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두 아티스트의 물리적 화합
니콜라스 베커 X 안나 칼로사
Intersections Beyond Boundaries - Anna Galtarossa x Nicolas Becker
혼합물과 화합물은 다릅니다. 혼합물은 두 가지 이상의 물질이 섞이지만 각각의 성질은 그대로 가지고 있는 반면 화합물은 서로 단단하게 결합하여 새로운 물질이 되어 물질의 성분 자체가 다른 성질을 가지게 되지요. 이 화합물은 물질에서만 국한되는 것이 아닙니다. 서로 다른 영역에서 활약하는 아티스트들의 만남에서도 화학적 시너지는 발휘됩니다. 기아는 서로 다른 영역의 아티스트들이 ‘페어링’하여 새롭게 창조한 이야기를 지난 4월 ‘밀라노 디자인워크’에서 선보였습니다. 바로 전시 였습니다. 두 작가가 경계 너머의 창의적 작품을 선보였는데요. 이 전시에 참여한 아티스트 안나 칼타로사Anna Galtarossa와 니콜라스 베커Nicolas Becker가 협업한 ‘The Spirit of Disco’를 소개합니다. 전방위적으로 활약하는 안나 칼타로사(이하 안나)는 움직이는 키넥틱 아트를 바탕으로 작품을 구현하는 과정에서 니콜라스 베커(이하 니콜라스)와 사운드를 찾아가는 과정을 통해 ‘The Spirit of Disco’만의 예술적 가치를 보여주죠. 《기아 디자인 매거진》에서는 두 아티스트가 함께 작품을 만들어 내기까지의 과정과 그 안에 담긴 스토리, ‘페어링’의 의미를 어떻게 견지하고 있는지 이야기를 들어봅니다. 니콜라스 베커는 영화 사운드의 세계에서 다방면에 걸친 거장으로, 사운드 디자이너, 폴리 아티스트, 작곡가로 활동하고 있다. 그중 사운드 디자인에 있어 각 프로젝트에 맞는 맞춤형 마이크 만드는 방식으로 작업을 하는데, 이 방법은 그의 작업과 현대 미술의 영역을 엮어낸다. 특히 니콜라스는 2021년 4월 다리우스 마더Darius Marder 감독의 걸작인 로 아카데미 음향상을 수상했다. Mixtures and compounds are different. In a mixture, the original substances retain their individual properties, whereas a compound is a new substance that binds tightly together and becomes a new substance with a new property. Chemical synergy is not limited to substances; it also happens when artists from different fields collaborate. Kia presented a story of artists from different fields “pairing up” to create something new at the Milan design week last April. The title of the exhibition was Opposites United: Intersections Beyond Boundaries and it featured 'The Spirit of Disco', a collaboration work between two artists active in different fields, Anna Galtarossa and Nicolas Becker, to showcase their creative work across boundaries. Anna created a kinetic artwork and worked with Nicolas to find the right sound for her work, which culminated in The Spirit of Disco. Kia Design Magazine delved into the processes invovled in this collaboration, the story behind the process, and their perspectives on the meaning of 'pairing up'. My name is Nicolas Becker, I was born in France in 1970. I’m a foley artist, sound designer and composer. I have been working with sounds for 35 years. I live in Paris but work with people all over the world. I am Anna Galtarossa, I was born in Italy in 1975. I’m an artist and I’ve been working most of my life on sculptures and installations, mostly things that move. My art is generally very colorful, and my pieces prefer to be outside the protection of museums and galleries. I had my first exhibition as an artist in 2004, at the Spencer Brownstone Gallery, and they still represent me to this day.
나무는 숲의 에너지로
아뜰리에형준, 이형준
Pipe fittings grow into trees,
creating an energetic forest
익숙한 소재가 조금도 익숙하지 않은 오브제로 탄생한다. 가열이나 냉각 같은 물성 변화의 과정을 거치지 않았는데 번쩍거리던 금속은 나이테를 두른 나무가 되고 차가움은 따스함이 된다. 이 변화는 파이프 피팅이라는 산업 부품을 찾아낸 덕이다. 스테인리스를 소재로 작업을 하는 아티스트는 많지만 산업 부품 파이프 피팅을 통해 대조적인 자연을 그려내고 있다는 건, 작가의 놀라운 발상이 있었기에 가능했던 일. 작가는 인공을 자연에 한 발 더 가까이 가기 위한 지속적인 여정을 멈추지 않는다. 인공으로 자연을 만드는 아티스트의 다음 발상과 상상이 궁금하다면? 은근한 금속 냄새와 고요한 용접이 기다리는 금속조각가 이형준의 신세계로 입장할 시간이다. 2호선 문래역에서 내려 우체국이 있는 방향으로 걷다 보면 일렬로 정렬한 철공소들이 나타난다. 오래전 문래동은 끊임없이 귀가 먹먹해지는 쇳소리와 시야를 가리는 먼지바람에 정신이 아득해지는 철공 단지였다. 집이 있던 보라매공원부터 4~5킬로미터를 하릴없이 걷곤 했던 소년에게 쇳가루와 분진이 날리는 문래동 철공 단지는 반짝반짝 빛나는 신기하고도 신비로운 보물섬이었다. 예술은 가장 어두운 곳에서 탄생한다고 했던가. 유일하게 활기찬 것이라고는 기계들뿐이었을 그곳에서 소년은 이미 무한한 가능성을 목도하고 있었는지도 모른다. 어린 시절 가능성의 무한한 자유로 자라났다. 철공과 예술. 이질적으로 느껴지는 조합으로 이루어진 미로를 사뿐한 발걸음으로 작가 이형준은 부유한다. 평범한 산업용 파이프 피팅Pipe Fiffing을 구부리고 잇고 두드리고 줄을 그어 완성한 선반은 우리가 ‘선반’으로만 알고 있던 것의 범주를 과감히 초월한다. 페르낭 레제Fernand Léger의 입체주의 그림에서 본 것 같기도 하고 레오나르도 다 빈치의 설계 도안에서 본 것 같기도 한 익숙하면서도 낯선 형태가 자꾸만 시선을 붙든다. ‘파이프 피팅’은 피상적 포맷에 불과할 뿐, 어쩌면 아티스트는 아트와 퍼니처, 예술과 실용, 냉기와 온기, 인공과 자연 등 하나가 될 수 없는 둘을 ‘피팅’하려는 시도와 실험을 거듭하고 있는 게 아닐까. 《기아 디자인 매거진》은 실험적 예술가이자 예리한 관찰자, 진지한 실험가인 이형준, 그에게 묻기 시작했다. Familiar materials are transformed into unfamiliar objects. Shiny metal pieces become wood complete with tree rings, without undergoing any heating or cooling processes, creating cold objects that radiate with warmth. Such transformation is made possible thanks to pipe fittings also known as pipe connectors. There are many artists who work with stainless steel, but an artist using pipe fittings to depict objects from nature is unprecedented. Hyungjun is on a continuous journey to bring artificial objects a step closer to the nature. We invite you to the world of metal sculptor Hyungjun Lee and explore the artist's next ideas. In Seoul, there is a street full of ironworks located near Mullae subway station. Decades ago, Mullae-dong was an ironworks complex full of sound and dust. During his childhood, Hyungjun used to walk several kilometers from his home near Boramae Park to the ironwork complex and was fascinated by it. It is said that art is born in unlikely places. Indeed, Hyungjun saw infinite possibility in the noisy and dusty complex full of industrial machinery. Somehow, Hyungjoon Lee floats through a maze of seemingly disparate combinations of industrial ironworks and crafting arts effortlessly. For example, his shelves which are made by bending, connecting, hammering, and lining ordinary industrial pipe fittings, boldly transcends the traditional boundary of shelves. The familiar yet unfamiliar shapes that seem to have come from a cubist painting by Fernand Léger or a design drawing by Leonardo da Vinci, draw our attention. The artist is using 'pipe fittings' as a medium, experimenting to blend two unlikely ideas and objects, such as art and furniture, art and practicality, coldness and warmth, man-made and natural. Kia Design Magazine interviewed Hyungjun Lee, a daring artist, keen observer, and serious experimenter, on what he is trying to achieve.
