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두 아티스트의 물리적 화합
니콜라스 베커 X 안나 칼로사
Intersections Beyond Boundaries - Anna Galtarossa x Nicolas Becker
혼합물과 화합물은 다릅니다. 혼합물은 두 가지 이상의 물질이 섞이지만 각각의 성질은 그대로 가지고 있는 반면 화합물은 서로 단단하게 결합하여 새로운 물질이 되어 물질의 성분 자체가 다른 성질을 가지게 되지요. 이 화합물은 물질에서만 국한되는 것이 아닙니다. 서로 다른 영역에서 활약하는 아티스트들의 만남에서도 화학적 시너지는 발휘됩니다. 기아는 서로 다른 영역의 아티스트들이 ‘페어링’하여 새롭게 창조한 이야기를 지난 4월 ‘밀라노 디자인워크’에서 선보였습니다. 바로 전시 였습니다. 두 작가가 경계 너머의 창의적 작품을 선보였는데요. 이 전시에 참여한 아티스트 안나 칼타로사Anna Galtarossa와 니콜라스 베커Nicolas Becker가 협업한 ‘The Spirit of Disco’를 소개합니다. 전방위적으로 활약하는 안나 칼타로사(이하 안나)는 움직이는 키넥틱 아트를 바탕으로 작품을 구현하는 과정에서 니콜라스 베커(이하 니콜라스)와 사운드를 찾아가는 과정을 통해 ‘The Spirit of Disco’만의 예술적 가치를 보여주죠. 《기아 디자인 매거진》에서는 두 아티스트가 함께 작품을 만들어 내기까지의 과정과 그 안에 담긴 스토리, ‘페어링’의 의미를 어떻게 견지하고 있는지 이야기를 들어봅니다. 니콜라스 베커는 영화 사운드의 세계에서 다방면에 걸친 거장으로, 사운드 디자이너, 폴리 아티스트, 작곡가로 활동하고 있다. 그중 사운드 디자인에 있어 각 프로젝트에 맞는 맞춤형 마이크 만드는 방식으로 작업을 하는데, 이 방법은 그의 작업과 현대 미술의 영역을 엮어낸다. 특히 니콜라스는 2021년 4월 다리우스 마더Darius Marder 감독의 걸작인 로 아카데미 음향상을 수상했다. Mixtures and compounds are different. In a mixture, the original substances retain their individual properties, whereas a compound is a new substance that binds tightly together and becomes a new substance with a new property. Chemical synergy is not limited to substances; it also happens when artists from different fields collaborate. Kia presented a story of artists from different fields “pairing up” to create something new at the Milan design week last April. The title of the exhibition was Opposites United: Intersections Beyond Boundaries and it featured 'The Spirit of Disco', a collaboration work between two artists active in different fields, Anna Galtarossa and Nicolas Becker, to showcase their creative work across boundaries. Anna created a kinetic artwork and worked with Nicolas to find the right sound for her work, which culminated in The Spirit of Disco. Kia Design Magazine delved into the processes invovled in this collaboration, the story behind the process, and their perspectives on the meaning of 'pairing up'. My name is Nicolas Becker, I was born in France in 1970. I’m a foley artist, sound designer and composer. I have been working with sounds for 35 years. I live in Paris but work with people all over the world. I am Anna Galtarossa, I was born in Italy in 1975. I’m an artist and I’ve been working most of my life on sculptures and installations, mostly things that move. My art is generally very colorful, and my pieces prefer to be outside the protection of museums and galleries. I had my first exhibition as an artist in 2004, at the Spencer Brownstone Gallery, and they still represent me to this day.
나무는 숲의 에너지로
아뜰리에형준, 이형준
Pipe fittings grow into trees,
creating an energetic forest
익숙한 소재가 조금도 익숙하지 않은 오브제로 탄생한다. 가열이나 냉각 같은 물성 변화의 과정을 거치지 않았는데 번쩍거리던 금속은 나이테를 두른 나무가 되고 차가움은 따스함이 된다. 이 변화는 파이프 피팅이라는 산업 부품을 찾아낸 덕이다. 스테인리스를 소재로 작업을 하는 아티스트는 많지만 산업 부품 파이프 피팅을 통해 대조적인 자연을 그려내고 있다는 건, 작가의 놀라운 발상이 있었기에 가능했던 일. 작가는 인공을 자연에 한 발 더 가까이 가기 위한 지속적인 여정을 멈추지 않는다. 인공으로 자연을 만드는 아티스트의 다음 발상과 상상이 궁금하다면? 은근한 금속 냄새와 고요한 용접이 기다리는 금속조각가 이형준의 신세계로 입장할 시간이다. 2호선 문래역에서 내려 우체국이 있는 방향으로 걷다 보면 일렬로 정렬한 철공소들이 나타난다. 오래전 문래동은 끊임없이 귀가 먹먹해지는 쇳소리와 시야를 가리는 먼지바람에 정신이 아득해지는 철공 단지였다. 집이 있던 보라매공원부터 4~5킬로미터를 하릴없이 걷곤 했던 소년에게 쇳가루와 분진이 날리는 문래동 철공 단지는 반짝반짝 빛나는 신기하고도 신비로운 보물섬이었다. 예술은 가장 어두운 곳에서 탄생한다고 했던가. 유일하게 활기찬 것이라고는 기계들뿐이었을 그곳에서 소년은 이미 무한한 가능성을 목도하고 있었는지도 모른다. 어린 시절 가능성의 무한한 자유로 자라났다. 철공과 예술. 이질적으로 느껴지는 조합으로 이루어진 미로를 사뿐한 발걸음으로 작가 이형준은 부유한다. 평범한 산업용 파이프 피팅Pipe Fiffing을 구부리고 잇고 두드리고 줄을 그어 완성한 선반은 우리가 ‘선반’으로만 알고 있던 것의 범주를 과감히 초월한다. 페르낭 레제Fernand Léger의 입체주의 그림에서 본 것 같기도 하고 레오나르도 다 빈치의 설계 도안에서 본 것 같기도 한 익숙하면서도 낯선 형태가 자꾸만 시선을 붙든다. ‘파이프 피팅’은 피상적 포맷에 불과할 뿐, 어쩌면 아티스트는 아트와 퍼니처, 예술과 실용, 냉기와 온기, 인공과 자연 등 하나가 될 수 없는 둘을 ‘피팅’하려는 시도와 실험을 거듭하고 있는 게 아닐까. 《기아 디자인 매거진》은 실험적 예술가이자 예리한 관찰자, 진지한 실험가인 이형준, 그에게 묻기 시작했다. Familiar materials are transformed into unfamiliar objects. Shiny metal pieces become wood complete with tree rings, without undergoing any heating or cooling processes, creating cold objects that radiate with warmth. Such transformation is made possible thanks to pipe fittings also known as pipe connectors. There are many artists who work with stainless steel, but an artist using pipe fittings to depict objects from nature is unprecedented. Hyungjun is on a continuous journey to bring artificial objects a step closer to the nature. We invite you to the world of metal sculptor Hyungjun Lee and explore the artist's next ideas. In Seoul, there is a street full of ironworks located near Mullae subway station. Decades ago, Mullae-dong was an ironworks complex full of sound and dust. During his childhood, Hyungjun used to walk several kilometers from his home near Boramae Park to the ironwork complex and was fascinated by it. It is said that art is born in unlikely places. Indeed, Hyungjun saw infinite possibility in the noisy and dusty complex full of industrial machinery. Somehow, Hyungjoon Lee floats through a maze of seemingly disparate combinations of industrial ironworks and crafting arts effortlessly. For example, his shelves which are made by bending, connecting, hammering, and lining ordinary industrial pipe fittings, boldly transcends the traditional boundary of shelves. The familiar yet unfamiliar shapes that seem to have come from a cubist painting by Fernand Léger or a design drawing by Leonardo da Vinci, draw our attention. The artist is using 'pipe fittings' as a medium, experimenting to blend two unlikely ideas and objects, such as art and furniture, art and practicality, coldness and warmth, man-made and natural. Kia Design Magazine interviewed Hyungjun Lee, a daring artist, keen observer, and serious experimenter, on what he is trying to achieve.
