한류! 더 코리안 웨이브》의 설치 전경 © Victoria and Albert Museum, London

문화콘텐츠 연구자들은 한류의 변천을 ‘동아시아 한류’와 ‘한류 2.0’, ‘한류 3.0’으로 구분하기도 한다. IMF 이후 <대장금>과 같은 한국 TV 드라마가 아시아권에서 주목받던 첫 번째 궤도를 지나, 2000년대 중반 이후로 가늠하는 한류 2.0에서는 온라인 게임과 아이돌 문화가 주류였다. 현재 진행형인 한류 3.0에서는 K팝 외에도 한글, 복식, 음식, 뷰티 전반을 꿰는 K콘텐츠에 관한 국경 없는 팬덤이 펼쳐지고 있다. 한류는 이제 종적(diachronic)인 분류에 그치지 않고 횡적(synchronic)인 접근으로서 개념화, 범주화되고 있다. 이번 전시 이후로 또 어떤 변화가 한류를 재구성할지 기대되는 대목이다.

Cultural content researchers also classify the changes in hallyu as “East Asian Hallyu,” “Hallyu 2.0,” and “Hallyu 3.0.” After the IMF foreign exchange crisis in the late 1990s, Korean dramas such as Dae Jang Geum (Jewel in the palace) marked the first step in attracting attention to Korean pop culture in Asia. Online games and idol culture, which took off in the mid-2000s, were then the mainstream of Hallyu 2.0. In the presently ongoing Hallyu 3.0, there is a borderless fandom concerning K-content that, in addition to K-pop, penetrates Hangeul, clothing, food, and the beauty industry. Hallyu is now not only being classified in a vertical way, but is also being conceptualized and categorized in a horizontal approach. As a result, it is likely that other changes will lead to reimagining what hallyu means after the exhibition, which runs until June 2023.