이방인이 담은 한국의 집
잉고 바움가르텐
Familiarity transformed into the unfamiliar The ordinary perceived through the exotic eyes, A foreigner’s portrait of a Korean house Ingo Baumgarten
풍경이 익숙해지면 우리는 그것에 큰 감흥을 느끼지 못한 채 스쳐 지나친다. 하지만 익숙한 듯한 풍경 속에서도 섬세한 관찰을 통해 익숙한 것을 낯설게, 평범한 것을 아름답게 화폭에 풀어내는 이가 있다. 바로 독일 화가 잉고 바움가르텐(이하 잉고). 일상에서 건축의 구조, 소재 등을 탐구하며, 자신만의 상상을 스토리텔링 하여 잉고만의 시선을 만들어 낸다. 잉고의 그림을 마주하면 마치 ‘이상한 나라 앨리스’로 빨려가듯 새로운 세상이 눈앞에 펼쳐진다. 그래서 우리는 무심코 스쳐 지나갔던 풍경을 다시금 돌아보게 된다. 16년째 한국에 살면서 서울을 관찰하며, 한국의 주택과 건물을 자신만의 해석으로 그리며 한국인들과 상호작용을 하는 잉고의 이야기가 시작된다. 독일의 서부 하노버 교외 작은 마을에서 태어나 그곳에서 학창 시절을 보냈다. 그 학생은 풍부한 문화가 있는 대도시를 동경했고, 미술학도이자 젊은 예술가가 되고자 파리로 떠났다. 독일에서 학업을 마친 후 ‘파리 시각예술고등예술원 Institute of Higher Studies in Visual Arts Paris’에 합격하여 초대받은 것. 그곳에서만 머물지 않고, 대만, 일본, 한국으로 유랑해왔다. 다문화적 관점을 견지한 잉고는 2008년 홍익대학교 교수가 되어 학생들을 가르치고, 1970년에서 1990년 사이에 지어진 콘크리트 주택에 매료되어 한국의 집과 건물을 화폭에 담고 있다. 잉고 바움가르텐이 한국의 주택에 매료된 데에는 유럽에서 나고 자란 환경이 한몫했다. 대부분의 유럽은 일률적으로 집을 짓는다. 지붕의 규격, 방의 구조 등 하나하나 정해진 법규가 있고, 집을 보수하기 위해서는 20년 정도가 흘러야 한다. 반면, 한국의 주택은 전통과 현대의 대비가 뚜렷하면서도 주택의 구조나 형식이 저마다 다르다. 이 대비 속에서 한국인들의 개성이 묻어 있는 저마다의 스토리가 잉고의 시선을 끌었다. 그런 잉고는 한국인이라면 무심코 지나쳤을 지붕을 보고 영감을 얻었다. “마치 두 손을 모으고 기도하는 모습처럼 느껴졌어요.” 이방인 시선에서 한국 주택은 영감의 원천이었고, 한국 주택이나 건물의 한 단면을 극대화하여, 자신만의 상상을 더해갔다. 《기아 디자인 매거진》은 한국적이면서도 한국적이지 않은 잉고 바움가르텐만의 세계가 궁금했다. 한국에서 어떤 매력을 느끼는지, 그 매력을 어떻게 그려내는지 등 한국을 바라보는 잉고의 관점이. When we become familiar with a landscape, we often pass by it without much thought or feeling. Yet, there are those who, through careful observation, manage to transform the familiar into the unfamiliar and the ordinary into the beautiful, expressing it through drawing. One such individual is the German painter Ingo Baumgarten. He explores the structures and materials of architecture in everyday life, weaving his unique imagination into a distinct storytelling style. Encountering Ingo's artwork feels like being drawn into a new world, much like being pulled into "Alice in Wonderland." This prompts us to revisit the landscapes we once overlooked. And this is the beginning of the story of Ingo, who has been observing Seoul after living in Korea for 16 years and interpreting its houses and buildings in his own way, and engaging with the local people. Born in Hanover, West Germany, later raised up in a small town close to Düsseldorf, Ingo spent his school days there. He always longed for the rich culture of the big cities and set off for Paris to pursue his dream of becoming an art student and a young artist. After ending his studies in Germany, Ingo was accepted and invited to the Institute of Higher Studies in Visual Arts Paris to study. Not limiting himself to Paris, he also traveled to Taiwan, Japan, and Korea. Embracing a multicultural perspective, Ingo settled in Korea in 2008, becoming a professor at Hongik University to teach fine art. Captivated by the concrete houses built between the 1970s and 1990s, he brings Korean homes and architecture to life on canvas. Ingo Baumgarten’s fascination with Korean houses can be traced back to his upbringing in Europe. In most parts of Europe, houses are built uniformly, with specific regulations governing aspects like roof dimensions and room layouts. There are strict laws in place, and houses typically require about 20 years to undergo renovations. In contrast, Korea displays a stark contrast between tradition and modernity, with each home having a unique structure and design. This contrast and unique features of each house caught Ingo’s eyes. And he was inspired by the roof, something many Koreans might pass by without a second thought. “It felt like hands clasped together in prayer,” he remarked. From the foreigner’s point of view, Korean homes were a source of inspiration. By magnifying particular elements of Korean houses and buildings, and blending them with his own imagination, he portrayed the landscapes of Korea in his art. was curious about Ingo Baumgarten's unique world, one that feels both distinctly Korean and yet not, through the eyes of a foreigner. What was it about Korea that attracted him? How did he translate that allure into his work? And how does Ingo perceive the country?
자연과 사람 예술의 어울림
스페이스미조
Creating intricate synergy with nature, people, and art
Space Mijo