이방인이 담은 한국의 집
잉고 바움가르텐
Familiarity transformed into the unfamiliar The ordinary perceived through the exotic eyes, A foreigner’s portrait of a Korean house Ingo Baumgarten
풍경이 익숙해지면 우리는 그것에 큰 감흥을 느끼지 못한 채 스쳐 지나친다. 하지만 익숙한 듯한 풍경 속에서도 섬세한 관찰을 통해 익숙한 것을 낯설게, 평범한 것을 아름답게 화폭에 풀어내는 이가 있다. 바로 독일 화가 잉고 바움가르텐(이하 잉고). 일상에서 건축의 구조, 소재 등을 탐구하며, 자신만의 상상을 스토리텔링 하여 잉고만의 시선을 만들어 낸다. 잉고의 그림을 마주하면 마치 ‘이상한 나라 앨리스’로 빨려가듯 새로운 세상이 눈앞에 펼쳐진다. 그래서 우리는 무심코 스쳐 지나갔던 풍경을 다시금 돌아보게 된다. 16년째 한국에 살면서 서울을 관찰하며, 한국의 주택과 건물을 자신만의 해석으로 그리며 한국인들과 상호작용을 하는 잉고의 이야기가 시작된다. 독일의 서부 하노버 교외 작은 마을에서 태어나 그곳에서 학창 시절을 보냈다. 그 학생은 풍부한 문화가 있는 대도시를 동경했고, 미술학도이자 젊은 예술가가 되고자 파리로 떠났다. 독일에서 학업을 마친 후 ‘파리 시각예술고등예술원 Institute of Higher Studies in Visual Arts Paris’에 합격하여 초대받은 것. 그곳에서만 머물지 않고, 대만, 일본, 한국으로 유랑해왔다. 다문화적 관점을 견지한 잉고는 2008년 홍익대학교 교수가 되어 학생들을 가르치고, 1970년에서 1990년 사이에 지어진 콘크리트 주택에 매료되어 한국의 집과 건물을 화폭에 담고 있다. 잉고 바움가르텐이 한국의 주택에 매료된 데에는 유럽에서 나고 자란 환경이 한몫했다. 대부분의 유럽은 일률적으로 집을 짓는다. 지붕의 규격, 방의 구조 등 하나하나 정해진 법규가 있고, 집을 보수하기 위해서는 20년 정도가 흘러야 한다. 반면, 한국의 주택은 전통과 현대의 대비가 뚜렷하면서도 주택의 구조나 형식이 저마다 다르다. 이 대비 속에서 한국인들의 개성이 묻어 있는 저마다의 스토리가 잉고의 시선을 끌었다. 그런 잉고는 한국인이라면 무심코 지나쳤을 지붕을 보고 영감을 얻었다. “마치 두 손을 모으고 기도하는 모습처럼 느껴졌어요.” 이방인 시선에서 한국 주택은 영감의 원천이었고, 한국 주택이나 건물의 한 단면을 극대화하여, 자신만의 상상을 더해갔다. 《기아 디자인 매거진》은 한국적이면서도 한국적이지 않은 잉고 바움가르텐만의 세계가 궁금했다. 한국에서 어떤 매력을 느끼는지, 그 매력을 어떻게 그려내는지 등 한국을 바라보는 잉고의 관점이. When we become familiar with a landscape, we often pass by it without much thought or feeling. Yet, there are those who, through careful observation, manage to transform the familiar into the unfamiliar and the ordinary into the beautiful, expressing it through drawing. One such individual is the German painter Ingo Baumgarten. He explores the structures and materials of architecture in everyday life, weaving his unique imagination into a distinct storytelling style. Encountering Ingo's artwork feels like being drawn into a new world, much like being pulled into "Alice in Wonderland." This prompts us to revisit the landscapes we once overlooked. And this is the beginning of the story of Ingo, who has been observing Seoul after living in Korea for 16 years and interpreting its houses and buildings in his own way, and engaging with the local people. Born in Hanover, West Germany, later raised up in a small town close to Düsseldorf, Ingo spent his school days there. He always longed for the rich culture of the big cities and set off for Paris to pursue his dream of becoming an art student and a young artist. After ending his studies in Germany, Ingo was accepted and invited to the Institute of Higher Studies in Visual Arts Paris to study. Not limiting himself to Paris, he also traveled to Taiwan, Japan, and Korea. Embracing a multicultural perspective, Ingo settled in Korea in 2008, becoming a professor at Hongik University to teach fine art. Captivated by the concrete houses built between the 1970s and 1990s, he brings Korean homes and architecture to life on canvas. Ingo Baumgarten’s fascination with Korean houses can be traced back to his upbringing in Europe. In most parts of Europe, houses are built uniformly, with specific regulations governing aspects like roof dimensions and room layouts. There are strict laws in place, and houses typically require about 20 years to undergo renovations. In contrast, Korea displays a stark contrast between tradition and modernity, with each home having a unique structure and design. This contrast and unique features of each house caught Ingo’s eyes. And he was inspired by the roof, something many Koreans might pass by without a second thought. “It felt like hands clasped together in prayer,” he remarked. From the foreigner’s point of view, Korean homes were a source of inspiration. By magnifying particular elements of Korean houses and buildings, and blending them with his own imagination, he portrayed the landscapes of Korea in his art. was curious about Ingo Baumgarten's unique world, one that feels both distinctly Korean and yet not, through the eyes of a foreigner. What was it about Korea that attracted him? How did he translate that allure into his work? And how does Ingo perceive the country?
자연과 사람 예술의 어울림
스페이스미조
Creating intricate synergy with nature, people, and art
Space Mijo
보통 건축 설계에 반영해야 하는 주변 상황이나 맥락을 ‘콘텍스트(Context)’라는 단어로 표현합니다. 이 때문에 건축가에게 있어 콘텍스트는 영감의 원천이 되기도 하는데요. 도시재생이라면 더욱더 이 콘텍스트는 건축가에겐 중심이 될 수밖에 없습니다. 새로운 실험과 도전으로 기존 건축물과 차별화하면서도, 기존 건축물이 가진 주변의 맥락과 어울림은 유지해야 하기 때문이지요. 그 명제를 기꺼이 받아들이며 낯설면서도 익숙한 공간이 탄생했습니다. 바로 스페이스미조입니다. 남해안의 드넓은 바다, 어선이 그득한 미조항, 그 뒤로 펼치는 산과 여러 섬이 중첩되어 만들어낸 한국화에서 볼 법한 풍경. 이 중심에 스페이스미조를 설계한 박석희, 이선희 건축가가 있습니다. 두 건축가는 미조항의 콘텍스트를 한국의 미감으로 풀어내기 위해 기존 건물의 골자는 그대로 두고, 미조항의 풍경과 어울리도록 스케일은 줄여갔습니다. 《기아 디자인 매거진》이 ‘스페이스미조’를 선택한 이유입니다. 건축가로서 도전과 시도를 통해 복합문화공간이라는 현대적 이름을 달았지만 한국적 미감으로 풀어내 미조항의 풍경에 자연스럽게 스며든 어울림. 《기아 디자인 매거진》에서 두 건축가가 써 내려간 스페이스미조의 이야기를 따라가 봅니다. 필자는 몇 해 전부터 ‘천년의 탐사대’를 꾸려, 한국 건축의 흔적을 찾아다니고 있었다. 최근에 알게 된 것은 부여에서 시작해, 고(句)려, 백제, 신라, 다시 고려, 그리고 조선. 현재에 이르기까지 아름다움에 대한 한국인의 미감이 시대에 따라 달라져 왔으며, 전 국토에 걸쳐 복합적으로 연결되어 있다는 것을 발견할 수 있었다. 이러한 발견의 한복판에 서면 필자는 한국의 건축가로서 이것을 현대 건축에 스며들도록 하고자 하는 시대정신에 마음이 조급해진다. 고유섭 선생이 우리나라의 미감을 정의한 ‘구수한 큰 맛’을 교본 삼아, 건축을 해나가면서, 필자의 설계는 도면에서 도저히 표현할 수 없는 복합적인 감각의 아름다움을 향해 나아가고 있다. 스페이스미조는 이러한 감각의 복합적인 상승 관계를 이끌어내는 작업이었다. In architecture, the word 'context' usually refers to the surroundings or factors that must be reflected in a design. For this reason, context is often a source of inspiration for architects, especially when it comes to urban regeneration. Context is even more central for architects when designing new buildings, as they need to experiment and differentiate themselves from the existing architecture, while still blending in with the surroundings and existing buildings. Space Mijo is a fine example of the successful fusion of unfamiliar and familiar elements. Mijo Port boasts a picturesque view with the vast blue ocean dotted with fishing boats, and layers of small islands and mountains. Two architects, Park Seokhee and Lee Sunhee created Space Mijo by redesigning an old warehouse to enable it to blend in at the Mijo Port whilst having a distinctive touch of Korean aesthetics and retaining its basic structure. Space Mijo is designed as a cultural complex yet has elements of traditional Korean aesthetics, thanks to the designers’ successful take on incorporating distinctive Korean aesthetics into its design. This makes Space Mijo a perfect item to be in the spotlight in the Kia Design Magazine. Read on to learn all about the story of Space Mijo written by the two architects. For many years, we have traveled around the country, exploring, and discovering different Korean architecture. Over time we learned that the Korean sense of beauty has changed over time, as different dynasties have risen and fallen, from Buyeo to Joseon. We also learned that elements of Korean aesthetics have been dispersed over time, and regions are intricately connected across the entire country. Upon discovering all this, we became eager to translate it into contemporary Korean architecture. Late art historian, Ko Yoosup, summarized traditional Korean beauty as ‘profound savory taste’. We used this as a guideline in the Space Mijo project, which led to some wonderfully complex sensory beauty that could not be expressed in a drawing. The project was all about achieving a complex synergy of sensory beauty.
새로움을
향한 무한한 자유
Unlimited Freedom Toward Newness
자개, 레진, 나무 등을 재료로 활용해 독특한 스타일링을 선보이는 헤어 아티스트 가베와 식물에 인공적 재료를 더해 외계 식물이라는 이색적인 작품을 선보이는 플랜트 아티스트 하이이화. 익숙한 소재로 새로운 시각적 경험을 제공하는 두 아티스트의 작업은 ‘상반된 개념의 창의적 융합(Opposites United)’에 대한 신선한 영감을 불러일으킵니다. 더 이상 새로운 게 있을까 싶은 영역에서 예상을 뛰어넘는 신선한 작품을 맞닥뜨리며 경이로운 감정이 고양될 때가 있습니다. 헤어 아티스트 가베와 플랜트 아티스트 하이이화는 이런 놀라움을 선사하는 작가입니다. 자개, 레진, 나무 등을 소재로 헤어 스타일링의 신세계를 보여주는 가베는 영감의 원천이 어린 시절의 기억에 있다고 고백합니다. 동양미술과 불교에서 영향을 받은 하이이화는 식물과 전자부품으로 낯선 외계 식물을 만듭니다. 두 아티스트는 익숙함에서 출발해 작품세계를 자유롭게 확장하며 새로운 창의성(New Creativity)을 선보입니다. 안녕하세요. 헤어 아티스트 가베입니다. 안녕하세요. 저는 인공적인 요소와 식물을 결합해 현실에서 경험할 수 없는 미지 세계의 외계 식물을 만드는 플랜트 아티스트 하이이화입니다. Gabe, a hair artist, creates unique hairstyles using mother-of-pearl, resin, and wood, while HA I I HWA, a plant artist, creates alien plants by adding artificial materials. The work of these two artists, who create new visual experiences with familiar materials, provides fresh inspiration for “Opposites United.” Sometimes, in an area where you think there cannot be anything new anymore, you come across something fresh that exceeds your wildest expectations and inspires a sense of wonder. Hair artist Gabe and plant artist HA I I HWA are two such surprising artists. Gabe, who uses mother-of-pearl, resin, wood, and other out-of-the-ordinary materials to showcase a new world of hairstyling, confesses that his inspiration comes from childhood memories. HA I I HWA, on the other hand, is influenced by Eastern art and Buddhism. She creates strange alien plants using plants and electronic parts. These two artists offer viewers a new sense of creativity by starting from the familiar and pushing the boundaries of their respective art worlds. Hello. I’m hair artist Gabe. Hello. I’m HA I I HWA, a plant artist who combines man-made elements with plants to create alien plants from uncharted worlds that we can’t experience here in the real world.
Let’s
Enjoy Your Discovery!
Let’s Enjoy Your Discovery!