보통 건축 설계에 반영해야 하는 주변 상황이나 맥락을 ‘콘텍스트(Context)’라는 단어로 표현합니다. 이 때문에 건축가에게 있어 콘텍스트는 영감의 원천이 되기도 하는데요. 도시재생이라면 더욱더 이 콘텍스트는 건축가에겐 중심이 될 수밖에 없습니다. 새로운 실험과 도전으로 기존 건축물과 차별화하면서도, 기존 건축물이 가진 주변의 맥락과 어울림은 유지해야 하기 때문이지요. 그 명제를 기꺼이 받아들이며 낯설면서도 익숙한 공간이 탄생했습니다. 바로 스페이스미조입니다. 남해안의 드넓은 바다, 어선이 그득한 미조항, 그 뒤로 펼치는 산과 여러 섬이 중첩되어 만들어낸 한국화에서 볼 법한 풍경. 이 중심에 스페이스미조를 설계한 박석희, 이선희 건축가가 있습니다. 두 건축가는 미조항의 콘텍스트를 한국의 미감으로 풀어내기 위해 기존 건물의 골자는 그대로 두고, 미조항의 풍경과 어울리도록 스케일은 줄여갔습니다. 《기아 디자인 매거진》이 ‘스페이스미조’를 선택한 이유입니다. 건축가로서 도전과 시도를 통해 복합문화공간이라는 현대적 이름을 달았지만 한국적 미감으로 풀어내 미조항의 풍경에 자연스럽게 스며든 어울림. 《기아 디자인 매거진》에서 두 건축가가 써 내려간 스페이스미조의 이야기를 따라가 봅니다. 필자는 몇 해 전부터 ‘천년의 탐사대’를 꾸려, 한국 건축의 흔적을 찾아다니고 있었다. 최근에 알게 된 것은 부여에서 시작해, 고(句)려, 백제, 신라, 다시 고려, 그리고 조선. 현재에 이르기까지 아름다움에 대한 한국인의 미감이 시대에 따라 달라져 왔으며, 전 국토에 걸쳐 복합적으로 연결되어 있다는 것을 발견할 수 있었다. 이러한 발견의 한복판에 서면 필자는 한국의 건축가로서 이것을 현대 건축에 스며들도록 하고자 하는 시대정신에 마음이 조급해진다. 고유섭 선생이 우리나라의 미감을 정의한 ‘구수한 큰 맛’을 교본 삼아, 건축을 해나가면서, 필자의 설계는 도면에서 도저히 표현할 수 없는 복합적인 감각의 아름다움을 향해 나아가고 있다. 스페이스미조는 이러한 감각의 복합적인 상승 관계를 이끌어내는 작업이었다. In architecture, the word 'context' usually refers to the surroundings or factors that must be reflected in a design. For this reason, context is often a source of inspiration for architects, especially when it comes to urban regeneration. Context is even more central for architects when designing new buildings, as they need to experiment and differentiate themselves from the existing architecture, while still blending in with the surroundings and existing buildings. Space Mijo is a fine example of the successful fusion of unfamiliar and familiar elements. Mijo Port boasts a picturesque view with the vast blue ocean dotted with fishing boats, and layers of small islands and mountains. Two architects, Park Seokhee and Lee Sunhee created Space Mijo by redesigning an old warehouse to enable it to blend in at the Mijo Port whilst having a distinctive touch of Korean aesthetics and retaining its basic structure. Space Mijo is designed as a cultural complex yet has elements of traditional Korean aesthetics, thanks to the designers’ successful take on incorporating distinctive Korean aesthetics into its design. This makes Space Mijo a perfect item to be in the spotlight in the Kia Design Magazine. Read on to learn all about the story of Space Mijo written by the two architects. For many years, we have traveled around the country, exploring, and discovering different Korean architecture. Over time we learned that the Korean sense of beauty has changed over time, as different dynasties have risen and fallen, from Buyeo to Joseon. We also learned that elements of Korean aesthetics have been dispersed over time, and regions are intricately connected across the entire country. Upon discovering all this, we became eager to translate it into contemporary Korean architecture. Late art historian, Ko Yoosup, summarized traditional Korean beauty as ‘profound savory taste’. We used this as a guideline in the Space Mijo project, which led to some wonderfully complex sensory beauty that could not be expressed in a drawing. The project was all about achieving a complex synergy of sensory beauty.
새로움을
향한 무한한 자유
Unlimited Freedom Toward Newness
자개, 레진, 나무 등을 재료로 활용해 독특한 스타일링을 선보이는 헤어 아티스트 가베와 식물에 인공적 재료를 더해 외계 식물이라는 이색적인 작품을 선보이는 플랜트 아티스트 하이이화. 익숙한 소재로 새로운 시각적 경험을 제공하는 두 아티스트의 작업은 ‘상반된 개념의 창의적 융합(Opposites United)’에 대한 신선한 영감을 불러일으킵니다. 더 이상 새로운 게 있을까 싶은 영역에서 예상을 뛰어넘는 신선한 작품을 맞닥뜨리며 경이로운 감정이 고양될 때가 있습니다. 헤어 아티스트 가베와 플랜트 아티스트 하이이화는 이런 놀라움을 선사하는 작가입니다. 자개, 레진, 나무 등을 소재로 헤어 스타일링의 신세계를 보여주는 가베는 영감의 원천이 어린 시절의 기억에 있다고 고백합니다. 동양미술과 불교에서 영향을 받은 하이이화는 식물과 전자부품으로 낯선 외계 식물을 만듭니다. 두 아티스트는 익숙함에서 출발해 작품세계를 자유롭게 확장하며 새로운 창의성(New Creativity)을 선보입니다. 안녕하세요. 헤어 아티스트 가베입니다. 안녕하세요. 저는 인공적인 요소와 식물을 결합해 현실에서 경험할 수 없는 미지 세계의 외계 식물을 만드는 플랜트 아티스트 하이이화입니다. Gabe, a hair artist, creates unique hairstyles using mother-of-pearl, resin, and wood, while HA I I HWA, a plant artist, creates alien plants by adding artificial materials. The work of these two artists, who create new visual experiences with familiar materials, provides fresh inspiration for “Opposites United.” Sometimes, in an area where you think there cannot be anything new anymore, you come across something fresh that exceeds your wildest expectations and inspires a sense of wonder. Hair artist Gabe and plant artist HA I I HWA are two such surprising artists. Gabe, who uses mother-of-pearl, resin, wood, and other out-of-the-ordinary materials to showcase a new world of hairstyling, confesses that his inspiration comes from childhood memories. HA I I HWA, on the other hand, is influenced by Eastern art and Buddhism. She creates strange alien plants using plants and electronic parts. These two artists offer viewers a new sense of creativity by starting from the familiar and pushing the boundaries of their respective art worlds. Hello. I’m hair artist Gabe. Hello. I’m HA I I HWA, a plant artist who combines man-made elements with plants to create alien plants from uncharted worlds that we can’t experience here in the real world.
Let’s
Enjoy Your Discovery!
Let’s Enjoy Your Discovery!