지난 6월 기아글로벌디자인(이하 기아디자인)으로부터 조직 활성화를 위한 워크숍 설계를 제안받았다. 자동차 디자인은 많은 디자이너들이 서로 협업하며 결과물을 완성하는 과정을 거치기 때문에 디자이너 개인의 크레딧보다는 조직을 우선하는 편이다. 특히 커다란 포부와 의욕을 가지고 입사한 디자이너가 디자인 작업에 몰두한 지 3~5년 정도 되면 리셋을 위한 리프레시가 필요해진다. 이를 위해 창의적 사고를 재충전하는 맞춤형 1일 워크숍 기획이 필요하다는 게 골자였다. 워크숍을 통해 어떤 시간을 보내고 싶은 걸까, 조심스레 물어보니 몇 가지로 압축할 수 있었다. 밑줄이 필요한 단어로 빼곡한 문장들에는 구성원에게 도움을 주고 싶다는 기아디자인의 진심이 가득 담겨있었다. 특히 ‘오퍼짓 유나이티드Opposites United’라는 철학 아래 많은 이들의 영감을 총체적으로 모아 결과물을 도출하는 조직 입장에서, 그 근본을 이루는 디자이너 개인의 정체성과 브랜딩에 신경을 쓰고 계속 소통하려 노력한다는 점은 명징했다. 게임 디자인을 바탕으로 몰입형 워크숍(immersive workshop)을 진행하는 우리 ‘놀공NOLGONG’의 장기를 활용하면 조직과 개인에게 모두 도움 되는 흥미로운 장을 마련할 수 있지 않을까, 생각이 들었다. In June 2023, I was approached by the Kia Global Design Division (hereinafter Kia Design) to organize a workshop that would revitalize their organization. Automotive design is a process where many designers collaborate to complete a product, so the organization tends to take precedence over individual designer credits. That is especially true for designers who joined the company with great ambition and motivation yet could still use a boost of momentum to reset themselves after three to five years of such immersive design work. The key was to design a customized one-day workshop to recharge their creative batteries. After carefully asking them what they wanted to do during the workshop, I narrowed it down to a few things. Kia Design’s sentences, filled with words that needed to be underlined, contained the organization’s sincere desire to help its members. In particular, it was clear that as an organization that collectively harnesses the inspiration of so many people to produce results under Kia’s design philosophy, “Opposites United,” it still cares about the identity and branding of each designer—which becomes the organizational foundation—and tries to continue communicating with them on an ongoing basis. I thought we could create an exciting opportunity that would benefit both the organization and the individuals themselves by leveraging NOLGONG’s extraordinary ability to conduct immersive workshops based on game design.
디자이너 로베르트 클로스.
그의 다양한 이야기를 들어봅니다.
Designer Robert Klos. Hear his various stories.
아주 어릴 때부터 자동차, 기차, 자전거를 참 좋아했어요. 몇 살인지 기억도 안나네요. 기계적인 면모를 띤 움직이는 사물에 항상 관심을 빼앗겼죠. 아파트 창밖을 내다보며 저 멀리 지나가는 열차의 화물칸 갯수를 세곤 했다니까요. 동네에 처음 보는 차가 지나가거나, 큰 트럭을 발견할 때면 뛸 듯이 기뻐했던 경험도 기억나네요. (웃음) 또 다른 취미는 그림 그리기였어요. 건축물이나 아파트 설계도를 그렸는데, 건축사무소에서 일하시던 할머니의 영향을 받은 게 아닐까 싶어요. 물론 자동차도 자주 그렸습니다! TV에 나온 F1 자동차를 따라 그리곤 했죠. 제가 디자인에 관심을 가진 특별한 계기가 있어요. 14살 때 제 사촌이 제품 디자인을 공부하고 있었어요. 그가 만든 작업물을 본 순간 깨달았죠. ‘내가 하고 싶은 건 바로 이런 거였어!’ 저는 제품 디자인에서 한 걸음 더 나아가, 어릴 적부터 늘 제 넋을 빼놓던 자동차를 디자인하고 싶다는 꿈을 품게 되었어요. 하지만 목표를 이루기까지는 조금 시간이 걸렸어요. 당시 제가 살던 폴란드 바르샤바에는 자동차 회사가 없었고, 자동차 디자인을 전공할 길도 묘연했어요. 그래서 독일과 오스트리아에서 공부를 했답니다. 시간이 흘러 2017년부터는 기아유럽디자인에서 일할 수 있었죠. 지금 이렇게 《기아 디자인 매거진》과 인터뷰를 하는 거 보니, 결국 꿈을 이룬 게 아닌가 싶네요. 하하. Ha, that’s a very tricky yet straightforward question. The answer to it might be a bit too long, though, if I would go into every detail. Anyway… Ever since I can remember, I have been fascinated by cars, trains, and bicycles; I have no idea why. Everything that was moving and had some technicality always got my attention :). I remember looking out the window of the flat I lived in as a kid and counting wagons of trains passing by in the distance. I remember feeling super happy seeing a new car or big truck on our street. Also, for some reason, I can’t explain why I was drawing a lot: architecture and plans of the apartments (I think my grandma, who was working in the architecture office, influenced me a bit; my dad is a fantastic drawer, too, by the way!) And, of course, I was drawing cars! Especially F1 Cars when I watched it on TV (I was six years old). Things evolved quite a bit over the years, and finally, when I was 14, I got interested in art and design. My cousin was studying Product design and showed me some stuff he was working on. BUM, that was it! I decided to take it a step further and try car design, even though we didn’t have any car design school or car industry in Poland. It took some time, some moving to different countries and learning, but hey, now I am here, talking to Kia Design Magazine, so I think things worked out quite well in the end :)
선입견을 넘어 무한한 가능성의 세계로
드랙 아티스트 나나영롱킴
Beyond Prejudice: Advancing Toward a World of Infinite Possibilities — Nana Youngrong Kim, Drag Artist
나나영롱킴은 현재 한국에서 가장 인지도 높은 드랙 아티스트다. 연극영화과에 진학해 배우의 길을 모색했지만, 남녀의 고정된 성역할과 로맨스가 주를 이루는 관습적 연기에서 한계를 느끼던 그는 우연히 드랙 아티스트를 조명한 영화 〈프리실라〉와 〈헤드윅〉을 접했고, 영화에 등장하는 드랙 아티스트의 화려한 의상과 소품에 마음을 빼앗기며 드랙 문화에 빠져들었다. 그때부터 현재까지 18년이라는 시간 동안 그는 기존의 클럽 무대에 머무르지 않고 다양한 문화 예술 장르에 도전하며 ‘성소수자들만의 문화’라는 드랙의 선입견을 허무는 데 지속적인 역할을 담당했다. 브라운아이드걸스, 마마무, 박효신, 유노윤호 등 다양한 K팝 아티스트와 협업했고, 럭셔리 브랜드 베르사체, 모스키노, 로에베, 루이 비통 등의 러브콜을 받았으며, 코스메틱 브랜드 헤라HERA의 캠페인 모델로 활동하며 컬래버레이션 제품을 발매했다. 그는 드랙을 주제로 한 개인 다큐멘터리 〈NA, NA〉를 제작하고, 한국 드랙 아티스트로는 유례없이 사진전을 여는 등 드랙 문화의 확장성을 계속 증명하는 중이다. Korea’s drag culture, once considered “cross-dressing” and enjoyed by just a small group of people, is now entering a new phase. Today, different definitions and categories of drag culture are emerging, and drag artists are expanding into a variety of genres. One name on this new cultural map is Nana Youngrong Kim, one of Korea’s leading drag artists. As a drag artist, Kim embraces freedom of expression and the diversity of genres, direct proof of his belief that drag is the act of being able to be absolutely anything. Drag culture is a liberating medium in that it can help anyone in the world move forward in the direction of their choice. Kia Design Magazine met up with Kim and listened to his perspective and attitude to change many of the stereotypes surrounding drag and highlight the infinite possibilities of drag culture as a driving force to enrich our times.

자연과 사람, 예술의 복합적인 상승 관계-스페이스미조 Creating intricate synergy with nature, people, and art Space Mijo

Boiling Pot
Boiling Pot에는 ‘상반된 개념의 창의적 융합(Opposites United)’에서 정립된 문화적 특징이 용광로 속에서 정제된 순도 높은 문화의 스토리를 담았습니다. ‘공간’, ‘환경’, ‘예술’ 등의 사회·문화적 현상을 OU의 관점에서 조명하여, ‘Opposites United’를 새롭게 통찰합니다.

Boiling Pot
The Boiling Pot section covers stories about creative fusion of opposites, highlighting examples of highly refined cultural characteristics established within the Kia’s design philosophy of Opposites United. It is an attempt to deepen the understanding of Kia’s design philosophy by examining a place or artwork.

Editor’s note
보통 건축 설계에 반영해야 하는 주변 상황이나 맥락을 ‘콘텍스트(Context)’라는 단어로 표현합니다. 이 때문에 건축가에게 있어 콘텍스트는 영감의 원천이 되기도 하는데요. 도시재생이라면 더욱더 이 콘텍스트는 건축가에겐 중심이 될 수밖에 없습니다. 새로운 실험과 도전으로 기존 건축물과 차별화하면서도, 기존 건축물이 가진 주변의 맥락과 어울림은 유지해야 하기 때문이지요. 그 명제를 기꺼이 받아들이며 낯설면서도 익숙한 공간이 탄생했습니다. 바로 스페이스미조입니다. 남해안의 드넓은 바다, 어선이 그득한 미조항, 그 뒤로 펼치는 산과 여러 섬이 중첩되어 만들어낸 한국화에서 볼 법한 풍경. 이 중심에 스페이스미조를 설계한 박석희, 이선희 건축가가 있습니다. 두 건축가는 미조항의 콘텍스트를 한국의 미감으로 풀어내기 위해 기존 건물의 골자는 그대로 두고, 미조항의 풍경과 어울리도록 스케일은 줄여갔습니다. 《기아 디자인 매거진》이 ‘스페이스미조’를 선택한 이유입니다. 건축가로서 도전과 시도를 통해 복합문화공간이라는 현대적 이름을 달았지만 한국적 미감으로 풀어내 미조항의 풍경에 자연스럽게 스며든 어울림. 《기아 디자인 매거진》에서 두 건축가가 써 내려간 스페이스미조의 이야기를 따라가 봅니다.

Editor’s note
In architecture, the word ‘context’ usually refers to the surroundings or factors that must be reflected in a design. For this reason, context is often a source of inspiration for architects, especially when it comes to urban regeneration. Context is even more central for architects when designing new buildings, as they need to experiment and differentiate themselves from the existing architecture, while still blending in with the surroundings and existing buildings. Space Mijo is a fine example of the successful fusion of unfamiliar and familiar elements.
Mijo Port boasts a picturesque view with the vast blue ocean dotted with fishing boats, and layers of small islands and mountains. Two architects, Park Seokhee and Lee Sunhee created Space Mijo by redesigning an old warehouse to enable it to blend in at the Mijo Port whilst having a distinctive touch of Korean aesthetics and retaining its basic structure. Space Mijo is designed as a cultural complex yet has elements of traditional Korean aesthetics, thanks to the designers’ successful take on incorporating distinctive Korean aesthetics into its design. This makes Space Mijo a perfect item to be in the spotlight in the Kia Design Magazine. Read on to learn all about the story of Space Mijo written by the two architects.

필자는 몇 해 전부터 ‘천년의 탐사대’를 꾸려, 한국 건축의 흔적을 찾아다니고 있었다. 최근에 알게 된 것은 부여에서 시작해, 고(句)려, 백제, 신라, 다시 고려, 그리고 조선. 현재에 이르기까지 아름다움에 대한 한국인의 미감이 시대에 따라 달라져 왔으며, 전 국토에 걸쳐 복합적으로 연결되어 있다는 것을 발견할 수 있었다. 이러한 발견의 한복판에 서면 필자는 한국의 건축가로서 이것을 현대 건축에 스며들도록 하고자 하는 시대정신에 마음이 조급해진다. 고유섭 선생이 우리나라의 미감을 정의한 ‘구수한 큰 맛’을 교본 삼아, 건축을 해나가면서, 필자의 설계는 도면에서 도저히 표현할 수 없는 복합적인 감각의 아름다움을 향해 나아가고 있다. 스페이스미조는 이러한 감각의 복합적인 상승 관계를 이끌어내는 작업이었다.

For many years, we have traveled around the country, exploring, and discovering different Korean architecture. Over time we learned that the Korean sense of beauty has changed over time, as different dynasties have risen and fallen, from Buyeo to Joseon. We also learned that elements of Korean aesthetics have been dispersed over time, and regions are intricately connected across the entire country. Upon discovering all this, we became eager to translate it into contemporary Korean architecture. Late art historian, Ko Yoosup, summarized traditional Korean beauty as ‘profound savory taste’. We used this as a guideline in the Space Mijo project, which led to some wonderfully complex sensory beauty that could not be expressed in a drawing. The project was all about achieving a complex synergy of sensory beauty.

About. 박석희, 이선희 건축가

네츄럴시퀀스를 운영하는 박석희와 이선희 두 건축가는 ‘시대정신’이라는 키워드를 자신들의 테마로 삼고 있다. 시대정신이 깃든 동시에 차별화된 디자인을 선보이고자 노력한다. 그래서 두 건축가는 건축을 설계하는 데 있어 실행할 수 있는 합리적인 디자인과 새로움을 창조하는 데 많은 시간을 할애한다. 일상의 변화에서 새로운 것을 발견하고, 그것이 시대정신에 녹아들 수 있도록.

About Park Seokhee, Lee Sunhee, Architects

Park Seokhee and Lee Sunhee are leading architects at Natural Sequence Inc who regard ‘zeitgeist’ as their central theme. They strive to present designs that are both in the spirit of the times and yet differentiated at the same time. They spend a lot of time creating original designs that are still practical and rational. They strive to find something new in the changes of everyday life and incorporate it into their zeitgeist.