지난 6월 기아글로벌디자인(이하 기아디자인)으로부터 조직 활성화를 위한 워크숍 설계를 제안받았다. 자동차 디자인은 많은 디자이너들이 서로 협업하며 결과물을 완성하는 과정을 거치기 때문에 디자이너 개인의 크레딧보다는 조직을 우선하는 편이다. 특히 커다란 포부와 의욕을 가지고 입사한 디자이너가 디자인 작업에 몰두한 지 3~5년 정도 되면 리셋을 위한 리프레시가 필요해진다. 이를 위해 창의적 사고를 재충전하는 맞춤형 1일 워크숍 기획이 필요하다는 게 골자였다. 워크숍을 통해 어떤 시간을 보내고 싶은 걸까, 조심스레 물어보니 몇 가지로 압축할 수 있었다. 밑줄이 필요한 단어로 빼곡한 문장들에는 구성원에게 도움을 주고 싶다는 기아디자인의 진심이 가득 담겨있었다. 특히 ‘오퍼짓 유나이티드Opposites United’라는 철학 아래 많은 이들의 영감을 총체적으로 모아 결과물을 도출하는 조직 입장에서, 그 근본을 이루는 디자이너 개인의 정체성과 브랜딩에 신경을 쓰고 계속 소통하려 노력한다는 점은 명징했다. 게임 디자인을 바탕으로 몰입형 워크숍(immersive workshop)을 진행하는 우리 ‘놀공NOLGONG’의 장기를 활용하면 조직과 개인에게 모두 도움 되는 흥미로운 장을 마련할 수 있지 않을까, 생각이 들었다. In June 2023, I was approached by the Kia Global Design Division (hereinafter Kia Design) to organize a workshop that would revitalize their organization. Automotive design is a process where many designers collaborate to complete a product, so the organization tends to take precedence over individual designer credits. That is especially true for designers who joined the company with great ambition and motivation yet could still use a boost of momentum to reset themselves after three to five years of such immersive design work. The key was to design a customized one-day workshop to recharge their creative batteries. After carefully asking them what they wanted to do during the workshop, I narrowed it down to a few things. Kia Design’s sentences, filled with words that needed to be underlined, contained the organization’s sincere desire to help its members. In particular, it was clear that as an organization that collectively harnesses the inspiration of so many people to produce results under Kia’s design philosophy, “Opposites United,” it still cares about the identity and branding of each designer—which becomes the organizational foundation—and tries to continue communicating with them on an ongoing basis. I thought we could create an exciting opportunity that would benefit both the organization and the individuals themselves by leveraging NOLGONG’s extraordinary ability to conduct immersive workshops based on game design.
디자이너 로베르트 클로스.
그의 다양한 이야기를 들어봅니다.
Designer Robert Klos. Hear his various stories.
아주 어릴 때부터 자동차, 기차, 자전거를 참 좋아했어요. 몇 살인지 기억도 안나네요. 기계적인 면모를 띤 움직이는 사물에 항상 관심을 빼앗겼죠. 아파트 창밖을 내다보며 저 멀리 지나가는 열차의 화물칸 갯수를 세곤 했다니까요. 동네에 처음 보는 차가 지나가거나, 큰 트럭을 발견할 때면 뛸 듯이 기뻐했던 경험도 기억나네요. (웃음) 또 다른 취미는 그림 그리기였어요. 건축물이나 아파트 설계도를 그렸는데, 건축사무소에서 일하시던 할머니의 영향을 받은 게 아닐까 싶어요. 물론 자동차도 자주 그렸습니다! TV에 나온 F1 자동차를 따라 그리곤 했죠. 제가 디자인에 관심을 가진 특별한 계기가 있어요. 14살 때 제 사촌이 제품 디자인을 공부하고 있었어요. 그가 만든 작업물을 본 순간 깨달았죠. ‘내가 하고 싶은 건 바로 이런 거였어!’ 저는 제품 디자인에서 한 걸음 더 나아가, 어릴 적부터 늘 제 넋을 빼놓던 자동차를 디자인하고 싶다는 꿈을 품게 되었어요. 하지만 목표를 이루기까지는 조금 시간이 걸렸어요. 당시 제가 살던 폴란드 바르샤바에는 자동차 회사가 없었고, 자동차 디자인을 전공할 길도 묘연했어요. 그래서 독일과 오스트리아에서 공부를 했답니다. 시간이 흘러 2017년부터는 기아유럽디자인에서 일할 수 있었죠. 지금 이렇게 《기아 디자인 매거진》과 인터뷰를 하는 거 보니, 결국 꿈을 이룬 게 아닌가 싶네요. 하하. Ha, that’s a very tricky yet straightforward question. The answer to it might be a bit too long, though, if I would go into every detail. Anyway… Ever since I can remember, I have been fascinated by cars, trains, and bicycles; I have no idea why. Everything that was moving and had some technicality always got my attention :). I remember looking out the window of the flat I lived in as a kid and counting wagons of trains passing by in the distance. I remember feeling super happy seeing a new car or big truck on our street. Also, for some reason, I can’t explain why I was drawing a lot: architecture and plans of the apartments (I think my grandma, who was working in the architecture office, influenced me a bit; my dad is a fantastic drawer, too, by the way!) And, of course, I was drawing cars! Especially F1 Cars when I watched it on TV (I was six years old). Things evolved quite a bit over the years, and finally, when I was 14, I got interested in art and design. My cousin was studying Product design and showed me some stuff he was working on. BUM, that was it! I decided to take it a step further and try car design, even though we didn’t have any car design school or car industry in Poland. It took some time, some moving to different countries and learning, but hey, now I am here, talking to Kia Design Magazine, so I think things worked out quite well in the end :)
선입견을 넘어 무한한 가능성의 세계로
드랙 아티스트 나나영롱킴
Beyond Prejudice: Advancing Toward a World of Infinite Possibilities — Nana Youngrong Kim, Drag Artist
나나영롱킴은 현재 한국에서 가장 인지도 높은 드랙 아티스트다. 연극영화과에 진학해 배우의 길을 모색했지만, 남녀의 고정된 성역할과 로맨스가 주를 이루는 관습적 연기에서 한계를 느끼던 그는 우연히 드랙 아티스트를 조명한 영화 〈프리실라〉와 〈헤드윅〉을 접했고, 영화에 등장하는 드랙 아티스트의 화려한 의상과 소품에 마음을 빼앗기며 드랙 문화에 빠져들었다. 그때부터 현재까지 18년이라는 시간 동안 그는 기존의 클럽 무대에 머무르지 않고 다양한 문화 예술 장르에 도전하며 ‘성소수자들만의 문화’라는 드랙의 선입견을 허무는 데 지속적인 역할을 담당했다. 브라운아이드걸스, 마마무, 박효신, 유노윤호 등 다양한 K팝 아티스트와 협업했고, 럭셔리 브랜드 베르사체, 모스키노, 로에베, 루이 비통 등의 러브콜을 받았으며, 코스메틱 브랜드 헤라HERA의 캠페인 모델로 활동하며 컬래버레이션 제품을 발매했다. 그는 드랙을 주제로 한 개인 다큐멘터리 〈NA, NA〉를 제작하고, 한국 드랙 아티스트로는 유례없이 사진전을 여는 등 드랙 문화의 확장성을 계속 증명하는 중이다. Korea’s drag culture, once considered “cross-dressing” and enjoyed by just a small group of people, is now entering a new phase. Today, different definitions and categories of drag culture are emerging, and drag artists are expanding into a variety of genres. One name on this new cultural map is Nana Youngrong Kim, one of Korea’s leading drag artists. As a drag artist, Kim embraces freedom of expression and the diversity of genres, direct proof of his belief that drag is the act of being able to be absolutely anything. Drag culture is a liberating medium in that it can help anyone in the world move forward in the direction of their choice. Kia Design Magazine met up with Kim and listened to his perspective and attitude to change many of the stereotypes surrounding drag and highlight the infinite possibilities of drag culture as a driving force to enrich our times.