냉동창고에서 복합문화 공간으로

미조항은 1971년 국가 어항으로 지정될 만큼 수산업이 발달한 곳이다. 지금도, 어선이 미조항에 줄지어 있는 것을 볼 수 있는데, 활황이던 1986년 4층 규모의 냉동창고가 지어졌다. 그곳은 얼음을 만들어 고기잡이배에 공급하고 어획한 수산물을 냉동하던 산업시설이었다. 2000년대 들어서면서 시설의 노후화와 냉동 공간 확충으로 제2의 냉동창고가 지어지면서 미조항 냉동창고는 장기간 방치되었다. 쇠퇴한 냉동창고를 다르게 바꾸려는 노력이 이어졌고, 그 윤곽은 2018년이 되어서야 본격화되었다. 그것은 2022년 복합문화공간이라는 이름을 달고 ‘스페이스미조(이하 미조)’로 탄생했다. 미조는 예술과 문화의 허브이자 지역과 환경이 상생하는 공간을 모토로 연면적 1,815㎡, 총 4층 규모로 전시와 공연장은 물론 카페, 레스토랑, 편집숍 등이 한곳에 있어, 문화예술과 휴식을 동시에 취할 수 있다.

From warehouse to cultural complex

Mijo Fishing Port was designated as a national fishing port in 1971 and still has a strong fishing industry with boats lined up along the coast. The warehouse which became the Space Mijo was built in 1986. Originally ice was made in the four-story high warehouse, which was then supplied to fishing boats to enable them to store their catch. In the 2000s, the need for more freezing space led to the construction of a large warehouse and the old warehouse was left unused for a long time. Efforts were made to utilize the decrepit warehouse, and the plan for remodeling was finalized in 2018.
In 2022, the warehouse was reborn as a cultural complex named Space Mijo. Designed to serve as a hub for art and culture where the local community and nature coexist, Mijo has four floors with a total area of 1,815 square meters. It has space for exhibitions and performances with a cafe, a restaurant, and a boutique shop as well.

Space Mijo is designed to blend in with the surrounding Mijo Port area.
미조항 풍경이 펼쳐지는 스페이스미조는 남해와의 어울림을 중요시했다.

설계 방법1 (영감의 근원)
분위기Atmosphere

Design method 1 (Source of inspiration)
Atmosphere

The exhibition ‘In the Space Mijo Freezer’ was held in the large freezer of the warehouse, which was intended to convey the serene light found in the freezer.
<스페이스미조 냉동창고에서> 전시는 공사 전 어둠의 기획전시실에서 진행했는데, 냉동창고에서 발견한 고요한 빛을 관람객에 전하고자 했다.

미조항에 들어서면 남해 특유의 소금 냄새 속에서 역동적인 인간의 체험을 경험하게 된다.
그 바로 옆. 불타버린 냉동창고.
이와 대조적으로 어둠 속 고요한 빛의 아름다움이 느껴진다.
우리에게 무한한 가능성을 열어준다.

무언가를 만들기 시작할 무렵,
프로젝트를 향한 특별한 영감을 받게 되었는데,
건축은 이러한 분위기의 연속된 경험이 누적되어 완성된다.

When you arrive at Mijo Port, you will immediately be greeted with
the distinctive salty sea air and some dynamic experiences.
The burnt down warehouse creates a serene contrast
with the quiet beauty of light in the darkness.
It presents endless possibilities for us.

We get a special sense of inspiration for the project in the atmosphere
when we are about to start working on it.
Architecture is built on the accumulation of successive experiences of such inspirations.

When we are about to start working on a new project,
we get a special sense of inspiration.
Architecture is built on the accumulation of these bursts of inspiration.

설계 방법2 (디자인 방식)
시퀀스Sequence

Design method 2 (Design process)
Sequence

The 'Space Mijo Entrance' let light in, creating the feeling of entering another world.
‘스페이스미조 입구’는 빛이 들어오도록 하여, 다른 세계로 입장하는 듯한 느낌을 들게 한다.

나를 둘러싼 볼륨과 빛, 그리고 소리와 냄새.

경험의 전개에 있어서,
복합적으로 느껴지는 감각의 연속된 흐름을 통해
미적 감흥을 만들어 낸다.

The light, sounds and smells surround visitors.

As the experience unfolds, it creates an aesthetic sensation
through a continuous flow of complex sensations.

설계 방법3 (조율)
밸런스Balance

Design method 3 (Orchestration)
Balance

Sublimation by Berndnaut Smilde depicts a phenomenon in which solids vaporize directly without first becoming a liquid. Held at Space Mijo, telling the story of nature and architecture through the formation of clouds.
‘스페이스미조 미조홀’에서 진행한 베른나우트 스밀데의 <SUBLIMATION 승화: 고체가 액체로 변하는 과정을 거치지 않고 바로 기화되는 현상>은 자연과 건축의 이야기를 구름으로 표현했다.

자연과 그 무엇. 질박한 것과 세련된 것, 과거와 현재 사이에서
적절하게 균형을 잡아내는 것이야말로
건축가가 지속적으로 탐구해야 할 과제이다.

베른나우트 스밀데Berndnaut Smilde는 그의 전시에서
자연과 건축 사이의 또 하나의 균형을 만들어 내어
관람객들은 다시 예술의 근원에 한발 가까이 다가설 수 있었다.

Nature and something more.
Striking the right balance between the rustic and the refined,
the past and the present; a never-ending challenge for architects.

Berndnaut Smilde has created another balance
between nature and architecture in his exhibition,
and we are reminded of the origin of art once again.

예술과 문화의 허브이자, 주민의 공공커뮤니티 건축

남해 미조항 냉동창고는 기존의 재생프로젝트를 넘어서는 새로운 패러다임이 만들고자 했다. 과거에 냉동창고로 쓰였고, 지금은 유휴시설로 남아있는 이곳에, 빛을 조각하고, 비와 바람을 가져왔다. 꽃과 나무를 심었고, 다시 남해의 섬과 바다를 펼쳐 놓았다. 밤이 되면 이곳은 별과 달이 가득한 곳이 되고, 새벽이 되면 안개가 잔뜩 낀 미조항을 위한 등대가 되기도 한다. 이곳으로 초대된 방문자는 남해의 자연경관과 예술 속에서 편안한 마음으로 커뮤니티(남해 미조항의 어민들)를 만날 수 있다. 전체는 부분의 총합보다 크듯이, 이 공간은 자연 속에서 사람과 건축, 예술 사이의 복합적인 상승관계를 만들어 낸다. 이는 스페이스미조의 탄생 배경에서 비롯된 것이다. 스페이스미조는 로컬의 복합문화공간으로서 예술과 문화의 허브 역할을 자임하고 있다. 지속적인 전시를 통해 스페이스미조의 역할을 공고히 하며, 레지던스를 통해 예술가를 지역으로 유입하여 예술과 문화의 불모지인 남해의 새로운 활력을 불어넣고자 했다. 여기까지라면 스페이스미조가 공공의 모범적인 장소의 촉진제가 될 수 없었을 것이다. 아카이빙 워크숍 등을 열어 예술가와 주민들의 접점을 넓혀 지역 주민의 커뮤니티가 되도록 했다. 더 나아가 입점한 식당에서는 남해의 식재료를 활용하고, 중정 가든, 루프탑에서는 지역 주민에게 휴식을 선사하여 지속적으로 예술과 문화, 지역 주민을 연결하는 시도를 지속하고 있다.