인턴 디자이너 보웬 주. 그의 다양한 이야기를 들어봅니다. Intern Designer Bowen Zhou. Hear her various stories.

Q1.
안녕하세요. 자기소개를 부탁해요.

Q1.
Hello. Please introduce yourself.

제 이름은 보웬 주Bowen Zhou입니다. 우리 삶에 희망과 즐거움을 더하는 디지털 경험을 디자인하고 있어요. 기아에서 인턴을 하기 전에는 로드아일랜드디자인스쿨(RISD)에서 산업디자인과 조각을 공부했습니다. 재학 중 NASA에 증강 현실 소프트웨어를 제공하는 팀을 이끌기도 했고, 현대자동차 프로젝트에 참여하며 미래의 도시 풍경을 만들기도 했어요. 브라운 스페이스 엔지니어링Brown Space Engineering의 지상 소프트웨어 팀에서 일한 경험도 있답니다.

I’m Bowen Zhou, I design digital experiences to empower this hope and exhilaration for living in others. Before interning at Kia, I studied industrial design and sculpture at RISD. There, I led a team to deliver augmented reality software to NASA, created future cityscapes for Hyundai Motors, and worked on the ground software team at Brown Space Engineering.

Q2.
2022년 10월부터 12월까지
기아의 선행 디자인을 담당하는
기아 퓨처 디자인실에서 인턴으로 일했어요.
참여하게 된 계기가 궁금합니다.

Q2.
From October to December 2022,
You had an internship opportunity
at Kia Future Design team in charge of Kia’s preceding design.
Do you have a special reason to participate?
What made you come to Kia?

예전 현대자동차 프로젝트에 참여했을 때 매 순간이 너무나 좋았어요! 가까운 미래를 진지하게 상상하면서 그곳과 사람의 연결 경로를 설계하는 경험은 쉽게 얻을 수 없잖아요. 게다가 미국에 사는 입장에서 지구 반대편인 한국으로부터 도착하는 피드백을 적용해 디자인하는 경험은 무척 신기했어요. 그래서 기아에서 인턴으로 일할 기회가 찾아왔을 때 결코 놓치지 않겠다고 생각했죠.

I loved every second at Hyundai Motors. It’s not often that we get the freedom to seriously imagine possible futures and design pathways that would bridge us there. It was also amazing that I got to design with feedback coming from the other side of the world! Needless to say, when there was an opportunity to intern at Kia, I jumped on the wagon.

Q3.
인턴 기간에 참여한
‘그로잉카Growing Car’ 프로젝트가 흥미로워요.

Q3.
“Growing Car,” an assignment project
you participated in during the internship,
seems quite interesting.
Could you give me
a comprehensive explanation of the project?

기아 퓨처 디자인실에서 인턴을 하면서 그로잉카의 개념을 정의하고, 커뮤니티 성장의 매개체로 모빌리티를 재해석했어요. 최근 들어 교통은 종종 사람들의 생활권을 분리하고 자원의 불균등한 분배와 불평등에 관한 문제를 야기하고 있습니다. 저는 가까운 미래에 모빌리티가 서로의 삶을 떨어뜨리기보다 사회적으로 지속가능한 커뮤니티 기능을 제공하는 방법을 제안했어요. 그 결과인 그로잉카는 공간에 대한 이웃의 사회적 요구와 변화에 대응하면서 사회적 성장을 촉진하는 ‘살아있는 기계’를 의미해요. 최종 단계에서는 커뮤니티의 건전한 성장을 촉진하는 핵심 요소가 어떤 모습이고, 서로 어떻게 상호작용할 수 있는지에 대한 시스템 개념을 정립하고, 그 비전을 특정하는 구성 요소를 현실화하는 프로토타입을 분석하는 전략을 짰습니다.

During my internship at Kia Future Design team, I defined the concept of the “growing car” and reimagined mobility as an agent for community growth. Current transportation often separates living zones and causes unequal resource distribution and inequality. My design proposed a near future where mobility serves a community function by creating social sustainability instead of segregating lives. In this proposal, a “growing car” is defined as a living machine that promotes social growth by responding to the changing spatial social needs of the neighborhood. My final deliverables were the mission strategy which breaks down key elements we need to focus on to promote healthy growth in a community, a system concept for what a “growing machine” could look like and how they can interact with one another, and physical prototypes that materialize specific components of the vision.

그로잉카가 지역 사회의 성장을 촉진하는 데 도움이 되려면 천천히 움직이고, 유연하면서도 빠르게 반응하는 공간이 필요해요. 그 결과로 이동식 조류(藻類) 포켓 파크가 탄생했습니다. 조류는 수관의 물을 따라 이동하는 거품의 ‘표면’에 붙어 자라는 생물이에요. 조류의 표면은 소재의 물리적 접촉에 반응하면서 확장 및 수축을 통해 조류의 성장에 영향을 미치죠. 그렇게 만들어지는 다양한 수준의 녹지 공간은 커뮤니티가 상호작용한 흔적을 반영합니다. 조류가 성장하는 가운데 오염물질을 흡수하고 신선한 공기와 지역 사회를 위한 먹거리까지 창출해요.

As a strategy for arriving at a “growing car” that promotes neighborhood growth, we need to design slow-moving, flexible, and responsive spaces for community interactions. Such spaces can take the form of mobile algae pocket parks. Algae are grown on the “skin” of these mobile bubbles carried by water in tubes. The algae “skin” would respond to physical touch by expansion and contraction of the fabric, thereby affecting algae growth and creating spaces with different levels of greenness to reflect community interaction history. As algae grow, it sucks pollution and produces fresh air and food for the neighborhood. This system provides an interaction framework that can be applied to future works.

A view of the Growing Car, which has evolved into mobile algae pocket parks.
이동식 조류(藻類) 포켓 파크로 발전한 ‘그로잉카’의 모습.
A design study for the surface of mobile algae pocket parks.
이동식 조류 포켓 파크의 표면을 위한 디자인 스터디.

프로젝트의 핵심은 포켓 파크의 유연한 표면을 디자인하고 프로토타입으로 완성하는 것이었어요. 인간의 근육을 본뜬 인공 근육인 맥키번 근육을 사용한 표면은 조류 수관 내부의 압력 변화에 따라 반응하며 움직이는데요. 아래는 표면 디자인의 기능 중 일부입니다.

The core of the project is the design and prototyping of the flexible “skin” of the pocket parks. The designed skin uses McKibben muscles to carry algae water through the fabric. It uses pressure change in the algae water tubes to create movement and responsiveness on the surface. Below are some capabilities of the design.

1. 물을 펌프질하며 압력을 가하는 시스템을 통해 표면은 특정 방향으로 움직일 수 있어요.

1. The “skin” can perform directional movement when pressure is added more by pumping algae water through the system.

2. 표면은 수압 변화와 더불어 물리적 접촉까지 더해지면 다른 형태로 변할 수 있습니다.

2. The “skin” can conform to different shapes when physical touch is applied on top of changing the water pressure.

3. 표면에 종이 접기식 구조를 적용하면 움직이는 동안 외양이 바뀌는 효과가 나타납니다.

3. The skin can change its visibility during movement when origami cuts are applied on its surface.

결국 그로잉카는 미래의 도시 모습을 새롭게 생각하는 기회를 제공해요. 빠르고, 견고하고, 빛나는 도시가 아니라 느리고, 유연하고, 반응하는 도시 말이죠.

In conclusion, this design proposes a new way of thinking about our future city. Shifting our imagination from a fast, rigid, and shiny metropolis to a slow, flexible, and responsive city.

Q4.
UX와 지속가능성 측면에서 기아는
미래 모빌리티에 어떻게 접근하던가요?

Q4.
How does Kia approach future mobility
in terms of UX and sustainability in your view?