Building an art and culture hub, as well as a community center for residents

We wanted to create a new paradigm with the retired warehouse in the Mijo Port that sets a new standard for regeneration projects. We sculpted light, brought rain and wind. We planted flowers and trees, and again opened up the islands and waters of the South Seas. At night, the warehouse becomes a place full of the stars and moon, and at dawn, a beacon for the foggy Mijo Port. Visitors are invited to meet the local residents in a relaxed atmosphere amidst the natural scenery of the sea and artworks.
Just as the whole is greater than the sum of its parts, Space Mijo creates a complex synergistic relationship between people, architecture, and art in nature. Such characteristics are rooted in the origin of Space Mijo, which is designed to be a local cultural space that serves as a hub for art and culture. It has an exhibition hall as well as residencies for artists. It aims to revitalize the Namhae region, which is not known for its art or culture, by continuously holding exhibitions to solidify the role of Space Mijo, and by bringing artists to the area by providing residencies.
There are many things that made Space Mijo an exemplary public space and that encouraged others to follow. For example, it regularly hosts archiving workshops to bring artists and residents closer. Furthermore, the restaurant utilizes ingredients from the South Sea, and the courtyard garden and rooftop provide a place for local residents to relax, thus making an ongoing effort to connect art, culture, and local residents.

The Mijo Port of Namhae has a distinctive landscape with the ocean, fishing villages, and mountains.
남해는 바다, 어촌 그리고 산과 섬이 중첩되어 미조항만의 풍경을 낳는다.
어두운 골목을 지나면 목도하는 거대한 원시림

남해 미조항은 작은 건물, 굽이진 길을 지나 바다가 펼쳐지고, 그 너머로 섬 여러 개가 중첩되어 작은 스케일로 분절되어 있다. 미조를 설계할 때도 이를 남해의 전반적인 콘텍스트로 이해했다. 건축가로서 미조는 미조항에 자연스럽게 스며들고 어울려야 한다고 생각했다. 이러한 생각은 남해 기획자 최승용 씨와 주고받은 편지에서 명확하게 엿볼 수 있다.

A vast natural forest just down the road

The Mijo Port consists of smaller blocks with small buildings, winding streets, the open ocean, and multiple islands beyond. When designing Space Mijo, we understood this as the overall context of Namhae. As architects, we felt that Space Mijo should fit in and blend in naturally with the Mijo Port, an idea that is evident in the letters we exchanged with Namhae planner Choi Seungyong.

안녕하세요. 최승용 대표님!
저번 주 미팅 후에 다음날, 섬이정원을 들리고, 다시 미조에 가보았습니다. 미조공간에서 중정이 오픈되고 있었습니다. 2층만 철거되었는데, 2층에서 보는 후정의 모습이 설계 때보다도 더 거대하게 보입니다. 아마 중정 전체가 철거되고, 비워지면 훨씬 더 공간의 스케일이 클 것입니다. 공간의 스케일은 중요한데, 최근에 김수근 선생님의 글을 보고, 다시 한번 정리하게 되었는데, 한국의 공간에 대해 이렇게 설명하고 있습니다.
“한국을 ‘조용한 아침의 나라’라고 부르는데, 산야가 매우 작은 스케일로 부드럽고, 중첩되어 있어, 이 중첩된 곳을 통과하고 끝이라고 생각하면, 또다시 중첩되고, 계곡이 나오는 반복 과정을 겪게 되는데, 그것들은 작은 스케일로 구성되어 있다.”

Dear Choi Seungyong,
The day after last week’s meeting, I visited the Seomi Garden, and then went back to Space Mijo to see that the courtyard was being opened. When viewed from the second floor, the rear garden looks larger than the blueprint suggested. The open space will be even greater when the courtyard is all cleared. The scale of the space is important. I recently came across an article by Soogeun Kim who describes space in Korea as follows. “Korea is called ‘the land of quiet mornings’ because it consists of many small mountains and open spaces which are nested across the country. When you think you reached the end of a nested place, you enter another nested place after crossing a valley because the whole country is made up of many such places.

필자는 2020년 남해에서 자연의 거대한 생명력을 만나며 미조항의 진면목을 목도했다. 중정이 될 거대한 공간을 철거하는 현장에 상록수림이 자리하고 있었던 것. 그곳을 주민과 방문객에게 보여주어야 한다는 사명감이 충만해졌다. 이를 위해 일상의 기쁨을 선사하고자 후정을 만들어 미조의 툇마루 같은 역할을 하도록 했다. 이 공간을 방문자들이 조금 더 극적으로 만나도록 공간의 시퀀스를 극대화했다. 출입구에 새어 나오는 빛을 따라 어두운 길목을 통과하여 원초적인 자연의 빛과 마주할 수 있도록.

We witnessed the true beauty of Mijo Port in 2020, full of nature’s vibrant life force. The huge space set to become the central courtyard faces a dense forest, and we felt compelled to show this to local residents and visitors. So, we decided to create a backcourt garden linking different sections of Space Mijo. We strengthened the sequence of spaces to make the experience of entering the space with the forest view more dramatic, inviting visitors to follow the light from the entrance through a dark pathway to finally come face to face with primal nature.

중정의 거대한 스케일을 그대로 느낄 수 있도록 비움을 통해 창의적이고 엄숙하고 정돈된 공간이 되도록 했다. 하지만 건축적으로 비워내는 것에서 그치지 않았다. 다시금 생명력을 불어넣어야 했다. 황량해진 공간에 꽃과 나무를 심고, 더 나아가 동물까지도 키움으로써 생동감까지 더했다. 중정에 거위를 키우는 아이디어를 냈던 이유도 그 때문이다.

In order to convey the sense of scale of the courtyard, the space was hollowed out to create a creative, solemn, and organized space. But we didn’t stop at physically hollowing out the space. We had to bring life back to the space by planting flowers, trees, and even bringing animals to the new space. That’s why we are raising geese in the courtyard.

차경을 통한 빛과 오래됨과 새로움의 교차

미조는 공간의 시퀀스에 따라 과거와 현재, 남해와 상록수림, 예술과 인간의 역동적인 어업활동이 서로 간의 긴장과 조화를 이루며, 다양한 공간 스케일의 변화 속에서 복합적인 상승효과를 일으키도록 하기 위해 노력했다. 이 때문에 전면에 3m 높이의 브릿지를 설치하고, 그 뒤로 연못을 두고, 2m의 벽체를 중첩해 설치했다. 벽체 뒤에는 원시림이 둘러싸고 있는데, 이 울창한 원시림에서 쏟아지는 빛을 12m 높이에 채광창을 설치하여 내부를 밝히도록 했다. 뒷면은 당연히 미조항의 바다가 한눈에 들어온다. 그래서 미조는 한옥에 쓰이는 차경借景이라는 말이 잘 어울리는 곳이다. 차경은 ‘창이라는 액자에 자연의 경치를 빌린다’는 뜻으로 사시사철 변화하는 남해와 시시각각 변화하는 빛이 미조를 감싸며, 바라보는 순간마다 늘 다른 미조의 모습을 보여준다.
또한 미조는 오래된 냉동고의 일부를 중심으로 오래된 것과 새로운 재료가 조화를 이루어 냉동고의 흔적을 남겨두었다. 기존 건축에 남아 있던 냉각수 파이프는 이곳의 장소성을 보존하기 위해 복원했고, 냉동실의 마감은 어느 정도 남겨두어 기능에 따라 새로운 재료를 덧붙여가며 오래됨과 새로움이 교차함으로써 균형을 맞추었다.