기아의 CMF 팀을 방문한 기억이 선명해요. CMF 팀을 이끄는 팀장님은 무척이나 너그러운 마음씨로 지속가능성을 이루기 위한 기아의 비전을 단계별로 친절히 설명해 주셨죠. 지구상의 많은 회사가 소비자의 관심을 끌기 위해 지속가능성이란 슬로건을 앞세워 ‘그린 워싱greenwashing’을 하고 있어요. 이와 다르게 기아는 지금 바로 변화를 만들 수 있는 실행가능한 단계에 집중하고 있더군요. CMF팀에 있던 소재 라이브러리는 친환경 소재와 디자인 실험을 위한 보물창고나 다름없었는데요. 전시장에 진열한 작품, 작업대 위의 반제품을 살펴보며 디자이너의 열정과 진심을 충분히 느낄 수 있었어요. 기아는 미래의 삶에 필요한 상품을 생각하기 전에 먼저 미래의 삶을 어떻게 바꿔야 하는지 생각한다는 점에서 옳은 방향으로 나아간다고 생각합니다. 다른 기업이 비싸고 유지 비용이 높은 라이프스타일을 선전하는 세상에서 기아는 마치 이렇게 말하는 것 같았죠. “여러분. 일단 숨 좀 돌리면서 지금 만들려는 세상이 정말 우리가 살고 싶은 건강한 세상인지 확인할까요?” 녹색 미래라는 동일한 꿈을 향해 기아 디자이너 모두가 함께 나아간다는 인상을 받았어요.

I had a memorable experience visiting the CMF team at Kia. The head of the team was extremely generous and explained to me Kia’s vision for achieving sustainability step by step. Unlike a lot of companies that practice “greenwashing” where sustainability is used as a slogan to attract consumers, Kia is focused on actionable steps that would start making changes now. The material library at the CMF team was a treasure room of green materials and design experiments. From the displayed pieces in the showroom to half-finished materials on work desks, I felt the passion and enthusiasm of Kia designers. What Kia gets right when approaching the future, is to think about the type of living they want to promote before they think about the objects they are making for these lives. In a world where companies are campaigning for high-cost and high-maintenance lifestyles, Kia is saying: “Hey, let’s take a second and make sure the world we are making is a healthy one that we want to live in.” As a result, their designers can work with the certainty that they are achieving the same dream of a green future.

Q5.
에릭 메이어Eric Meyer의 저서인
『문화지도(The Culture Map)』가
인턴 생활에 많은 도움이 되었다고 들었어요.
서로 상충하는 동서양의 문화와 특성을
여러모로 이해하는 계기가 됐겠네요.

Q5.
I heard that Eric Meyer’s book The Culture Map
was very helpful during your internship.
The experience working at Kia Future Design team in Seoul
seems to have given you an opportunity
to understand the conflicting cultures and characteristics
of the East and the West in various ways.

제가 기아에서 겪은 패러다임의 변화 중 하나는 서로 다른 문화가 소통 방식에 어떤 영향을 미치는지 확실히 알게 되었다는 거예요. 인턴십을 통해 성장하고 적응하면서 더 나은 커뮤니케이션과 경청을 경험했죠. 에릭 마이어의 책은 기아에서 중간 평가를 받은 다음부터 읽기 시작했어요. 평가서에 적힌 말이 무슨 뜻인지 완전하게 이해하기가 힘들었거든요. 미국에서는 분명하고 과장된 표현과 말투로 가득한 비평을 주고받았어요. “전적으로 동의합니다!”, “강력하게 반대합니다.” 이런 표현이 회의에서 자주 튀어나왔죠. 그런데 한국에서는 이런 비평이 일반적이지 않더라고요. 제 중간 평가에 참여한 팀원의 글은 다들 중립적이고 침착했거든요. 저로서는 무슨 생각으로 쓴 건지 이해하기 힘들었어요. 『문화지도』는 문화권에 따른 의사소통 방식의 뉘앙스와 차이점을 정말 잘 설명해주는 책이에요. 미국은 가장 저맥락 커뮤니케이션이 일어나고 한국은 가장 고맥락 커뮤니케이션이 일어나는 양극단의 위치에 존재한다는 사실을 알게 되었죠. 사람들 앞에서 공공연하게 부정적인 피드백을 주는 게 미국 스타일이란 걸 깨달은 저는 이후 좀 더 소규모 그룹이나 일대일 대화를 통해 평가를 청했어요. 접근 방식을 바꾸자 시사점이 충만한 피드백을 받을 수 있더군요! 책에서 얻은 교훈을 팀 리더와 공유하니까 제 이해력을 높이기 위해 의사소통 방식이 더 직설적이고 분명하게 바뀌기도 했어요. 문화 장벽을 경험하며 이를 식별하고, 적응하고, 학습한 점을 공유하는 경험은 성장과 협력을 위한 놀라운 촉매제가 되었습니다. 기아 디자이너의 친절한 격려와 이해가 없었더라면 아마 불가능했을 거예요.

One of the many paradigm shifts I had was seeing how our cultures affect how we communicate with one another. The internship propelled me to grow and adapt to become a better communicator and listener.I started reading Eric Meyer’s The Culture Map after I received a mid-term review at Kia that I didn’t entirely understand. In America, I was used to critiques filled with clear and exaggerated expressions and speech. “Absolutely!” and “I strongly disagree.” are frequent phrases used in meetings. I soon realized this way of communicating is not universal and not common in workplaces in Korea. As an example, my teammates’ language and expressions were neutral and composed during my mid-term critique, not used to this type of feedback, I didn’t understand what they were thinking.

The Culture Map does a really good job explaining the nuances and differences in the communication styles of cultures. I learned that America and Korea are at opposite ends of the low-context versus high-context communication scale. Which refers to how direct or layered communication in a country is. America and Korea also give negative feedback differently. The USA is more comfortable giving direct negative feedback in public than Korean culture. Learning this, I started to seek out critiques in smaller groups and one-on-ones. When I changed my approach, I was delighted to receive abundant thought-provoking feedback from the team. Furthermore, when I shared the lessons I learned from The Culture Map with my team members and leaders, they were extremely receptive and generous. They adapted their communication style to be more direct and clear to help me better understand their critiques. Experiencing cultural barriers, identifying them, and learning to adapt and share the learning was an amazing catalyst for growth and collaboration between my co-workers and me. This was not possible without the amazing support and understanding of the kind people at Kia Future Design team.

Q6.
인턴을 하면서 기아 디자인 철학인 ‘Opposites United’에 대해
생각할 기회가 있었을 것 같아요.
당신만의 ‘Opposites United’는 무엇인가요?

Q6.
You must have thought about
the Kia design philosophy “Opposites United”
while you were an intern.
After all, what was your own OU?
Could you share your thoughts and perspectives?

세상 모든 것은 끊임없이 서로 충돌하고 상호 작용하는 대립 항의 조화입니다. 대립하는 요소 없이 혼자 존재하는 건 불가능해요. 그런 면에서 ‘Opposites United’를 유용하게 활용하는 방법은 의사 결정 과정에서 각기 다른 반대 관점을 통합하는 것입니다. 오늘날의 세계, 특히 미국에서는 정치적 스펙트럼의 양쪽이 서로 극단적인 견해를 가진 듯해요. 자신의 견해를 극단적으로 확신하면 위험하고 격한 행동으로 이어지기도 합니다. 사용자를 위한 제품을 만들 때 우리는 포용력을 보이며 사려 깊게 행동해야 할 책임이 있습니다. 자신의 의견을 검토하면서 반대쪽 견해도 살펴봐야만 하죠. 서로 다른 이야기, 의견, 관점을 통합하고 분석할 때 균형 잡힌 제품 전략을 도출하고 의도치 않게 해를 입히지 않으면서 삶을 개선하는 결과물을 내놓을 수 있다고 생각해요. 결국 디자이너와 의사 결정권자가 긍정적인 영향력을 발휘하기 위해서 ‘Opposites United’의 사고방식은 필수입니다.

Everything in this world is a harmony of opposites that are constantly colliding and interacting with one another. I don’t think there’s anything that exists without a counter element to it on a mathematical and psychological level. I like to think of “Opposites United” as an approach to thinking and a way to perform. A useful way to apply this is by uniting opposing perspectives in our decision-making process. These days, we are getting extreme views from opposites of the political spectrum. Being too extreme and certain in one’s view can be dangerous and leads to drastic actions. When we create products for users, we carry a responsibility to be inclusive and thoughtful. It is important to check ourselves and seek out opposing views to our own. By unifying different stories, opinions, and perspectives into our analysis, we can conclude a well-rounded product strategy and create inventions that improve lives rather than causing unintentional harm. “Opposites United” is an essential approach of thinking for designers and decision-makers to make a positive impact.

Q7.
이제 프로 디자이너로 일하게 될 텐데요.
디자인에 대한 개인적인 관점과 태도가 궁금합니다.

Q7.
You are about to start your career
as a professional designer.
I am curious about
your personal perspective and attitude toward design.

디자인에서 가장 중요한 점은 한 마디로 ‘인간화’입니다. 애플 PC의 인터페이스만 하더라도 컴퓨터를 인간화한 결과물이죠. 우리는 컴퓨터 언어를 배워서 컴퓨터와 말하는 게 아니라, 컴퓨터가 사람처럼 말하도록 힘써왔어요. 이런 경향은 인류가 음식을 더 잘 담을 수 있게 돌을 오목하게 깎기 시작한 이래 인간에게 도움이 되는 물건을 디자인하는 모습에서 발견할 수 있습니다. 즉, 인간다운 환경을 디자인하려는 욕구가 있는 거죠. 저는 더블 다이아몬드 디자인 프로세스를 자주 사용한다는 점에서 사용자 인터페이스와 사용자 경험 디자인에 관심이 많아요. ‘마음에 드는 디자인’을 하기 전에 ‘제대로 사용되는 디자인’을 하고 있는지 확인하는 건 매우 중요해요. 디자인에 드는 시간 중 절반이 필요하죠. 거의 모든 것이 가능한 한계 없는 미래로 나아가는 와중에 제품 제작에만 집중하지 말고 ‘왜 이것을 디자인하고 있을까?’ 근본적인 부분을 검토하는 일은 꼭 필요합니다. UI·UX 프로세스는 이런 대목에서 그 역할이 탁월하죠. 저는 사용자 경험 디자이너로서 사용자의 의견을 경청하고 통찰력을 반영해 삶을 개선할 전략을 세우는 걸 좋아해요. 사용자 경험 디자인을 통해 저는 공감하는 법을 배웠답니다. 좋은 디자인 프로세스는 우리를 좀 더 나은 사람으로 만들어준다고 생각해요.

The best thing about design is that it can be simplified into the phrase “to humanize.” When apple computer interfaces were designed all those years ago, it humanized computers so that it is not us who have to learn the computer language in order to speak to them, it is the computers that learned to speak humanly. We had been designing things to serve humans for as long as we started making stones to be concave so that they hold our food better. I see the desire to design a condition of being human.

I’m especially passionate about user interface and experience design because it often employs the double-diamond design process. In this process, designers spend half of their time making sure they are “designing the right thing” before they start “designing the thing right.” As we progress to an extremely capable world where the sky’s the limit, it is crucial to take time and examine why we are designing something before we spearhead into making the product. This is where the UI/UX process excels. Being an experience designer, I love to listen closely to users, conclude insights, find design opportunities and strategize on ways we can improve the lives of these voices. Experience design taught me to empathize. Good design processes such as those make us better people.

Q8.
이번 기아에서의 인턴 경험이
당신의 미래에 어떤 영향을 미치게 될까요?

Q8.
How do you think
this internship in Kia will affect your future?
I am very curious.

기아에서 일하면서 직장 리더십과 문화에 대한 기대치가 매우 높아졌어요. 공동체의 일부라는 느낌을 주는 사람들과 함께 일하는 게 어떤 느낌인지 알 수 있었죠. 혼자서 꿈을 좇는 일은 외롭잖아요. 동료가 있다는 사실이 어떤 느낌인지 기아에서의 인턴십 경험에서 여실히 느꼈습니다, 정말 놀라웠죠. 공통의 목표를 가지고 함께 일할 때, 내가 존중하는 사람들이 곁에서 나를 응원해주는 느낌이란! 앞으로 저는 의미 있는 일을 찾는 노력뿐 아니라 기아에서 만난 사람처럼 서로 응원하는 동료를 찾는 일도 게을리하지 않을 거예요.

Kia lifted my expectations for workplace leadership and culture to a remarkably high standard. My experience at Kia gave me a taste of what it is like to work with people with that I feel a part of a community with. It is lonely to pursue a dream by yourself. Working at Kia, I felt what it is like to have comrades. It’s amazing to know that the people you respect are there to support you as you work towards a common goal together. Moving forward, I would put in the effort to not only find work that I find meaningful but also find teammates who support one another like the ones I encountered here.