Light through natural scenery and the intersection of old and new

We strived to create a spatial sequence in which the past and present, the South Sea and the evergreen forest, art and energetic fishing activities, interplay with both tension and harmony, creating a complex synergy in the variation of spatial scales. This is why a 3-meter-high bridge was installed in the front, with a pond behind it, and a 2-meter wall was superimposed as well.
There is the forest behind the wall and the light that passes through the forest enters through the skylight installed 12 meters high, illuminating the interior. The backside of the building overlooks the Mijo Harbor, providing a scenic view for people inside. It is a feature often found in traditional hanok houses. The changes of the seasons and natural light creates an ever-changing look for Space Mijo.
We tried to preserve a trace of the freezer used in the warehouse by introducing new elements to part of an old freezer in a harmonious manner. The cooling water pipes that remained from the original construction were restored to preserve the sense of place, and some of the icehouse features were also left untouched, while new materials were added as needed, creating a balance between old and new.

Space Mijo's main courtyard and rooftop garden. The rocky cliffs, the dense evergreen forests growing on them, and the waters of the South Sea.
스페이스미조의 메인 중정가든과 옥상정원에는 병풍처럼 펼쳐진 암석절벽과 그 위를 뒤덮은 울창한 상록수림, 남해바다까지 한국화를 접하는 듯하다.
Some parts of the icehouse freezer were left in their original condition, and new materials were added based on functionality.
냉동실의 마감을 어느 정도 남겨두어, 기능에 따라 새로운 재료를 덧붙였다.
The cooling water pipes were cleaned and restored to preserve the sense of place and to honor the past and bring it into the present.
과거의 역사를 기념하고 현재의 기념비로 가져오기 위해 냉각수 파이프는 깨끗이 닦아 복원하고, 이곳의 장소성을 보존했다.
구수한 큰 맛을 내는 공공의 선을 추구하는 공간

순간순간의 자연이 공간 내부로 깊숙이 전달되어, 방문객으로 하여금 내외부의 모든 것을 시시각각 경험하게 하는 것, 그리고 항구의 역동성으로 읽히는 인간의 활동과 자연의 생명력이 정적인 내부 공간에 생동감을 부여했다. 이로써 방문객은 미조의 모든 공간에서 복합적인 경험할 수 있는 이유다. 이 속에서 복합적인 상승효과가 일어나 ‘공공의 선’을 추구하는 공간, 미조가 되길 바랬다. 그래서 필자는 남해 미조항과 어울리도록 공간이 스케일을 다듬고, 시퀀스에 따라 빛이 들어오게 하였다. 이것이 고유섭 선생이 말씀하신 ‘구수한 큰 맛’의 미감이 아닐까 한다. 구수한 큰 맛은 ‘작지만 깊은 구수한 맛’의 의미로 해석할 수 있을 듯하다. 스페이스미조는 작지만 남해의 자연을 품은 넉넉함으로 사람과 예술이 서로 상승하기에 시간이 지나면 지날수록 구수한 큰 맛은 더욱 깊어지리라.

A space for the common good that has a profound savory taste

Every space in Space Mijo is designed to provide a complex experience for visitors: nature can be seen and experienced from inside of the building in real time, allowing visitors to experience both inside and outside of the building at the same time. It also allows visitors to experience the vibrant life force of human activity and nature, the dynamism of the harbor, from the static space inside. Depending on the sequence of spaces, the past and present, the South Sea and evergreen forest, art and fishing are in tension and in harmony with each other. As a result, complex synergies are created in the variation of different spatial scales. We ultimately wanted Space Mijo to be a space that promotes the common good.
We scaled Space Mijo to match that of the Mijo Port and let the light in according to the sequence to match the Mijo Port, creating the ‘profound savory taste’ that late art historian Ko Yoosup. talks about. Speaking of ‘profound savory taste’ we think it could mean ‘small in scale but richly flavorful’. Space Mijo may be small, but it is a place where people and art are elevated by the generosity of the South Sea’s nature. Consequently, its savory taste will deepen with the passing of time.

스페이스미조
| 대지 위치 경상남도 남해군 미조면 미조리 170-32
| 지역 지구 계획관리지역, 주거개발진흥지구, 주거용지
| 주요 용도 냉동창고 → 문화 및 집회시설
| 대지 면적 4,917 ㎡
| 건축 면적 925.18 ㎡ (건폐율 18.28%)
| SPACE MIJO 사업시설

Epilogue

두 건축가의 이야기는 ‘한국의 미감을 살린 구수한 큰 맛’을 스페이스미조에 담고자 했습니다. 어촌의 역동성과 반대로 냉동창고의 어두운 빛의 극적인 대비. 미조항의 생동감 넘치는 빛깔을, 통창을 통해 스페이스미조에 담는 동시에 남해와 어촌, 중첩된 산과 섬 등 자연을 담아 사색할 수 있는 공간으로 만들었습니다. 이 때문에 냉동창고가 품고 있던 상록수림은 스페이스미조가 툇마루 역할을 하며 모두의 공간으로 거듭날 수 있었던 것이지요. 《기아 디자인 매거진》은 두 건축가의 이야기를 따라가다 보니 이런 결론에 다다랐습니다. ‘오퍼짓 유나이티드(Opposites United)’의 상반된 창의적인 융합은 스페이스미조가 바라던 자연과 사람, 예술이 함께 복합적인 상승이 아닐까라고 말입니다.

Epilogue

The two architects strived to create a ‘profound savory taste’ of Korean aesthetics in the design of Space Mijo. The architects found inspiration in the old warehouse of Mijo Port and captured the dramatic contrast between the dynamism of the fishing village and the dim light of the warehouse and the vibrant colors of Mijo Port in the Space Mijo using the floor-to-ceiling windows. They also strived to ensure Space Mijo blends in with its surroundings; the South Sea, the fishing village, the overlapping mountains and islands, by taking on design measures including scaling down of the Space Mijo itself.
They decided to empty out part of the Space Mijo to provide local residents with access to a conifer forest by the warehouse. As Kia Design Magazine followed the story of the two architects, I suddenly found myself thinking that the complex ascension of nature, people, and art found in Space Mijo is the creative fusion of opposites that Kia seeks to achieve in its design philosophy of ‘Opposites United’.